Le Palais de Tokyo propose la première rétrospective de Cathy de Monchaux, figure majeure de la scène artistique britannique à travers un ensemble d’une cinquantaine d’œuvres datant de 1984 à aujourd’hui. L’exposition nous tiraille entre désirs et dangers épidermiques, réunissant des dessins techniques, des archives d’œuvres détruites, des sculptures et installations, verticales ou horizontales, au mur ou au sol ; l’artiste malmène les repères, en particulier de la phallocratie du langage philosophique et artistique, un « privilège accordé à la rectitude […] à la symbolique du phallus et du même coup réduction de la femme à la matière-matrice, à la mère, au vagin-utérus »¹.

Parcours de l’exposition

Le parcours révèle la frontière dans toute sa diversité : elle peut être lieu de ressources et de richesses, espace de tri des personnes ou de contrôle des données, zone de conflits ou de paix, ou encore limite maritime. Construite par des choix politiques ou résultant de rapports de force, la frontière n’a rien de naturel.
À travers une variété de situations et de contextes, chaque exemple présenté illustre les multiples facettes d’un mot qui recouvre des réalités totalement différentes selon les territoires et les enjeux.

Le parcours adopte une approche fragmentée, faisant découvrir des frontières singulières et d’autres universelles. Il réunit une grande diversité de médiums (cartes, analyses, photographies et œuvres) qui offrent autant de regards croisés sur la frontière. Géographes, artistes, citoyennes et citoyens y apportent chacun leur perspective, révélant la richesse et la complexité de cet objet d’étude et de représentation.

L’entrée de l’exposition plonge immédiatement le public dans l’expérience d’un passage de frontière grâce à un garde-frontière doté d’une intelligence artificielle.
Les visiteurs peuvent interagir avec l’IA et vivre un contrôle fictif, créant un moment à la fois immersif et dystopique.

Le parcours se compose de dix îlots thématiques :

• Mexique – États-Unis, la frontière XXL
• Venezuela – Colombie, une frontière aux mains des gangs
• Cyberespace : des frontières invisibles
• L’Europe, un projet de paix
• L’Europe, des frontières mortelles
• Les limites maritimes : mais où sont-elles ?
• Corée du Nord – Corée du Sud : la zone démilitarisée la plus militarisée du monde
• Géorgie – Russie, une frontière menaçante
• Cameroun – République centrafricaine, les effets d’une frontière humanitaire
• Niger – Algérie, une frontière de sable

Le parcours se conclut par un film de 30 minutes. Il rassemble les thématiques de l’exposition pour en offrir une vision globale, remettre en question les idées reçues et enrichir la compréhension des concepts transversaux liés aux frontières. Ce film pose un regard engagé, nourri de points de vue pluriels, notamment féminins, et invite les visiteurs à élargir leur perception des frontières tout en facilitant la mémorisation des éléments clés du parcours.

Avec cette exposition, le public découvre comment les frontières traduisent et interrogent les grands enjeux politiques, sociaux et environnementaux, tout en explorant les tensions et équilibres qui façonnent notre monde.

Informations pratiques

15 € | 12 € |
Conseillée à partir de 12 ans
Exposition trilingue (français, anglais, espagnol)
Ouverture de 10h à 18h du mardi au samedi et de 10h à 19h le dimanche

Ces paysages sont pensés comme des espaces de voyage et de découverte. Les références à l’Antiquité, à l’Orient, aux cultures européennes et aux civilisations lointaines nourrissent une mise en scène sensible. Des maquettes anciennes en forme de pyramides, de temples et de pagodes chinoises illustreront la multitude d'univers convoqués en un lieu. 

En effet, le jardin se conçoit désormais comme une promenade qui permet de voyager de la Rome ou de la Grèce antiques à la Chine, de la montagne à la ferme, de parcourir l’histoire des nations de l’Égypte aux Saxons, ou encore d’évoquer les hommes illustres antiques ou contemporains.

À travers la découverte d'objets décoratifs, de dessins et de plans d'inspiration orientale, le public pourra se figurer l'influence majeure qu'a l'ailleurs sur l'imaginaire de la société du XVIII^e siècle.

Reflets des idées des Lumières, les jardins incarnent également une nouvelle relation au monde et à la nature. L’influence de Rousseau est omniprésente : ses descriptions de la nature à Ermenonville, les débats sur l’éducation, la promenade, la méditation ou la rêverie imprègnent ces espaces. Le paysage devient ainsi un langage, un espace de réflexion autant qu’un lieu d’émotion. 

L'art du paysage s'invitait aussi jusque dans l'intimité. Ainsi, à travers la réunion exceptionnelle de quatre toiles d’Hubert Robert prêtées par le Metropolitan Museum of Art de New-York, l'exposition restituera le décor de la salle de bain du château de Bagatelle afin de plonger le visiteur dans l’atmosphère spectaculaire et immersive de cette pièce.

Vie au jardin

La seconde partie de l’exposition invitera le public à entrer dans l’intimité de ces paysages habités, où se joue une transformation des modes de vie aristocratiques à la fin de l’Ancien Régime. 

Ces jardins favorisent l’émergence d’une vie de campagne élégante et largement fantasmée. Les usages évoluent tout comme les apparences  : vêtements plus légers, chapeaux de paille tressée, mobilier de jardin, accessoires adaptés à la vie extérieure, comme en témoignent les portraits peints par Élisabeth Vigée Le Brun et George Romney. Le jardin devient un espace de sociabilité raffiné, où se mêlent intimité, représentation et liberté.

