D’origine polonaise, Sarah Lipska naît dans une famille juive bourgeoise de Mława, en Pologne. Elle étudie à l’École des beaux-arts de Varsovie, où elle se forme aux arts appliqués ainsi qu’à la sculpture dans l’atelier du célèbre Xavier Dunikowski (1875-1964). Quittant son pays natal en 1906, elle s’installe à Paris en 1912. Dans ces années-là, elle collabore avec les Ballets russes et plus particulièrement avec Léon Bakst (1866-1924), célèbre décorateur et costumier de la compagnie de Serge Diaghilev (1872-1929), dont les productions inspirent durablement l’œuvre de Lipska.

Après sa collaboration avec les Ballets russes, elle travaille pour le monde du théâtre parisien et conçoit notamment en 1922 les costumes de l’opérette Annabella, dont les critiques soulignent la réussite. À l’instar de ses peintures et vêtements, ses créations destinées à la scène sont très colorées – ce sera également le cas des projets de costume pour le Ballet des oiseaux, auquel elle travaille avec le chorégraphe et danseur ukrainien Serge Lifar (1905-1986) après la Seconde Guerre mondiale.

Cette grande attention à la lumière et aux matières se retrouve dans son travail de créatrice de mode. Après une collaboration avec le grand couturier Paul Poiret (1879-1944) puis avec la maison de couture Myrbor dans les années 1920, Sarah Lipska ouvre son propre atelier à Montparnasse, sans doute dès 1925. Reproduites dans plusieurs numéros de Vogue des années 1925-1927, ses créations textiles mêlent influences des arts populaires d’Europe centrale, vocabulaire graphique très coloré et matières soigneusement choisies telles que la mousseline de coton ou le fil métallique. Sans doute en raison de son succès, elle déménage en 1928 son atelier situé avenue des Champs-Élysées où elle reçoit notamment sa compatriote, l’entrepreneuse Helena Rubinstein (1872-1965), mais également la comédienne Cécile Sorel (1873-1966), la cantatrice Ganna Walska (1887-1984) ou encore la princesse russe Natalie Paley (1905-1981). Elle habille également le coiffeur-star Antoine Cierplikowski (1884-1976), avec qui elle entretient une longue relation amicale et professionnelle. Pour l’extravagant Antoine de Paris, elle conçoit costumes de bal et tenues sportives.

Là où les productions picturales et textiles de l’artiste sont tout en opulence et couleurs, son travail de décoratrice d’intérieur s’inscrit dans un fonctionnalisme élégant et épuré. Première démonstration de ses talents est faite dans la célèbre publication Le Style moderne. Contribution de la France publié en 1925 avec une introduction d’Henry van de Velde qui prône « une forme pure et rationnelle ». Reproduits aux côtés des créations de Robert Delaunay (1885-1941), Le Corbusier (1887-1965) ou Robert Mallet-Stevens (1886-1945), les intérieurs de Lipska sont extrêmement épurés, à l’instar du coffre en bois et métal conservé à Poitiers.

 Dans la seconde moitié des années 1920, elle travaille à plusieurs projets de décoration d’intérieur, dont deux pour Antoine de Paris entre 1925 et 1935. Pour le premier, la célèbre maison de verre du 4 rue Saint-Didier, elle fait partie des précurseurs de l’utilisation du verre industriel épais dans l’aménagement d’intérieur, faisant preuve d’une audace avant-gardiste remarquée par la critique.

Cette audace se retrouve également dans sa pratique sculpturale, à laquelle elle s’est formée à Varsovie avec Xavier Dunikowski. Les portraits de personnalités et de proches scandent l’intégralité de sa carrière : Xavier Dunikowski, Antoine de Paris, Arthur Rubinstein (1887-1982), Natalie Paley sont les sujets de portraits synthétiques aux matériaux et textures soigneusement choisis : pierre artificielle pailletée, résine rouge porcelaine, bois et verre.

Aux côtés des portraits, les figures d’oiseaux peuplent la production sculpturale de Lipska. Dès ses premières peintures, la légèreté des oiseaux, leurs plumes, leurs formes font échos à son travail sur les ballets. Oiseaux en verre, en plâtre, en ciment, en miroir, ils forment un bestiaire coloré qui se retrouve également dans son travail de couturière, de costumière et de peintre. Dans les années 1920, puis 1940, les natures mortes et oiseaux font l’objet de grands formats colorés qui puisent parfois leur sujet dans l’Ancien Testament.

L’exposition

L’exposition présente près de 90 œuvres (sculptures, dessins, peintures, mobilier…) et vous permet découvrir :

• La formation de l’artiste et le rôle de Xawery Dunikowski, sculpteur talentueux et père de sa fille. Des portraits croisés des deux artistes montrent leur complicité artistique dans le temps. 
• Sarah Lispka à son arrivée en France : à partir de 1912, focus sur son travail de costumière et décoratrice pour des ballets à travers un ensemble de dessins mais aussi de peintures, œuvres indépendantes où s’expriment ses motifs familiers.
• 1925 et l’Exposition internationale des arts décoratifs. Sarah Lipska y obtient une médaille pour un coffre en métal, elle présente également des tapisseries. Des esquisses originales et des photographies d’époque entourent le mobilier présenté. 
• Les portraits sculptés et peints des années 1930 : En ciment, résine, plâtre, pierre artificielle, verre ou huiles sur toiles ; les portraits de personnalités du milieu parisien dominent et dessinent le réseau artistique de Sarah Lipska : Helena Rubinstein, Nathalie Paley, Sofia Piramowicz, Antoine de Paris…
• La mode : cette partie sera seulement évoquée par des esquisses et dessins. Nous vous invitons à l’exposition de Poitiers pour découvrir les vêtements et tissus orignaux. Sarah Lipska dessine pour la maison Myrbor et Paul Poiret puis ouvre en 1924 sa propre maison de couture.
• Ses collaborations avec Antoine, coiffeur et entrepreneur, célébrité du Tout-Paris mondain: elle réalise son portrait, mais également l’aménagement de ses appartements et des projets graphiques. 
• L’oiseau : La fascination continue de Lipska pour la figure de l’oiseau, depuis les œuvres picturales des années 1920 et 1940 jusqu’aux productions sculpturales de la fin de sa vie, en passant par le Ballet des oiseaux qu’elle conçoit après-guerre et les productions graphiques pour la Ligue de protection des oiseaux (LPO).

D’importantes campagnes de restauration

Après les deux rétrospectives consacrées par le musée en 2010 à Jean-Michel Basquiat et en 2013 à Keith Haring, deux artistes avec lesquels George Condo partagea une véritable amitié artistique, cette exposition est conçue comme le dernier chapitre d'une trilogie new-yorkaise, explorant l'émergence dans les années 1980 d'une nouvelle génération de peintres. Chacun à leur manière, ils ont contribué à remettre en question le médium de la peinture, ce que George Condo, le seul survivant de cette décennie, s’évertue à poursuivre depuis.