Véritables laboratoires de création, les fabriques et leurs décors donnent naissance à des formes inédites de mobilier et d’objets. Inspirées de l’Antiquité, de l’exotisme ou du monde rustique, ces pièces hybrides traduisent une inventivité sans précédent. Table en bambou pour la pagode de Chanteloup, tabouret de concrétions de grotte conservé au Bowes Museum ou encore les chaises de roseaux pour la Chaumière aux coquillages de Rambouillet seront présentés dans l'exposition. Ils témoignent du prolongement de l’esthétique du paysage dans les usages quotidiens où s’estompe la frontière entre nature, architecture et arts décoratifs.

La dernière partie de l'exposition sera consacrée au jardin en tant que scène festive, cadre de fêtes somptueuses. Illuminations, spectacles, et jeux nocturnes transforment les paysages en décors éphémères, propices à l’émerveillement et à l’illusion. Les peintres Claude-Louis Chatelet et Louis-Nicolas de Lespinasse saisissent ces instants suspendus, où le jardin devient le théâtre d’un art de vivre hédoniste, joyeux et profondément moderne, comme en témoignent par exemple les fausses éruptions volcaniques de Worlitz. 

Le prêt exceptionnel par la Banque de France de la célèbre Fête à Saint-Cloud (1755-1780) de Jean-Honoré Fragonard, et de deux autres toiles de la National Gallery of Art de Washington du même ensemble réunies pour la première fois, évoquent ces instants de plaisirs baignant dans une atmosphère irréelle et enchantée. Ces magistrales compositions témoignent de ce plaisir de vivre qui caractérise la fin de l'Ancien Régime. 

Se promener dans un jardin anglais : le domaine de Trianon

Le Domaine de Trianon offre un témoignage remarquable de l’art du jardin anglais au XVIII^e siècle : admirablement préservé, il conserve l’essentiel des codes du jardin paysager, dont il incarne encore aujourd’hui le charme rustique et l’esprit poétique.

Dès 1774, année de son accession au trône, la reine Marie-Antoinette a un grand projet pour le Petit Trianon : la création d'un jardin anglais. Son architecte Richard Mique, et le jardinier Antoine Richard réalisent des travaux considérables pour composer un nouveau paysage de lacs, de montagnes, de grottes et de rivières. En 1776, la première fabrique construite prend la forme d'un manège d'inspiration chinoise dans laquelle les proches de la reine s'adonnent au jeu de bague. À sa suite seront créés le temple de l'Amour, le Belvédère et le Hameau de la Reine, véritables symboles du jardin paysager. 

La reine évolue dans ce décor de théâtre avec une société choisie. Elle en fait un lieu de plaisirs et d’amusements, de promenades et de fêtes, lui permettant de prendre ses distances avec l'étiquette. Chaque membre de la famille royale créera ensuite sa propre folie, Mesdames à Bellevue et à l’Ermitage de Versailles, le comte d’Artois à Bagatelle ou encore le comte de Provence du parc de Balbi.

L’exposition se concluera en invitant le visiteur à prolonger son parcours dans les jardins de Trianon pour qu’à son tour il puisse se perdre dans les recoins sinueux du jardin paysager. Elle évoquera également les jardins anglais qui se laissent encore contempler aujourd’hui, tels qu’Ermenonville, le Désert de Retz ou le parc de Bagatelle. 

Un thème inscrit dans l’histoire du lieu

Présenter une exposition consacrée au paysage à la Maison Caillebotte s’impose naturellement. Au XIXe siècle, la propriété fut la résidence de la famille Caillebotte et le parc paysager devint l’atelier de plein air de Gustave. Son ami proche Claude Monet fréquenta également les lieux et s’en inspira, quelques années plus tard à Giverny, pour imaginer son célèbre bassin d’eau et sa passerelle.

Le domaine lui-même constitue un paysage. Le parc, dessiné « à l’anglaise » en 1824 après l’acquisition de la propriété par Pierre-Frédéric Borrel, fut conçu comme une promenade ponctuée de fabriques ornementales. Dans l’esprit romantique du début du XIXe siècle, la nature y est idéalisée et mise en scène : vallons, rocailles et perspectives composent un paysage pittoresque animé par la présence de la rivière.

Monet et les artistes contemporains : un dialogue

Assis au bord du bassin de son jardin à Giverny, Claude Monet découvre ce qui deviendra l’une des révolutions majeures de la peinture : le miracle des Nymphéas. Dans sa quête incessante de la lumière, il dissout progressivement les frontières de l’espace pictural. La peinture n’est plus une « fenêtre » ouverte sur une scène, mais un espace immersif dans lequel le spectateur est invité à entrer.

La peinture ne cherche plus à représenter le monde, mais à en restituer la vibration, la matière et la lumière. Par ce geste radical, Monet ouvre la voie à la peinture moderne et élargit considérablement le champ des possibles.

À travers une soixantaine d’œuvres, le parcours de l’exposition se déploie en neuf salles, chacune consacrée à un artiste contemporain répondant à sa manière aux questions ouvertes par Monet.

Le paysage y est entendu dans un sens large : il englobe campagnes, jardins et espaces naturels, sans exclure le paysage urbain.

Dialoguent avec les Nymphéas de Monet les profondeurs telluriques d’Evi Keller, l’intimité lumineuse de Jacques Truphémus, la mémoire et la forme chez Markus Lüpertz, les atmosphères suspendues de Malgorzata Paszko, l’hyper-perception de Youcef Korichi, les paysages gravés d’Érik Desmazières, la puissance de la couleur chez Charlotte de Maupeou ou encore la densité picturale de Ronan Barrot.

Sans filiation stylistique apparente, ces œuvres se répondent pourtant. Toutes partagent avec Monet une même liberté face à la nature et à sa représentation.