Organisée en dialogue avec l’artiste, l'exposition a pour ambition de retracer plus de quatre décennies de la carrière de George Condo en présentant les plus emblématiques de ses œuvres. De nombreuses œuvres provenant de musées américains et européens majeurs (le MoMA, le MET, le Whitney Museum of American Art ou le Louisiana Museum of Modern art) et de collections privées sont pour la première fois réunies à Paris à la faveur de ce projet.

L'exposition comprend près de 80 peintures, 110 dessins – regroupés dans un cabinet d’art graphique dédié – et une vingtaine de sculptures qui ponctuent le parcours.

Bien que rétrospective dans son contenu, l'exposition n'est pas présentée dans un ordre chronologique strict. Elle propose un parcours à travers des cycles et thématiques auxquels l’artiste revient sans cesse au fil de séries d’œuvres distinctes.

L’exposition donne à voir la richesse et la diversité de la pratique de George Condo par le biais de trois volets principaux : le rapport à l’histoire de l’art, le traitement de la figure humaine, et le lien à l’abstraction.

L’exposition

L’exposition s’ouvre sur les liens féconds entretenus par l’artiste avec l’histoire de l’art occidentale. Dans une salle rejouant les codes d’un grand musée de Beaux-Arts classique, se déploient des œuvres parmi les plus audacieuses jamais produites par l’artiste. Elles montrent comment, de Rembrandt à Picasso en passant par Goya et Rodin, Condo s’approprie les maîtres du passé pour les intégrer à son imaginaire foisonnant, où les figures criantes et inquiétantes sont légion.

Le parcours se poursuit avec la présentation d’un ensemble d’œuvres liées au Réalisme artificiel, un concept imaginé par Condo pour décrire des œuvres défiant toute chronologie. Réalisées dans le style et avec les techniques du passé, ces œuvres empreintes aussi des éléments à la culture du graffiti (série des Names Paintings, 1984) ou à l’imagerie du cartoon (Big Red, 1997), produisant un effet d’incertitude temporelle.

Ce volet de l’exposition s’achève avec la monstration conjointe de deux corpus où Condo reformule l’histoire de l’art à sa manière, soit par l’accumulation (série des Collages, à partir de 1986), soit par la confrontation (série des Combination Paintings, 1990-1993).

Une pause est ensuite prévue au milieu du parcours pour entrer plus intimement dans l’esprit de l’artiste. Un couloir est dédié à la relation fructueuse entretenue par Condo avec la littérature, et notamment aux collaborations menées avec les écrivains de la Beat Generation (William Burroughs, Allen Ginsberg, Brion Gysin…). Ce passage mène à un cabinet d’arts graphiques, regroupant dans un accrochage dense des œuvres sur papier qui retracent l’ensemble de la production de Condo, de ses premiers dessins d’enfant à ses encres et pastels les plus récents.

La représentation de la figure humaine est l’un des sujets principaux de l’œuvre de Condo. L’artiste s’emploie à dépeindre la complexité de la psyché humaine à travers des portraits d’êtres imaginaires qualifiés d’« humanoïdes ». Une section leur est dédiée, d’abord par une série de portraits individuels du début des années 2000 revisitant les codes néoclassiques, puis par une salle regroupant des portraits de groupes (série des Drawing Paintings, 2009-2012). La section se clôture par une salle consacrée à la série des Doubles Portraits (2014-2015). Elle permet d’aborder la dualité de l’esprit humain et la notion de « cubisme psychologique » inventée par l’artiste pour qualifier sa manière de représenter plusieurs émotions dissemblables dans un seul et même portrait.

La dernière grande section de l’exposition propose d’explorer le rapport de Condo à l’abstraction. Depuis ses débuts, l’artiste réalise des œuvres à la lisière de l’art abstrait, à l’instar de la série des Expanding Canvases (1985-1986), où la frénésie calligraphique en all-over vient brouiller la composition. La section se poursuit avec la monstration de plusieurs séries de monochromes – blancs (2001), bleus (2021) et noirs (1990-2019). Un focus particulier est fait sur la série des Black Paintings, avec une salle immersive invitant à l’introspection. L’exposition se termine par des œuvres récentes de la série des Diagonal (2023-2024), révélant la capacité insatiable de l’artiste de redéfinir son propre langage pictura

Le Musée d’Art Moderne de Paris présente à l’automne 2025 la première exposition monographique de l’artiste Otobong Nkanga dans un musée parisien.

Depuis la fin des années 90, Otobong Nkanga (née à Kano au Nigeria en 1974 et vivant à Anvers en Belgique) aborde dans son travail des thèmes liés à l’écologie, aux relations entre le corps et le territoire, créant des œuvres d’une grande force et d’une grande plasticité.

À partir de son histoire personnelle et de ses recherches témoignant de multiples influences transhistoriques, elle crée des réseaux et des constellations entre êtres humains et paysages, tout en abordant la capacité réparatrice des systèmes naturels et relationnels.
À la suite de ses études à l’université Obafemi Awolowo d’Ife-Ife au Nigeria puis à l’École nationale supérieure des Beaux-arts de Paris et à la résidence d’artistes de la Rijksakademie d’Amsterdam, l’artiste développe un questionnement sur la notion de l’exploitation du sol tout autant que sur celle du corps dans son rapport à l’espace, à la terre et ses ressources. Elle examine les relations sociales, politiques, historiques, économiques à l’œuvre dans notre rapport au territoire, aux matériaux et à la nature et produit dans une pratique pluridisciplinaire (peintures, installations, tapisseries, performances, poésies etc.).

La notion de strates est centrale dans le travail de l’artiste – à la fois dans la matérialité de ses sculptures, interventions, performances et tapisseries, mais aussi dans sa façon de penser les relations entre les corps et les terres – relations d’échange et de transformation mutuelles. Otobong Nkanga explore autant la notion de circulation des matériaux et des biens, des gens et de leurs histoires entremêlées, que celle de leur exploitation, marquées par les résidus de violences environnementales. Tout en questionnant la mémoire, elle offre la vision d'un avenir possible.

Parcours de l’exposition
Sont rassemblés des installations emblématiques, des séries de photographies, des oeuvres récentes, un grand nombre de dessins dont certains datant des premières années de création et jamais exposés jusqu’à aujourd’hui. L’exposition propose une coupe transversale à travers l’oeuvre protéiforme d’Otobong Nkanga depuis ses débuts jusqu’à aujourd’hui, et trace la généalogie de sujets récurrents (comme l’extraction minière ou les différents usages et valeurs culturelles connectés aux ressources naturelles) mais dont l’actualisation plastique est en constante évolution. À cette occasion, l’artiste réactive certaines œuvres emblématiques en leur agrégeant des éléments nouveaux – réalisés in situ – dans une poétique de l'enchevêtrement, créant ainsi des connexions entre les formes, les matières ou les idées.