L'Égypte est, aux yeux de l'artiste, le cadre d'un orientalisme sensuel et consenti, avec des images qui en reprennent les codes : des couleurs chaudes acidulées, baignant dans une atmosphère paisible faite de désirs et de rêves, mettant en scène un Orient libre, sans interdit ni censure. Outre l'orientalisme, l'esthétique des décors épurés convoquant les bleus et les blancs unis dans des effets de transparences reflètent les influences symbolistes de l'artiste. Les thématiques de l'exil, de la renaissance et du rêve sont omniprésentes dans son travail. Les postures de dos de ses autoportraits, pourtant sans visage, sont teintées de mélancolie et entretiennent un parfum de mystère. 

Le titre de l'exposition « De rêver encore (To Dream Again) » met en avant la place centrale du rêve dans l'œuvre de Youssef Nabil, mais aussi dans les courants orientalistes et symbolistes auxquels elle se rattache.
La citation retenue, extraite de l'Acte III, scène 2 de La Tempête de William Shakespeare, conclut le monologue du personnage de Caliban. Ce passage, devenu emblématique de la littérature anglo-saxonne, est attribué à ce personnage métis et asservi, souvent interprété comme un symbole des populations autochtones en Méditerranée colonisées par les Européens du Nord. Son lyrisme surprend par le contraste avec l'argot habituellement utilisé par Caliban dans la pièce.
La scène est illustrée par Odilon Redon, dont l'œuvre emblématique Sommeil de Caliban est présentée dans l'exposition.

Si la guerre a toujours entraîné des destructions, le début du XXIᵉ siècle révèle une intensification et une systématisation des atteintes portées au patrimoine culturel et naturel. L’exposition met en lumière cette réalité contemporaine et pose une question essentielle : comment la guerre révèle-t-elle ce qui est irrémédiablement perdu, tout en faisant émerger les gestes de résistance qui rendent possible une réparation future ?

À travers un ensemble remarquable de cartes, textes, maquettes, photographies, vidéos, œuvres contemporaines et répliques numériques réalisées par Iconem, l’exposition propose un parcours en trois séquences. Conçue comme un grand reportage, elle tisse un récit documenté, visuel et sensible, croisant les regards d’architectes, d’artistes, de chercheurs, d’acteurs de terrain et de témoins.

L'exposition, en mettant à distance le tumulte du monde, offre au visiteur un temps de réflexion indispensable face au flot d'informations en continu.

Effacer
La destruction du patrimoine prend aujourd’hui des formes multiples : dynamitage de sites emblématiques, bombardement massif de villes, abandon délibéré de territoires, pillage et trafic de biens culturels. Cet effacement touche aussi les patrimoines ordinaires et immatériels, à travers les déplacements de populations, le « nettoyage culturel », l’urbicide, le ruricide ou l’écocide. Loin de l’image d’une guerre « propre », ces pratiques révèlent l’ampleur des violences infligées aux lieux et aux sociétés.

Résister
Face à l’effacement, des formes de résistance émergent. Aux côtés des grandes institutions internationales, ONG, associations, collectifs de citoyens, d’architectes et de chercheurs agissent pour protéger, documenter et transmettre le patrimoine menacé. Sur les terrains de conflit, chaque geste du quotidien, chaque récit, devient un acte de résistance, contribuant à préserver la mémoire et à soutenir la survie physique et psychologique des populations.

Réparer
Au XXIᵉ siècle, la réparation post-conflit dépasse la seule reconstruction matérielle. Elle engage une approche globale, attentive aux territoires, aux corps et aux esprits. Réparer, c’est aussi « refaire société », reconstruire des liens, transmettre des savoirs et inscrire la mémoire au cœur des processus de renaissance. Le patrimoine devient alors un levier essentiel pour penser un avenir commun, en continuité avec le passé et le vivant.

Cette exposition traite de zones de conflit et présente des œuvres susceptibles de choquer les personnes sensibles et les enfants de moins de 12 ans.

Traversé par les deux seuls fleuves connus du paradis biblique, dont l'importance et les dangers ont pu inspirer le mythe du déluge, la Mésopotamie antique est aussi la terre où fut inventée et développée pour la première fois l'irrigation. Ces premières expériences de maîtrise de l'eau par l'homme, à travers la transformation artificielle de son environnement naturel, ont suscité l'invention et le développement en Mésopotamie des premiers ouvrages hydrauliques connus (premiers canaux, ponts, aqueducs, réseaux de canalisations, lacs artificiels, etc.). Ils furent sources de changements pour le territoire et ses habitants dont on montrera les atouts et les faiblesses à long terme. Reposant volontairement sur les seules collections du Louvre, dont la richesse rend possible un tel projet, l'exposition s'insère au sein des salles permanentes du département pour y interroger l'ensemble des antiquités orientales sous l'angle de l'eau et de ses leçons environnementales d'hier à aujourd'hui.

Livret "La classe, l'œuvre !"

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L'exposition se poursuit au musée Lambinet : un dialogue entre ancien et moderne

Au musée Lambinet, en écho au fort intérêt que Cremonini nourrissait pour la peinture ancienne, plusieurs tableaux de l’artiste seront accrochés au sein du parcours permanent. Exposés aux côtés d’œuvres choisies au sein des collections et appartenant à divers siècles et écoles, ils établiront avec elles un dialogue entre ancien et moderne. Un ensemble d’œuvres sur papier de l’artiste (dessins et aquarelles) sera également exposé en deux temps au sein du cabinet des arts graphiques du musée.

L’exposition met à l’honneur ce fonds pléthorique, instructif et émouvant, à la fois nostalgique des années 1960 et annonciateur de la modernité des Seventies. Elle est une invitation à se plonger dans ces archives visuelles, témoins d’un Paris en partie disparu : des rues où les enfants sautent à l’élastique et jouent librement au gendarme et au voleur, où les vieux se retrouvent sur un banc le temps d’une belote, où l’on rencontre des boulistes dans chaque square et terrain vague. Une ville où règne la voiture sous l’œil vigilant des « contractuels » et sous laquelle un dédale de souterrains accueille les lignes du Métro et du jeune RER. Une ville en chantiers, tout en démolition, construction et restructuration, dans laquelle on s’inquiète de l’expropriation comme du temps d’Haussmann. Une ville enfin où l’information et la politique se lisent dans la presse imprimée, distribuée partout, et sur les murs, couverts d’affiches et de graffitis.

Aux côtés des retirages d’exposition, le public aura accès à l’intégralité des photographies numérisées et pourra ainsi se promener dans les différents quartiers de la capitale. Un dispositif immersif permettra de visualiser une sélection de diapositives dans des conditions comparables à celles pratiquées dans les années 1970.

Entrée libre et gratuite

Gianni Versace Retrospective rassemble près de 450 pièces exceptionnelles : créations et silhouettes originales, accessoires, croquis, objets décoratifs, photographies, vidéos et interviews rares offrent un panorama complet de l’œuvre de Gianni Versace.

Dans une scénographie résolument pop signée Nathalie Crinière, le parcours retrace toute une carrière dédiée à la création et révèle les multiples inspirations qui ont façonné l’univers de Versace : ses débuts dans l’atelier familial en Calabre, l’iconographie de la religion catholique, l’inspiration du statuaire grec, de l’Opéra italien, ou encore sa fascination pour le baroque et ses imprimés opulents.

Déjà saluée à Londres, Berlin et Malaga, ainsi que dans plusieurs villes d’Europe, l’exposition trouve aujourd’hui naturellement sa place à Paris, où la mode s’affirme comme un langage artistique et culturel à part entière. Sa présentation parisienne intervient dans une temporalité particulièrement symbolique, à l’aube du 30ème anniversaire de la disparition du créateur et de ce qui aurait été son 80ème anniversaire.

L’exposition est une production Dreamrealizer, elle n’est pas liée à la société Gianni Versace S.r.l., ni associée à celle-ci ou à la famille Versace.

Chaque lettre devient un mot, chaque mot convoque un ensemble d’œuvres qui conversent entre elles de manière parfois surprenante. Ici, le Journal LIFE croise la pub Kodak, des Noctambules se retrouvent au Musée et le Simulacre négocie avec la Vérité. Ces rapprochements révèlent l’identité de la Collection d’entreprise Neuflize OBC – ancrée dans la création contemporaine, mais dont les racines plongent dans les avant-gardes des années 1920.
De Rineke Dijkstra à Bernard Plossu, d’Agnès Geoffray à Florence Henri, les nombreux·ses artistes réuni·es dans l’exposition témoignent de multiples façons de voir, de montrer et de penser l’image photographique.

S’inspirant de Ways of Seeing de John Berger (1972), l’exposition reprend à cet ouvrage fondateur l’idée que « le voir précède le mot » : nous percevons d’abord le réel avant de le nommer et de le conceptualiser. C’est ce principe qui structure ce parcours, où le décalage et l’énigme priment sur la démonstration. Chaque salle propose une association qui s’impose avant toute explication. Chaque entrée de ce lexique est accompagnée de textes, de citations et d’anecdotes qui éclairent, sans jamais l’épuiser, la pluralité des récits que porte la photographie.

La photographie en toutes lettres s’inscrit dans un partenariat de longue date entre la MEP et la Fondation d’entreprise Neuflize OBC, fidèle soutien de l’institution depuis près de trente ans.

Commissariat par Clothilde Morette.

La production de Madeleine de Sinéty est le plus souvent indissociable de sa vie de tous les jours : dans le petit village de Poilley en Bretagne – où elle s’installe dans les années 1970 et réalise plus de 50000 clichés sur une dizaine d’années -, comme à Rangeley aux États-Unis, lieu de résidence des vingt-cinq dernières années de sa vie. Elle y photographie de l’intérieur les communautés qui l’ont adoptée – proches, familles, amis et connaissances -, les activités et événements, ainsi que le rythme des saisons. Dans un constant souci de documenter et de témoigner, elle capture les coutumes, gestes, lieux, pratiques – pour beaucoup amenés à disparaître -, tentant, jour après jour et avec un brin de nostalgie, d’en retenir la grâce fugitive et les couleurs fragiles. Cette soif de mémoire et de souvenirs se retrouve dans le journal intime qu’elle a tenu à divers moments de sa vie et dont quelques extraits sont présentés dans l’exposition, en contrepoint de ses photographies.

 Avec :
Lola Álvarez Bravo, Manuel Álvarez Bravo, Bill Brandt, Josef Breitenbach, Horace Bristol, Esther Bubley, Elinor Carucci, Mark Cohen, John Coplans, Gregory Crewdson, Imogen Cunningham, Bruce Davidson, Rineke Dijkstra, Walker Evans, Leonard Freed, Lee Friedlander, David Goldblatt, John Gutmann, Birney Imes, Graciela Iturbide, Sarah Jones, André Kertész, Chris Killip, Dorothea Lange, Sergio Larraín, Richard Learoyd, Danny Lyon, Robert Mapplethorpe, Roger Mayne, Susan Meiselas, Tina Modotti, Daidō Moriyama, Nicholas Nixon, Alexander Rodchenko, August Sander, Tomoko Sawada, Chris Shaw, Aaron Siskind, Graham Smith, Louis Stettner, Issei Suda, Yutaka Takanashi, Shoji Ueda, Weegee, Francesca Woodman.

Le Musée d’Art Moderne de Paris présente Florian Krewer : woven thin* , première exposition personnelle de l’artiste en France. Organisée suite au don de plusieurs œuvres de l'artiste au musée, cette exposition, au cœur du parcours des collections, se veut une plongée dans l'univers pictural de l'artiste allemand basé depuis 2020 à New York.