Les œuvres proviennent de collections publiques françaises et internationales (Castello di Rivoli, à Rivoli, Stedelijk Museum à Amsterdam, Fondation Beyeler à Bâle, Henie Onstad Kunstsenter à Sandvika, M UKA à Anvers, Centre Pompidou à Paris) et de collections particulières ainsi que du studio de l’artiste. L’œuvre majeure From Where I Stand, 2015 qui avait été acquise lors du dîner des Amis du musée d’art moderne de Paris en 2022 figurera également dans l’exposition.

Au commencement, franchissez l’estran,  cette zone intermédiaire qui se découvre au gré des marées, et vibrez au rythme de l’océan avec Charlotte Gautier van Tour. Entrez en contact avec l’eau, le phytoplancton et son souffle, avant de vous laisser glisser Sous la surface. Au-delà de la zone de minuit, là où la lumière ne parvient plus à percer la colonne d’eau, rencontrez les habitants des abysses : des créatures d’outremonde, hybrides et fantasmées par Elsa Guillaume, mais aussi de véritables spécimens des profondeurs, prêtés par l’ONG Bloom. Nagez ensuite parmi les gorgones d’Ugo Schiavi. Sa forêt marine, composée de sublimes coraux, contient, à y regarder de plus près, autant de coquillages que de déchets plastiques. Car même sur le plancher océanique, sous des kilomètres d’eau salée, les humains impriment leur marque. A bord d’un navire d’exploration, sondez, avec Latent Community, les profondeurs inaccessibles. Ces écosystèmes fragiles, indispensables aux équilibres terrestres et à la régulation du climat, sont aujourd’hui dangereusement convoités pour les précieuses ressources qu’ils abritent. 

A présent, attirés par la lumière crue du soleil qui se mêle à l’ondoiement de la surface, vous voilà pris Dans la vague d’Adélaïde Feriot. Tanguez sous l’effet du « sentiment océanique », ce vertige qui nous saisit face à l’immensité et à la démesure. De la houle tempétueuse à la clarté indolente des vacances, il n’y a qu’une brasse, et vous remettez enfin pied à terre, sur le rivage salé de Mathieu Lorry Dupuy. Là, profitez de l’insouciance paisible de la plage, ponctuée de vestiges plastiques charriés par les flots. 

Sentez monter en vous le Vague à l’âme océanique devant les poissons de Rémi Lécussan qui frétillent sur le bastingage, au rythme des marées. 3 800 kilos de poissons sont pêchés chaque seconde dans le monde par une industrie de plus en plus destructrice. Evadez-vous avec Carla Gueye, qui défend une pêche artisanale, respectueuse des ressources halieutiques et qui contribue à préserver la mangrove. Et rappelez-vous que le maintien des équilibres est d’abord une question politique. Ana Mendes moque ainsi les dirigeants et lobbyistes qui chaque jour entérinent des arbitrages désinvoltes entre écologie et économie, en teintant de roses leur cravate et leur col blanc avec de l’Astanxanthi,  ce colorant alimentaire destiné à maquiller la chair grise du saumon d’élevage. 

Nous voici face à un océan chaviré, abîmé, exploité, sillonné par plus de 100 000 navires de commerce. Un spectacle hypnotique et assourdissant que nous montre Jacques Perconte. Face à cette étendue cernée de toutes parts par les activités humaines, comment inverser la vapeur et renouer un lien équilibré et respectueux avec l’océan ? Par l’engagement et les gestes du quotidien. En ramassant, comme vous y invite avec humour le collectif Hypercomf, les mégots de cigarette qui représentent 40 % des déchets plastiques retrouvés sur les plages européennes. En portant attention aux personnes exilées qui rebâtissent leur existence sur d‘autres rives sous l’objectif d’Émeric Lhuisset. En s’inspirant du courage des matelots et de leurs arts populaires revisités par Duke Riley. Car le véritable héroïsme contemporain, c’est de trouver les moyens de Rendre la mer et non plus de la prendre. Alors jetez vous à l’eau et rejoignez les défenseurs de l’océan !

Pour le public individuel, l’exposition se visite gratuitement et sans inscription du lundi au samedi. Tous les groupes sont invités à réserver un créneau de visite, en amont par ici

De la série des « Nixon Drawings » aux ultimes peintures de l’artiste, l’exposition du Musée Picasso mettra en lumière la porosité savamment entretenue par Guston entre la verve grotesque et caricaturale de ses dessins et la puissance expressive de sa peinture. Un transfert d’énergie s’y opère, nourri d’un humour noir qui confère à son œuvre une profondeur grinçante, faisant de lui une sorte de Kafka ou de Gogol de la peinture.

La Fondation Philip Guston et la fille de l’artiste Musa Mayer, soutiennent l’exposition, en confiant au musée l’ensemble de la série des Nixon Drawings ainsi que nombre d’œuvres inédites.

L’accès à l’expo Flops ?! est soumis à une jauge limitée par créneau horaire. Après l’achat de votre billet d’entrée au musée, vous recevrez par e-mail un lien vous permettant de réserver un coupon d’accès à l’exposition, valable soit sur le même créneau que votre billet, soit sur un créneau ultérieur le même jour. 

La visite de l’exposition dure 60 minutes.
Attention : le coupon seul ne permet pas l’accès au musée et doit impérativement être présenté avec un billet d’entrée valide. Nous vous remercions de bien respecter l’horaire réservé ; un retard maximal de 15 minutes sera toléré.

Plus d'informations

Rarement la musique a joué un rôle aussi important dans l’œuvre d’un peintre que pour Vassily Kandinsky. En présentant près de 200 œuvres et objets de son atelier, le Musée de la musique-Philharmonie de Paris et le Musée national d’art moderne-Centre Georges Pompidou s’associent pour dévoiler la place fondamentale de la musique dans son quotidien, dans sa vocation d’artiste et dans l’évolution de sa pratique vers l’abstraction. 

Le modèle abstrait de la musique

Contemporain de Moussorgski et des nouvelles écoles musicales inspirées du folklore russe, Kandinsky grandit à Moscou et Odessa dans une famille cultivée ; en amateur, il pratique le violoncelle et l’harmonium, et s’enthousiasme bientôt pour Wagner. Par-delà les attendus d’une éducation bourgeoise, la musique agit comme un révélateur. Lui-même affirme qu’elle nourrit et détermine sa vocation d’artiste. Surtout la musique, par son langage abstrait, autorise le peintre à questionner le principe de l’imitation de la nature, jusqu’à opérer sa dissolution. Affûtant sa réflexion auprès de musiciens d’avant-garde comme Nikolaï Kulbin, Sergueï Taneïev ou Thomas von Hartmann, Kandinsky réinvente le langage de la peinture suivant le modèle abstrait de la musique, dont témoignent notamment sa série d’Improvisations et de Compositions. 

L’horizon d’écoute du peintre 

Aucune exposition n’a jusqu’alors replacé l’œuvre du peintre, des paysages russes aux dernières Compositions, dans l’effervescence musicale de son temps. Nul doute pourtant que les compositions d’Alexandre Scriabine, Thomas von Hartmann, Arnold Schönberg ou encore Igor Stravinsky définissent l’horizon d’écoute de la modernité et de l’abstraction picturale. De l’évocation du « choc Wagner » qu’éprouve Kandinsky en 1896 à Moscou, aux expériences théâtrales et chorégraphiques du Bauhaus où il enseigne à partir de 1922, l’exposition renouvelle le regard sur l’œuvre du peintre en créant, à l’aide d’un parcours immersif au casque, un jeu subtil de correspondances entre musique, formes et couleurs. 

Le cabinet d’un mélomane

Outre une centaine d’œuvres et dessins issues du Centre Pompidou et de collections internationales, le parcours dévoile un cabinet imaginaire exprimant la mélomanie de Kandinsky. Les partitions qu’il acquiert, les livres et prospectus musicaux qu’il collecte, les photos de ses amitiés musicales, sa collection de disques comme les gravures de chants populaires qu’il affectionne, constituent des objets essentiels de sa culture artistique. Au cœur du cabinet, une sélection d’outils de son atelier questionne la musicalité du processus de création de Kandinsky, notamment son travail sur la « sonorité » des couleurs ou ses études visuelles sur la 5e symphonie de Beethoven. 

Vers la synthèse des arts 

La production picturale de Kandinsky est indissociable de sa réflexion et de ses expériences sur la synthèse des arts. De manière originale, l’exposition met en dialogue tableaux et dessins avec ses différents projets pour la scène, ses poèmes explorant le « son pur » des mots, ou encore l’Almanach du Blaue Reiter (Cavalier bleu), qui tous opèrent l’unité fondamentale des arts visuels et sonores. Enfin, parce que la musique est aussi, dans l’œil de Kandinsky, un art de la performance, l’exposition propose la recréation de plusieurs œuvres synesthétiques, comme la mise en scène en 1928 des Tableaux d’une exposition de Moussorgski, ou le Salon de musique qu’il conçoit pour l’exposition d’architecture de Berlin en 1931. 

Exposition co-organisée avec le Musée national d’art moderne-Centre Georges Pompidou

Commissaires

Angela Lampe, conservatrice du Musée national d’art moderne-Centre Georges Pompidou

Marie-Pauline Martin, directrice du Musée de la musique-Philharmonie

Directeur musical

Mikhail Rudy

Le faux à travers le temps

Copies, répliques et imitations ne sont pas condamnables à condition qu'elles ne prétendent pas être authentiques. En revanche les faux qui se présentent comme authentiques sont bel et bien dangereux. C'est l'intention de tromper qui fait le faux !

Face à un sujet aussi vaste, les Archives nationales ont choisi de centrer Ieur propos sur la France, en l'iIIustrant avec une quinzaine d'histoires étonnantes et plus de 100 pièces exposées aussi mémorables et insolites que le célèbre faux au cœur de l'affaire Dreyfus, un des crânes de cristal qui ont contribué à la légende d'lndiana Jones ou encore une sirène empaillée...

Documents et objets permettent d'explorer le point de vue de trois figures-clés : le faussaire, l'expert et le dupé.

Trois regards sur le faux : le faussaire, l'expert et le dupé

La figure du faussaire est complexe et ambivalente. La plupart du temps, le faussaire est un escroc peu sympathique. Cependant, sa ruse et ses prouesses techniques peuvent parfois susciter une vraie forme d'admiration. Fraudeur, escroc, truqueur, contrebandier sont les autres noms qui désignent le faussaire et reflètent souvent sa vraie nature.

Face à la menace, les experts ont développé des méthodes de plus en plus sophistiquées pour traquer les faux. À chaque avancée technologique dont se sert le faussaire correspond une riposte des experts afin de débusquer la tromperie. Mais en tentant d'établir des règles infalsifiables, les experts peuvent être pris en défaut, tant Ieur tâche est complexe !

Malgré l'intervention de l'expert, reste la victime, celui qui aura été dupé. Le dupé est-il un naïf prêt à croire n'importe quoi ? Sommes-nous moins crédules que ceux qui se sont fait prendre et dont il est facile, a posteriori, de se moquer ?

La méthode critique

Face à la prolifération des faux, la méthode critique demeure indispensable pour tous ceux qui cherchent à distinguer le vrai du faux. Tous les domaines sont concernés. Plus que jamais, il faut douter, vérifier, contrôler, savoir garder une distance prudente...

La Banque de France propose, en complément de l'exposition, un atelier pédagogique baptisé TRI —

« Toucher, Regarder, Incliner ». Conçu pour sensibiliser les visiteurs à l'identification de faux billets, il offre à tous le moyen de passer de la théorie à la pratique, de manière ludique et stimulante. Une invitation à s'interroger, à observer, à faire preuve « d'esprit critique » au meilleur sens du terme !

Installations artistiques

En complément de l’exposition, les Archives nationales présentent, dans les salons de l’hôtel de Soubise, quatre œuvres sur le thème des fakes news : « G255, 2020 » d’Alain Josseau, « Google maps Hacks »de Simon Weckert, « Fake Truth » de Tsila Hassine et Carmel Baarnea Brezner Jonas et « Truchement » de Tami Notsani.

Le palais national

Comme Louis XIV avait voulu Versailles pour y faire étalage de sa puissance, Napoléon III projeta dans le Nouvel Opéra son désir d’établir aux yeux de Paris, de la France et du monde, sa stature d’empereur.

Puis, le palais devint un symbole de fierté républicaine, le régime usant à l’envi de ce bâtiment comme le théâtre de son prestige et de son pouvoir, notamment à l’occasion des visites de chefs d’États étrangers.

Le geste d’André Malraux commandant un nouveau plafond à Chagall en 1962 atteste de la dimension toujours politique du Palais Garnier encore en plein XX^e siècle. Si ce rôle diplomatique déclina peu à peu, le souvenir d’un palais national survit, alimenté par les bals des grandes écoles et des galas réguliers.

Le palais de la danse

Dans les premières années, le Palais doit sa notoriété davantage à son architecture et à sa décoration qu’au répertoire qui y est créé. Garnier pourtant conçoit son bâtiment en lien étroit avec la scène et crée un spectacle total dévolu à l’art lyrique.

Cependant, le Palais commence à montrer ses limites au fur et à mesure des évolutions du répertoire de l’Opéra, des attentes des metteurs en scène et de la demande des pouvoirs publics d’une démocratisation de l’art lyrique.