La pratique de Krewer est profondément autobiographique, nourrie par une confrontation directe avec le monde qui l’entoure, dans toute sa beauté brute comme dans sa violence. Puisant à la fois dans son expérience vécue et dans son imaginaire, la galerie de personnages qui peuple ses paysages et intérieurs éthérés est dépouillée de tout contexte et semble mener une existence autonome. Danseurs, performeurs, animaux et figures solitaires traversent des paysages urbains en mutation. Ils apparaissent détachés, comme libérés de la gravité du monde physique et de ses contraintes sociales. Dans cet univers en apesanteur, les peintures de Krewer célèbrent des moments d’intimité et une résilience collective au milieu d’un environnement le plus souvent hostile. Au Musée d'Art Moderne de Paris, sont exposées seize toiles monumentales récentes, dont certaines inédites. Accrochées de manière resserrées, elles produisent un panorama pictural dense qui reflète l'intensité de la pratique de l'artiste.

Florian Krewer (né en 1986 à Gerolstein, Allemagne) a étudié la peinture à la Kunstakademie de Düsseldorf. Parmi ses expositions institutionnelles récentes figurent Nice Dog, M WOODS Museum, Pékin (2023) ; everybody rise, Aspen Art Museum (2023) ; et Es liebt Dich und Deine Körperlichkeit ein Verwirrter, Kunsthalle Düsseldorf (2022). Ses œuvres sont présentes dans les collections du Musée d’Art Moderne de Paris ; du Musée national d'art moderne - Centre Georges Pompidou, Paris ; du Metropolitan Museum of Art, New York ; du Hammer Museum, Los Angeles ; du Los Angeles County Museum of Art ; et de l’Albertina Museum, Vienne. En 2022, Krewer a reçu le Prix Jean-François Prat du fonds de dotation Bredin Prat. Il vit et travaille dans le South Bronx, à New York.

L’exposition sera accompagnée d’un catalogue publié par la galerie VeneKlasen, dont la parution est prévue en octobre 2026.

Avec le soutien de Arif et Dianne Suherman et de The Kiki Collection.

*Finement tissé

L’exposition
Marc Bloch, l’esprit de l’Histoire, dont le commissariat est assuré par Yann Potin, historien et conservateur en chef du patrimoine aux Archives nationales, propose aux visiteurs de retracer le parcours intellectuel, scientifique et humain d’un historien dont l’œuvre et l’engagement continuent d’éclairer notre rapport au passé et au présent.
À travers une riche sélection de documents, photographies, objets et ouvrages – issus des Archives nationales, des archives de la famille Bloch, du Service Historique de la Défense (SHD), du Centre d’histoire de la résistance et de la déportation de Lyon (CHRD) et de collections privées - le visiteur est invité à découvrir ou redécouvrir la vie d’un historien qui fut également un combattant et un grand résistant. Le parcours de l’exposition, à la fois chronologique et thématique, est structuré en 3 grandes sections. L’exposition s’attache ainsi à montrer comment Marc Bloch a pu, sa vie durant, mettre en accord son discours et ses actes, son engagement de citoyen-combattant et son travail d’historien, jusqu’à
l’expérience de la clandestinité et du sacrifice.

Objet de fascination, l’aventure aérienne, depuis les premiers envols de ballons à la fin du XVIII siècle jusqu’aux essais actuels d’avion solaire, fait l’objet de nombreuses représentations. À un registre héroïque répond une approche parodique. La nouveauté de ces expériences suscite étonnement et moqueries, qui raillent tour à tour la forme des fuselages, la crédulité des foules ou encore l’orgueil de certains inventeurs. L’exposition « Drôles de vols – caricaturer les expériences aériennes » présente la longue histoire des inventions aéronautiques, que les caricaturistes ont contribué à diffuser auprès du grand public. Au fil de son parcours, le visiteur découvre toutes les nuances du rire allant de la valorisation des pilotes à la propagande nationaliste lors de conflits armés, jusqu’à l’expérience du voyage à l’ère du tourisme de masse.

Déployée en quatre parties chrono-thématiques, l’exposition commence par « Rire de la nouveauté et des péripéties des premiers envols » en montrant notamment des dessins satiriques qui prennent pour sujets des ascensions de ballons, mises en spectacle depuis Louis XVI jusqu’au Second Empire. La
seconde partie « Le ballon, motif récurrent d’une presse satirique en plein essor » aborde la façon dont les vols en ballon ont été détournés à des fins de critique politique. Puis « L’aviation naissante valorisée par la caricature » évoque comment les dirigeables et premiers avions ont nourri les imaginaires mais
aussi la naissance du motif du pilote lors de la Grande Guerre. Enfin, la dernière partie « L’industrie aéronautique, cible féconde de la caricature » traite de la perception du rôle de l’aviation en temps de guerre mais aussi comment elle reste un sujet actuel pour les dessinateurs et caricaturistes.

Les collections d’arts graphiques du musée de l’Air et de l’Espace sont mises à l’honneur, complétées par des prêts issus d’autres institutions telles que le Musée Mode & Dentelle (Bruxelles), la Contemporaine (Nanterre) ou le musée Tomi Ungerer, Centre international de l’Illustration (Strasbourg). « Drôles de vols – caricaturer les expériences aériennes » donne à voir des représentations de l’histoire aéronautique sur des supports variés (estampes, journaux, cartes postales,
assiettes, éventails) tout en soulignant leur valeur artistique ; ainsi, le public pourra découvrir ou redécouvrir de grands dessinatrices et dessinateurs tels que Cham, Daumier, Reiser, Coco, Camille Besse ou Riss.

L'exposition

Où trouve-t-on des dinosaures ? Comment s'opère un site de fouilles paléontologiques ? Et après, avec quels outils les paléontologues préparent-ils les fossiles ? Comment étudient-ils les spécimens récoltés en laboratoire ?