Dans le même temps, au cours des années 1920, la danse s’affirme grâce aux saisons des Ballets russes et à l’action de Serge Lifar qui érige la danse en art à part entière. Celle-ci prend une place croissante pour constituer l’une des singularités du Palais dans les années 1970.

La construction de l’Opéra Bastille finit de conférer au Palais Garnier sa dimension de temple de la danse, alors même que des spectacles lyriques de premier plan y sont toujours programmés et marquent, pour certains d’entre eux, l’histoire de l’Opéra de Paris.

Le palais des légendes

À partir de la première de Lohengrin en 1891, le répertoire wagnérien occupe majoritairement la scène du Palais Garnier et Parsifal, donné pour la première fois à Paris en 1914 lui confère un caractère sacré.

Puis, au début du XX^e siècle, ce sont différents faits divers abondamment relayés par la presse et déformés qui contribuent à faire de l’Opéra un lieu chargé de légendes et de mystères : ce n’est plus un contrepoids, mais le lustre dans son entier qui s’effondre sur le public ; ce n’est plus un petit danseur, mais une danseuse qui se tue en traversant la verrière de l’escalier et marque à jamais la marche 13...

L’Opéra inspire aussi abondamment la littérature et le cinéma. Avec Le Fantôme de l’Opéra de Gaston Leroux, publié en 1910, se construit la « légende noire » d’un Palais Garnier inquiétant et dangereux, à la réputation sulfureuse. Le cinéma s’empare à son tour du Palais, contribuant à lui donner un rayonnement international sans précédent.

Enfin, la programmation artistique ambitieuse, la venue de stars du chant, notamment La Callas, participent à la construction du mythe d’un opéra à nul autre pareil.

Il y a 21 ans, le musée Lambinet s’enrichissait considérablement grâce au legs de la collection de Fernande Guy (1903-2004) et Marcel Guy (1901-1991), constituée de peintures et de dessins post-impressionnistes de premier plan. En 2006, cette exceptionnelle collection avait déjà fait l’objet d’une exposition au musée Lambinet accompagnée d’un focus sur l’artiste Paul Signac.

Près de 20 ans plus tard, après une campagne inédite de restauration de la grande majorité de ses oeuvres, l’équipe du musée souhaite rendre une nouvelle fois hommage à ces donateurs et offrir aux visiteurs un nouveau regard sur ce fonds d’une qualité remarquable et à l’éclat retrouvé. Les visiteurs sont invités à redécouvrir la richesse de la palette de ces artistes de paysages et leur touche si particulière. Aujourd’hui encore plus qu’hier, cette collection, inscrite dans le goût de son époque est un atout considérable au sein des collections modernes du musée Lambinet. Cette nouvelle présentation répartie sur les quatre salles d’exposition au rez-de-chaussée du musée, est accompagnée d’un catalogue édité par les éditions Lord Byron.

L’exposition retrace la constitution de cet ensemble qui commence en 1946, après la guerre, avec leur premier achat, Champs de blé en Normandie par Gustave Loiseau. Leur collection s’enrichira de 24 peintures et 21 dessins, couvrant une période allant de 1880 à 1929. Elle rassemble des paysages de Paris, d’Île-de-France, de Bretagne et de Normandie créés par les figures majeures de la scène artistique de l’époque que sont Gustave Loiseau (1865-1935), Maximilien Luce (1858-1941), Henry Moret (1856-1913) ou encore Paul Signac (1863-1935).

Le post-impressionnisme regroupe tous les peintres qui ont cherché à aller au-delà de l’impressionnisme qui avait fait de la lumière son sujet de prédilection. Ce courant, qui n’est pas un mouvement unifié, inclut de nombreux styles et réunit des artistes qui s’expriment avec une grande liberté. Une nouvelle énergie singulière apparaît après 1880, et les artistes explorent de nouveaux langages picturaux ; le pointillisme, le synthétisme, ou encore le symbolisme. À l’intérieur de cet ensemble d’artistes s’expriment des personnalités à la fois très différentes mais caractérisées par ces recherches autour de la touche, de la couleur et de la structure qui annoncent les mouvements fondamentaux du début du XXe siècle comme le fauvisme ou l’expressionnisme.

Et ce sont ces artistes à la charnière entre l’impressionnisme du XIXe siècle et les mouvements audacieux du XXe siècle qui ont passionné le couple de collectionneurs Guy auquel le musée Lambinet rend hommage. De plus en plus fréquemment sollicités pour des prêts en France et à l’étranger en raison de l’engouement croissant pour les artistes de ce courant, ces oeuvres sont aujourd’hui rassemblées dans la ville de Versailles que leurs propriétaires avaient choisie avec soin pour en assurer la préservation et le partage au public.

La dernière salle de l’exposition fait la part belle aux artistes qui se taillent la part du lion dans la collection Guy : Gustave Loiseau et Maximilien Luce. Maximilien Luce, qui vient de faire l’objet d’une importante exposition au musée de Montmartre, fait partie des incontournables de la collection Guy. Caractérisé par une fibre sociale très importante, anarchiste revendiqué, Luce est aussi un peintre paysagiste exceptionnel, reconnaissable à sa touche pointilliste et de teintes vives, se jouant des contrastes entre de puissants mauves et des jaunes électriques comme dans Paris, vue de la Seine, la nuit, toile achetée en 1959 par les Guy. 

Gustave Loiseau quant à lui peint des paysages en bords de rivières, notamment en Île-de-France, et ce à des heures particulières de la journée afin de capter une lumière singulière et avec l’intention de faire vibrer sa touche picturale.

Ce pointillisme ou ce divisionnisme exploré par la plupart des peintres post-impressionnistes rassemblés par les Guy, a été particulièrement mis en oeuvre par Paul Signac. Grâce au don, ces deux aquarelles de cet artiste majeur du néo-impressionnisme ont fait leur entrée dans les collections du musée Lambinet. Le Port de Cherbourg de 1932 nous laisse, par exemple, un témoignage vif et spontané du grand projet de l’artiste autour des ports de France.

Suivant l’axe Nord-Sud – de Montmartre à Montparnasse – l’exposition « École de Paris, collection Marek Roefler » présente le fruit de nombreuses années de passion et de travail mené par le collectionneur, en faisant découvrir au public l’œuvre surprenant de plusieurs maîtres polonais. Les noms d’artistes reconnus tels que Ossip Zadkine, Tamara de Lempicka et Moïse Kisling, accompagnent ceux d’une génération souvent méconnue au grand public : Henri Hayden, Eugène Zak, Henri Epstein, Mela Muter, Maurice Mendjizky, Simon Mondzain, Wladyslaw Slewinski, Jozef Pankiewicz, Louis Marcoussis, Alice Halicka, ou encore les sculpteurs Auguste Zamoyski, Boleslas Biegas et Jozef Csaky.

Le parcours de l’exposition illustre l’étendue du foisonnement créatif de l’École de Paris, ainsi que la pluralité de styles qui caractérise ce mouvement. L’influence de Cézanne, Gauguin et de Van Gogh côtoie le développement autonome de plusieurs artistes, qui fondent leur propre esthétique sous l’égide de la libre pensée, dans les années où Guillaume Apollinaire, Max Jacob, Ambroise Vollard et tant d’autres contribuent au rayonnement intellectuel et marchand des avant-gardes.

 L’exposition s’inscrit dans la programmation du musée de Montmartre qui, depuis plusieurs années, invite à réfléchir sur la pluralité des parcours et met en lumière le rôle emblématique de la Butte dans l’histoire de l’art, ainsi que son effervescence créative.

DOSSIER DE PRESSE DE L'EXPOSITION

Les créations d’artistes internationaux comme Lucy + Jorge Orta, Inès Katamso, Margaret Wertheim, Ghazel ou encore Quayola, dialoguent avec les témoignages et récits de populations touchées par ces bouleversements aux quatre coins du globe, du Sénégal aux îles du Pacifique en passant par le Groenland ou la France. 

Fruit d’un travail rigoureux

Fruit d’un travail rigoureux mené avec un conseil scientifique constitué d’experts internationaux, Migrations & climat donne ainsi à voir et à entendre, dans leur diversité, des réalités souvent méconnues, mises en lumière par les données issues d’organisations spécialisées mais aussi par les échanges au long cours avec des témoins ou des activistes des zones concernées. 

En croisant les regards artistiques, scientifiques et citoyens, Migrations & climat éclaire un débat de société majeur, invitant à replacer l’humain et le vivant au cœur des préoccupations climatiques, culturelles et sociales. Une invitation en somme à repenser ensemble notre manière d’habiter la planète.

Une aventure à vivre en famille, entre jeux, énigmes et découvertes

Pensée comme un véritable voyage à travers le temps, l’exposition se déploie en 6 étapes immersives, de l’Antiquité au monde de demain. Les enfants explorent les grandes périodes de l’histoire monétaire, tout en expérimentant par le jeu :

Fabriquer des pièces en pâte à modeler

Manipuler un distributeur automatique

Soulever un sac de pièces d’or

Participer à des jeux de rôle

Relever des défis façon escape game

Et même… remporter une pièce en chocolat !

Les plus curieux trouveront également des jeux d’observation, des déguisements, un “cherche et trouve”, des espaces détente et des défis collaboratifs : de quoi ravir toute la famille, pour une sortie culturelle en famille à Paris mémorable.

Un musée pour les enfants… et pour les parents aussi !

Les Mystères de l’Argent est l'exposition du moment à Paris. Elle permet aux enfants de mieux comprendre le monde qui les entoure, grâce à une scénographie innovante et aborde des notions économiques essentielles : échanges, valeur, inégalités, consommation… tout en stimulant leur esprit critique. Un livret de visite, disponible gratuitement à l’accueil, accompagne les enfants dans leur parcours.

Toutes les informations

L’exposition permettra d’admirer une centaine de documents d’exception issus des collections de la Bibliothèque nationale de France, du XII^e siècle jusqu’aux textes les plus contemporains, une traversée de Chrétien de Troyes à Marguerite Yourcenar.

Parchemin ou papier, graphies élégantes ou convulsives, mises en page, illustrations, ratures, transformations, annotations... Dans l’univers de l’écrit, la singularité du manuscrit réside dans le choix du support, la graphie ou tout ce qui peut entourer le texte. Tout manuscrit est donc un témoignage vivant et unique de la langue telle que les individus se la sont appropriée au fil des siècles.

Simone de Beauvoir, Christine de Pizan, Marcel Pagnol, Boris Vian, George Sand, Mme de Sévigné ou Champollion : la Cité révèle des trésors de la Bibliothèque nationale de France, en donnant à voir les secrets d’écriture de nos auteurs et autrices parmi les plus célèbres à travers les siècles, que chacun a, à un moment, étudié en classe, découvert dans la bibliothèque familiale ou emprunté à la bibliothèque…

Commissariat d'exposition : Thomas Cazentre et Graziella Pastore, conservateurs au département des Manuscrits de la Bibliothèque nationale de France.

Une exposition du Centre des monuments nationaux et de la Bibliothèque nationale de France, présentée à la Cité internationale de la langue française, soutenue par Beaux Arts Magazine et Lire Magazine.

Dix siècles d'histoire du français

Pour rendre compte de dix siècles d’histoire du français, l’exposition propose un voyage en cinq étapes, fondé sur le contenu des manuscrits conservés et sur leurs usages.

Penser en français

Cette première salle retrace, à travers des manuscrits savants, la manière dont le français s’est progressivement affirmé et développé comme une langue écrite capable de dire et de penser le monde. Le manuscrit devient le support de l’expression de la pensée, s’inscrivant dans une tradition de traduction et de transmission du savoir. À découvrir notamment dans cette section, les manuscrits de deux grandes femmes de science françaises : Emilie du Châtelet et Sophie Germain.

Parmi les œuvres à voir dans cette section : Jean-François Champollion, Grammaire égyptienne, 1830-1832 ; Thibaut Desmarchais, Le Secrétaire des astres, XVIIIe siècle ; Simone Weil, Cahiers, 1933-1941

La littérature avant l’imprimerie

Sous quelle forme se présentent les grands textes de la littérature française du Moyen Âge que nous lisons aujourd’hui dans des éditions imprimées ? Où ces textes ont-ils été produits et copiés ? À travers une sélection de manuscrits allant du xiie au xvie siècle, rédigés sur papier ou sur parchemin, cette section offre un aperçu de quelques exemples parmi les plus emblématiques ; elle illustre la spécificité matérielle de leur « mise à l’écrit » dans le vaste espace francophone médiéval. Du Roman d’Alexandre au Chansonnier cordiforme de Montchenu, le manuscrit avant l’invention de l’imprimerie est un véritable objet fini et esthétique.

À voir : Queste del Saint Graal, XIVe siècle (dernier quart, vers 1385) ; Chansonnier cordiforme de Jean de Montchenu, vers 1475 ; Gautier de Coinci, Miracles de Nostre Dame, 1328-1332

À entendre : Chansonnier cordiforme : diffusion d’un extrait de chanson (env. 3 min.)

Le brouillon littéraire

Témoignages précieux et émouvants de la naissance des grands textes de la littérature française, les brouillons littéraires autographes sont quasi inexistants pour le Moyen Âge, et restent rares jusqu’au XVIIIe siècle. Aux XIXe et XXe siècles en revanche, d’abondantes archives d’écrivains permettent d’observer et d’étudier la création dans tous ses états et ses déclinaisons individuelles. Les textes romanesques, dramatiques et autobiographiques présentés dans cette salle offrent, sous leur aspect initial parfois un peu ingrat en comparaison des manuscrits médiévaux, toute une variété de supports (feuilles libres, cahiers…), de graphies (certaines parfaitement limpides, voire élégantes, d’autres confinant à l’illisible), de mises en page (ordonnées, scolaires, ou au contraire saturées, voire chaotiques).