En parcourant l'exposition Sur les traces des dinosaures, plongez dans cet environnement disparu où crocodiles, tortues, poissons, petits mammifères et troupeaux de dinosaures vivaient.

Découvrez un ensemble de sites paléontologiques unique en France, allant de l’île d’Oléron jusqu’à Angeac-Charente. Squelettes, reconstitution du paysage, film, autant d’éléments pour un grand voyage à la limite entre Jurassique et Crétacé !

(Re)découvrez des spécimens des collections du Muséum, en résonance avec les collections du Musée d’Angoulême.

Au fil du parcours, admirez aussi les illustrations de Pierre Mazan. L'auteur de bande dessinée illustre chaque année et depuis son ouverture, les coulisses des fouilles d'Angeac-Charente, devenu le plus grand gisement de dinosaures d’Europe.

Révélant toute la modernité de son art, l’exposition met en lumière la singularité d’un artiste doté d’une incroyable énergie créatrice, et que Vasari voyait comme le « plus terrible esprit que la peinture n’ait jamais connu » (1568). Artiste complexe et inclassable, Tintoret développe une oeuvre aussi admirée que débattue, caractérisée par des compositions audacieuses, des perspectives vertigineuses, des effets de lumière spectaculaires et la vivacité de sa touche – la célèbre prestezza. En opérant une synthèse originale entre le dessin sculptural (disegno) des maîtres toscans, en particulier celui de Michel-Ange qui le fascine, et le colorito vénitien de Titien, son rival, il porte à son apogée la Renaissance à Venise.

Rassemblant une quarantaine de peintures et d’oeuvres graphiques issues de collections publiques et privées, françaises, italiennes et internationales, l’exposition propose un parcours thématique permettant de saisir la diversité et l’ampleur de l’oeuvre de Tintoret autour de plusieurs axes. Les grandes compositions religieuses, telles que le Miracle de saint Augustin (1547-1549, Palazzo Chiericati, Vicence) ou la Trinité (vers 1561-1562, Galleria Sabauda, Turin) témoignent par exemple de sa capacité à renouveler les sujets sacrés par une interprétation dramatique.

Après une période dominée par la peinture puis le cinéma entre 1963 et 1973, il revient au dessin avec de nouveaux objectifs liés à sa production picturale, notamment aux portraits de commande, dont celui de Mao constitue un exemple majeur. Le dessin devient alors un espace d’expérimentation : il permet de travailler des choix chromatiques, graphiques et conceptuels, souvent à une échelle proche de celle des peintures.

Le parcours s’articule autour de cinq sections thématiques : débuts comme illustrateur publicitaire, importance de l’écriture manuscrite, fascination pour les visages et les masques, iconographie gay longtemps restée confidentielle et réflexions sur la mort, devenue une obsession après l’attentat de 1968 qui a failli lui coûter la vie.

L’exposition réunit environ 150 dessins, ainsi que des peintures, sérigraphies sur papier, photographies et documents d’archives. Elle met en évidence l’inventivité technique de l’artiste et les procédés qu’il met au point (tampons, lignes transférées, pochoirs, collages), pensés pour la reproduction et la répétition des images. Des dessins et documents, rares ou négligés, permettent d’accéder à la fabrique de l’œuvre et d’entrer au cœur de l’atelier new-yorkais de l’artiste, The Factory. Autant de pistes qui invitent à reconsidérer l’ensemble de l’œuvre de Warhol à partir de ce dialogue entre geste et reproduction, entre main et machine.

Le Musée d’Art Moderne de Paris met à l’honneur l’œuvre de Kerry James Marshall, poursuivant ainsi une série d’expositions monographiques pionnières en France consacrées aux artistes noirs américains, notamment Kara Walker (2007) et Jean-Michel Basquiat (2010). Kerry James Marshall travaille par séries et par cycles, comme en témoigne l'organisation chrono-thématique de l'exposition, qui présente onze groupes d'œuvres réalisées entre 1980 et aujourd'hui.

Parcours de l’exposition

L'exposition s'ouvre sur les premières œuvres matures de l’artiste, réalisées dans les années 1980, comme Invisible Man (1986), inspirée de l’ouvrage du même nom de Ralph Ellison (1952). Cette section met en évidence l'intérêt de Kerry James Marshall à dépeindre des figures noires, tout en soulevant des questions sur leur représentation dans l'histoire de l'art et sur les personnes et les éléments qui en ont été exclus. L’approche radicale de l’artiste, qui utilise une gamme de pigments noirs mêlés à d’autres couleurs, influe sur la perception de ses figures par le spectateur.

La deuxième salle présente de grandes toiles qui traitent de l’histoire du “Passage du milieu”, une expression qui désigne la traversée de l’Atlantique des Africains capturés afin d’être vendus comme esclaves.

L'exposition se poursuit avec la présentation d’œuvres monumentales illustrant des scènes de la vie contemporaine, avec pour décors des salons de coiffure et de beauté, des parcs et des espaces extérieurs. En faisant référence à des artistes tels qu'Édouard Manet, Gustave Caillebotte, Georges Seurat et d'autres peintres de la vie moderne, Marshall rectifie l'absence d'images représentant à grande échelle la vie quotidienne des personnes noires dans l’histoire de l’art occidental.

La série Souvenirs (1997–1998) prend pour point de départ le mouvement américain des droits civiques. Les peintures de la série Vignette (2003–2014) représentent des couples noirs dans un style qui puise à la fois dans la peinture rococo et dans l’esthétique des cartes de vœux américaines.

Une des œuvres majeures de l’exposition est Wake, une sculpture cumulative créée en 2003 et décorée de nouveaux médaillons à chaque fois qu'elle est exposée.

Une section réunit des portraits imaginaires de figures historiques noires telles que Scipio Moorhead et Harriet Tubman, et interroge sur la manière dont des portraits historiques peuvent être créés en l'absence d'archives et de représentations antérieures des personnes concernées.

Les dernières galeries retracent l’évolution de la démarche artistique de Kerry James Marshall qui revisite les icônes de l’histoire de la peinture classique occidentale. Les œuvres des années 2000 à 2010 soulignent notamment l'intérêt de longue date de Kerry James Marshall pour les disciplines artistiques enseignées au sein des institutions. L’une des pièces maîtresses est The Academy (2012), dans laquelle un modèle masculin d’un cours de dessin d’après modèle vivant, lève le poing en signe du salut Black Power.

L'exposition s’achève avec une série d'œuvres inédites. Ces huit tableaux explorent des épisodes méconnus de l'histoire africaine. Plusieurs d’entre eux sont focalisés sur la traite négrière transatlantique et mettent en évidence le rôle joué par certains Africains dans la vente de personnes réduites en esclavage aux marchands européens.

Par la suite, Cezanne accède progressivement à la reconnaissance et la réception de son œuvre devient foisonnante. Des premières expositions monographiques organisées par le marchand d’art Ambroise Vollard aux grandes manifestations muséales et internationales, ainsi que les premières grandes expositions posthumes comme le Salon d’automne en 1907, il s’impose comme une figure majeure de la modernité.

Son œuvre devient un point de référence pour les avant-gardes du 20e siècle, qui interrogent le rapport entre peinture et réalité et trouvent dans l’idée selon laquelle "l’art est une harmonie parallèle à la nature", un outil de réflexion essentiel.

À partir de Cezanne, le triomphe de l’art moderne et celui du formalisme, ou la réduction de la peinture à ses éléments fondamentaux de composition, ne cessent d’être travaillés ou dépassés. Paul Gauguin, Henri Matisse, Pablo Picasso, Piet Mondrian, Joan Mitchell, Bridget Riley, Peter Doig... De l’abstraction lyrique à l’abstraction géométrique, en passant par la peinture "hard edge", Cezanne demeure une référence constante, parfois revendiquée, parfois réinterprétée, toujours discutée. À l’heure du post-modernisme, son statut de "père de l’art moderne" continue d’être interrogé.

Cezanne et nous est la première exposition à raconter simultanément cette double histoire : celle de son influence fondamentale et celle, à contre-courant, des artistes qui se sont revendiqués de lui. L’exposition met en lumière une histoire complexe et plurielle, faite d’appropriations, de filiations et de tensions esthétiques. Elle invite à regarder Cezanne à travers les regards successifs qu’il a suscités, jusqu’à notre regard contemporain.

Les codes vestimentaires se démultiplient bientôt, à la faveur d’un mouvement de singularisation. Au tournant du 20^e siècle, la garde-robe devient alternativement un manifeste révolutionnaire, la prolongation de l’acte créateur, voire l’affirmation d’une identité : fluidité de genre et jeux de travestissements, quête d’ailleurs réels ou rêvés, appartenances ou marginalités... Les artistes se composent soigneusement une tenue, et tracent des silhouettes reconnaissables pour la postérité.

Si le rapport des artistes au vêtement a déjà été exploré, L’étoffe de l’artiste adopte une approche novatrice, à la croisée de l’histoire de l’art, de la sociologie et de l'histoire de la mode. Pour la première fois ont été rassemblés plus de 50 pièces textiles, accessoires et objets portés par les artistes, grâce à un long travail de recherche mené par les commissaires dans les collections et archives d’institutions et de collections privées. Ces pièces uniques sont mises en regard de 50 photographies, 33 peintures, 12 dessins et 9 sculptures dans un parcours chrono-thématique, pour saisir les styles, allures et mises en scène qui les identifient immédiatement comme artistes. Une attention particulière a été apportée à la diversité des artistes représentés, avec près d’un quart de femmes artistes exposées.

Fruit de cinq années de travaux et de recherches, L’étoffe de l’artiste bénéficie de prêts exceptionnels de la part de grandes institutions françaises et européennes telles que le musée d’Orsay, le musée des Arts décoratifs de Paris, le musée d’Art moderne de Paris, le Palais Galliera, la Maison-atelier Foujita, le Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto (Italie), le Wien Museum (Autriche) ou encore le Städel Museum de Francfort-sur-le-Main (Allemagne). De nombreux prêts proviennent également de collections privées.

PLUS D'INFORMATIONS

Onze sections chrono-thématiques structurent cette exposition : Nymphéas pour l’histoire, Paysages en guerre, Pays, paysage, Abstraire la nature, À l’origine, Paysages intérieurs, Passé, présent, futur, Local, global, total, Après l’histoire, le paysage, Paysages de l’Anthropocène, Paradis perdus ? Ce sont les étapes d’une traversée, les chapitres d’une histoire de notre siècle, dont la mémoire repose dans le paysage.

Commissariat : Pierre Wat, professeur d’histoire de l’art de la période contemporaine à l’université Panthéon Sorbonne, directeur du Centre de recherche HiCSA et spécialiste de la représentation du paysage.

L’exposition a pour ambition de renouveler le regard sur l’évolution de la mode féminine du 19^e siècle. Des femmes portant le costume masculin aux modes du Paris artistique et lesbien de 1900, en passant par les femmes actives en tailleur et bottines, elle interroge l’impact des expressions dissidentes de la féminité et la manière dont elles ont contribué à redéfinir les garde-robes féminines de cette période. Le parcours fait dialoguer des figures historiques majeures, de Marie-Antoinette à Natalie Clifford Barney, de George Sand à Rosa Bonheur avec une multitude d’anonymes révélées par la photographie vernaculaire, invitant à s’identifier et à s’approprier cet héritage. Au-delà de son ancrage historique, l’exposition entre en résonance avec des enjeux contemporains et invite à une réflexion sur la place du vêtement et de la mode dans la transformation des identités et des rôles sociaux, au 19^e comme au 21^e siècle.