À voir : Marcel Proust, cahiers de brouillons pour À la recherche du temps perdu, 1908-1922 ; Wajdi Mouawad, Fauves, 2021; Colette, Les Vrilles de la vigne, 1908.

À entendre : Lecture par Denis Podalydès de Mort à crédit de Céline (INA) ; Extrait d’une pièce de théâtre : Roberto Zucco de Bernard-Marie Koltès (France Culture).

Écrire pour soi, écrire sur soi : les manuscrits intimes

L’écriture a longtemps été le privilège des clercs et des puissants. Cette pratique qu’il fallait
apprendre en des temps où l’école était rare, et dont les outils étaient coûteux, était réservée à un petit nombre et s’inscrivait dans un cadre social : on écrivait toujours pour quelqu’un, singulier ou multiple, proche ou lointain. La philosophie comme la morale chrétienne ont longtemps condamné la manifestation de l’ego, sauf dans le cadre du témoignage ou de la confession. Il a fallu des siècles pour que la pratique de l’écriture se répande, que de nouveaux groupes sociaux se l’approprient et que des individus s’en emparent pour raconter leur vie, confier au papier la chronique de leurs jours, de leurs sentiments, de leurs réflexions sur tout et rien, à l’intention de leurs proches ou de leurs descendants, ou pour eux-mêmes.

À voir : Giacomo Casanova, Histoire de ma vie, vers 1789-1797

La correspondance

Écrire une lettre a sans doute été, jusqu’à une époque récente, la pratique d’écriture la plus universellement répandue ; le passage de la lettre manuscrite et de la carte postale au message électronique n’a fait que démultiplier la communication écrite. Or celle-ci a longtemps été une pratique très codifiée. Au Moyen Âge et à la Renaissance, les lettres sont rarement personnelles, et s’appuient sur des modèles rhétoriques prescriptifs. À l’âge classique, l’écriture épistolaire se libère.

À l’époque contemporaine, des masses considérables de correspondances sont conservées dans les bibliothèques et les archives, publiques ou privées. Qu’elles soient produites par des personnalités historiques et littéraires ou de parfaits inconnus, toutes offrent des témoignages précieux et riches d’informations : sur la langue et sa pratique dans les divers milieux, sur une époque, sur les mentalités, les relations sociales… Au-delà de ces apports historiques, les lettres valent aussi par les voix singulières qu’elles font entendre, les sentiments et les pensées intimes qu’elles expriment, et la manière dont chaque correspondant, écrivain ou non, s’approprie littérairement et matériellement l’objet-lettre pour en faire une petite création sous enveloppe.

À voir : Ovide, Héroïdes, traduit en français par Octovien de Saint-Gelais, vers 1505-1515 ; Marie de Rabutin-Chantal, marquise de Sévigné, lettre à Madame de Grignan, 6 octobre 1688

Le parcours de l'exposition

La salle d’introduction propose « d’entrer dans le sujet » par la sensibilité avec des dessins de Victor Hugo où il met en scène ses propres décors ou bien reproduit des objets décoratifs qui semblent avoir arrêté son imaginaire.

« Les décors perdus »  

Peu d’éléments subsistent sur le décor des appartements parisiens de Victor Hugo, avant l’exil : quelques objets, un seul dessin, l’arrière-plan de certaines peintures et des témoignages écrits. Le plus spectaculaire est la « bannière ottomane » qui ornait le grand salon de la Place Royale. Ceux-ci permettront cependant une évocation de ces décors.

Paris Guernesey : « Juliette » 

Le goût des chinoiseries et des porcelaines, des bibelots et de la décoration a joué un rôle important dans la passion de Victor Hugo et de Juliette Drouet. Les témoignages sont nombreux et divers de cette complicité qui culmine avec les décors réalisés par Victor Hugo pour les deux maisons habitées par Juliette Drouet à Guernesey, visible au deuxième étage du musée. 

Les échanges familiaux

Le décor est le lieu de la vie familiale ; il en est aussi l’expression. Des échanges en accompagnent la création : Victor Hugo offre coffres ou cadres peints aux siens, Mme Hugo façonne des cadres recouverts de velours, Charles y met la main ou chine des objets pour son père. Charles est aussi l’auteur du premier livre présentant Hauteville House qui devait être illustré à partir des photographies d’Edmond Bacot. Dans un précieux exemplaire le bibliophile Louis Barthou avait relié des dessins de Victor Hugo, recherche pour ses décors qui nous font entrer dans sa création.

« Hauteville House »

Pour évoquer Hauteville House, on proposera aux visiteurs la visite virtuelle de Hauteville House à 360°.

« La tour du Nord »

Après que les membres de la famille aient quitté Hauteville House, Victor Hugo condamna la salle de billard qui était le lieu emblématique de la vie familiale. Cette pièce devint une réserve dans laquelle le poète remisait les objets qu’il ne cessait d’acheter, en inlassable amateur, peut-être dans l’attente d’un éventuel, mais improbable, usage. À cette image, on se propose de donner une sorte de réserve ouverte de l’imaginaire décoratif de Victor Hugo, à travers ces objets flottants de Hauteville House, accumulés par le poète sans destination précise.

Dans l'appartement

L’intégration de l’appartement dans le parcours de l’exposition se justifie par les trois ensembles décoratifs qui s’y trouvent : le « salon chinois », la « salle à manger », la « chambre mortuaire ».

Souvenirs parisiens

Le salon rouge conserve plusieurs meubles qui faisaient partie du décors de l’appartement original place Royale.

Hauteville II, les panneaux peints

Le « salon chinois » est la pièce la plus spectaculaire du musée. Elle réunit les panneaux gravés et peints par Victor Hugo pour Hauteville II, la maison de Juliette Drouet à Guernesey, des céramiques et quelques meubles. L’ensemble était réparti dans plusieurs pièces de la maison de Juliette. Ils furent réinstallés au musée pour sa création, dans des disposition ne correspondant pas à celles d’origine, parfois même en coupant certains panneaux. C’est donc du faux fait avec du vrai. 

Hauteville II, les meubles

Cette salle qui, comme la précédente sera complétée par la présentation de documents expliquant la façon dont Victor Hugo conçevait les meubles qu’il faisait réaliser par ses menuisiers.

Fascination

Le petit cabinet sera utilisé pour un accrochage de photographie des collections montrant la fascination qu’exerce Hauteville House sur des artistes contemporains

La chambre mortuaire

Cette salle constitue le troisième point fort de l’appartement avec le mobilier de la chambre dans laquelle Victor Hugo est mort. 