Mary Cassatt se qualifiait d’« Américaine, nettement et franchement américaine », mais a d’abord ancré son art dans la tradition picturale des maîtres anciens, étudiée lors de ses voyages en Europe, avant de devenir une figure incontournable du mouvement impressionniste en France, où elle vécut pendant pas moins de six décennies. « Je suis indépendante ! », proclamait-elle : « Je peux vivre seule et j’aime travailler ». Adoptant une approche chrono-thématique, l’exposition dresse un nouveau portrait de l’artiste, étudiant son art sous le prisme de la notion d’indépendance, dont elle tire grande fierté, et qu’elle érige toute sa vie comme son principe directeur. 

Comprenant près de 80 tableaux, pastels et estampes, et couvrant l’ensemble de la carrière de l’artiste, « Mary Cassatt, L'indépendante » ouvre de nouvelles perspectives sur son œuvre, en s’appuyant sur des lettres inédites et des sources à ce jour non encore exploitées. Seront présentées des œuvres de collections européennes, publiques et privées, rarement montrées, ainsi que des peintures et des pastels provenant de collections américaines peu exposées en dehors des États-Unis.

Une sélection d’œuvres de jeunesse de Cassatt et de portraits de ses proches montre comment le milieu social de l’artiste, ses déplacements et sa connaissance de l’art du passé ont façonné son approche et sa pratique. Mettant un point d’honneur à être indépendante (à l’origine, à la demande de sa famille fortunée), elle s’établit rapidement dans son propre atelier et y emploie des modèles rémunérés. Dans un milieu très largement masculin, et sur fond de nationalisme latent, elle parvient sans tarder à s’imposer comme peintre professionnelle. 

Ses représentations de jeunes femmes élégantes, évoluant en société, recevant chez elles ou se divertissant au théâtre – à la conquête du monde moderne, et de leur indépendance – comptent parmi les réalisations les plus remarquables de l’artiste, comme en témoignent des exemples éblouissants. Ces images pleines d’audace et de vivacité ne manquent pas d’attirer l’attention dans les expositions impressionnistes, auxquelles Mary Cassatt participe assidûment (à quatre reprises, à partir de 1879), à l’invitation de son ami Edgar Degas. La contribution essentielle de Mary Cassatt à ces expositions d’avant-garde, autoproclamées « indépendantes », sera examinée et réévaluée.

Ses activités sur le terrain du marché de l’art constituent un autre aspect fondamental de l’indépendance de l’artiste. Celle-ci se spécialise dans la peinture de « mères à l’enfant », genre en forte demande, dans lequel elle excelle - et auquel elle reste associée - tout en honorant des commandes de portraits. Quelques œuvres clés de l’exposition évoqueront également son rôle crucial de « consultante », conseillant ses proches, ses amis et connaissances américains dans leurs achats de tableaux notamment impressionnistes - et donc dans la constitution de collections d’art aux États-Unis.

À ce stade de sa carrière, au début des années 1890, l’indépendance financière de Mary Cassatt lui permet de devenir propriétaire foncière. Entouré d’un vaste parc, le château qu’elle acquiert dans l’Oise sert de toile de fond à de nombreuses scènes d’extérieur où évoluent femmes et enfants : œuvres lumineuses, aux couleurs vibrantes. Modern Woman, la plus importante commande qu’ait reçue l’artiste, pour un décor monumental destiné au Pavillon de la Femme lors de l’Exposition universelle de Chicago en 1893, constitue un temps fort dans sa carrière et une étape majeure dans son œuvre. Cette décoration colossale, aujourd’hui disparue, sera évoquée au sein du parcours au travers d’un ensemble d’estampes et de pastels en lien avec ce décor, ainsi que par le biais d’un film proposant une restauration numérique de cette œuvre gigantesque (4 x 18m), d’une ambition unique tant par ses dimensions que par son sujet. Son admirable série d’estampes, les Dix Planches en couleurs, sera également étudiée à la lumière de cette nouvelle phase de son travail, remarquablement expérimentale, et de ses opinions progressistes sur l’éducation des femmes.

L’engagement de Mary Cassatt en faveur de l’indépendance est en effet allé au-delà de son propre parcours et de sa démarche artistique. Fervente partisane de la lutte des femmes pour le droit de vote, Cassatt encourage ses contemporains à « œuvrer pour le suffrage, car ce sont les femmes qui décideront de la question de la vie ou de la mort d’une nation. » Avec son amie Louisine Havemeyer, elle organise en 1915, à New York, une exposition au profit du suffrage des femmes. Une sélection restreinte de tableaux de Mary Cassatt montrés dans cette exposition conclut le parcours, démontrant comment non seulement l’art de cette artiste pionnière, mais aussi ses agissements ont pu tendre vers l’activisme.

Commissariat

Paris

• Caroline Corbeau-Parsons, conservatrice Arts graphiques et Peinture, musée d’Orsay ;
• Anne Robbins, conservatrice Peinture, musée d’Orsay ;

Londres

• Sarah Moulden, senior curator of 19th Century Collections, National Portrait Gallery ;

Boston

• Erica Hirshler, Croll senior curator of American Paintings, Boston Museum of Fine Arts.

Il est l’un de ces créateurs qui, comme son contemporain Pablo Picasso ou d’autres figures de la constellation Dada, ont contribué à redéfinir radicalement les frontières de l’art. Il conçoit ses œuvres à partir de rebuts et détritus transformés en matière « harmonieuse » et développe une architecture organique en angles et en creux au sein de sa propre maison, le Merzbau. Il transpose également la technique du collage dans le domaine de la poésie, invente et performe la prodigieuse Ursonate, sonate de sons primitifs, crée une revue, des slogans typographiques publicitaires, des assemblages, des sculptures…