Pour consulter le dossier de presse

Une expérience historique immersive au cœur du XVIIIe siècle

L’exposition débute par une présentation de château de Maisons au XVIII^e siècle. En complément aux gravures de la collection permanente déjà exposées, des projets du Prince pour le domaine seront évoqués à l’aide de plans et de dessins parfois inédits. Vous passerez ensuite aux premières années et à l’éducation du comte d’Artois, ainsi qu’à son mariage avec Marie-Thérèse de Savoie en 1773 et à sa descendance, avant d’aborder sa carrière militaire, qui, bien que purement honorifique et dénuée de toute importance stratégique, le conduisit brièvement sur un théâtre d’opérations en Espagne en 1779. Les divertissements du Prince, enfant gâté de la famille royale, seront ensuite abordés : principalement la chasse, mais aussi les sciences et une importante bibliothèque.

Les différentes résidences du comte d’Artois seront par ailleurs présentées, ainsi que les divers projets qu’il conçoit (notamment le château et le jardin de Bagatelle, création originale et majeure du Prince, et le vaste projet dû à l’architecte François-Joseph Bélanger pour le château de Saint-Germain-en-Laye). Quelques exemples représentatifs des créations d’ébénisterie réalisées pour les diverses résidences du Prince (Versailles, Bagatelle et Paris) et des commandes de porcelaine de Sèvres effectuées par la comtesse d’Artois dans le sillage de celles Marie-Antoinette, prendront place dans la salle à manger et le salon des Jeux. L’exposition se terminera par la fuite du Prince en 1789 et son exil en Écosse. 

Pour la première fois à Paris, une grande rétrospective est consacrée à Maurits Cornelis Escher, l'un des artistes les plus fascinants et appréciés de la scène internationale. 

Avec plus de 200 œuvres, l'exposition plonge le public dans l'univers imaginaire et vertigineux de ce génie visionnaire néerlandais. Né en 1898 à Leeuwarden (Pays-Bas), Escher a su conjuguer art, mathématiques, géométrie, logique et philosophie dans un langage unique, capable de défier les perceptions visuelles et de captiver des générations entières.

Célèbre pour ses visions impossibles, ses paradoxes visuels et ses géométries infinies, Escher est devenu une véritable icône, autant pour les mathématiciens et chercheurs que pour le grand public, séduit par la force visuelle et concptuelle de ses œuvres. Son travail se situe à la croisée de la rigueur scientifique et de l'imagination poétique, et a profondément inflluencé le monde du design, du graphisme et de la communication visuelle.

Ses illusions d'optique et architectures impossibles prennent vie dans cette exposition immersive, enrichie de stations interactives. À l'occasion de l'événement, accueilli dans les salons historiques de la Monnaie de Paris, seront également présentées des pièces commémoratives frappées pour les 100 ans de la naissance de l'artiste, ainsi que des dessins préparés pour des billets de banque finalement non émis en raison de leur complexité d'exécution. 

L'exposition est produite par Arthemisia et Fever, en collaboration avec la M.C. Escher Foundation et Maurits, et est placé sous la direction de Frederico Giudiceandra et de Jean-Hubert Martin, deux des plus grands spécialistes mondiaux de l'artiste. 

PLUS D'INFORMATIONS

Celui qui entendait se comporter « comme un ébéniste des XIIIe et XIVe siècles qui se fiait toujours à son instinct », comme il l’écrit dans ses mémoires, garde un intérêt constant pour les savoir-faire empruntés à l’artisanat. Au début des années 1920, lorsque Zadkine, revenu du cubisme, cherche une voie nouvelle, il expérimente différentes techniques : il colore, dore et laque ses sculptures, donnant naissance à certains de ses chefs-d’œuvre comme l’Oiseau d’or, un plâtre doré à la feuille, ou le Torse d’hermaphrodite, laqué avec la collaboration du décorateur André Groult. C’est cependant sa maîtrise de la taille-directe qui lui vaut d’être sollicité pour l’Exposition internationale des arts décoratifs en 1925. Aux côtés de sculpteurs comme Pompon ou les frères Martel, il participe au décor de la Pergola de la Douce France, un monumental édifice érigé sur l’esplanade des Invalides et qui entend remettre au goût du jour la technique ancestrale de la taille directe de la pierre, perçue comme plus authentique que le modelage.

L’exposition, conçue en cinq sections, explore dans un premier temps le « tournant décoratif » qui s’opère chez Zadkine dans les années 1920, moment où le sculpteur se passionne pour la couleur en sculpture et expérimente des techniques comme la dorure et la laque. 
Une deuxième section met en avant les sculptures de Zadkine conçues pour l’architecture : Zadkine collabore en effet à plusieurs reprises avec des architectes pour décorer des monuments, à Paris comme à Bruxelles.
Les sections trois et quatre sont consacrées aux expositions de 1925 et 1937, auxquelles Zadkine a contribué. En cette année du centenaire, l’accent est mis sur l’Exposition de 1925 et sur la Pergola de la Douce France, l’un des rares monuments de 1925 encore conservés. Évoquée au musée Zadkine par le biais d’une maquette, d’esquisses et de documents, la Pergola est en effet remontée en 1935 à Étampes où il est toujours possible de l’admirer aujourd’hui.
L’exposition se clôt avec l’évocation de trois décorateurs dont Zadkine était proche : Eileen Gray, Marc du Plantier et André Groult. Dans l’ancien atelier du sculpteur, mobiliers et objets dialoguent ainsi avec des œuvres de Zadkine, présentées à la façon dont elles s’intégraient dans les intérieurs Art déco conçus par les créateurs renommés qui avaient su reconnaître son talent. 

Un panorama international : 250 pièces issues des collections de la Contemporaine et des prêts majeurs

En s’appuyant sur des travaux de recherche, les commissaires, Max Bonhomme (Université de Strasbourg) et Aline Théret (Contemporaine), mettent en valeur la diversité des supports imprimés : cartes postales, presse illustrée, affiches, couvertures de livres, tracts et brochures. Remontant au début du XXe siècle, l’exposition témoigne de l’inventivité des compositions présentes dans l’imagerie dès cette époque, notamment dans l’industrie de la carte postale, un support qui fut beaucoup utilisé comme moyen de propagande pendant la première guerre mondiale. Le parcours propose également un panorama international de l’histoire du photomontage, mettant en valeur aussi bien les productions soviétiques, allemandes, néerlandaises, italiennes qu’espagnoles. Si elle s’appuie sur les collections de la Contemporaine, très riches en presse illustrée et affiches politiques, elle les complète par de très beaux prêts d’institutions étrangères (International Institute of Social History, Amsterdam) et de collections particulières.

En proposant une traversée du XXe siècle sous le prisme de la manipulation des photographies pour les besoins de la communication politique, l’exposition invite tous les publics à faire résonner histoire des images prénumériques et actualité la plus récente.

Commissaires : Max Bonhomme, Université de Strasbourg et Aline Théret, la Contemporaine.

À la rencontre des « momies »

L’exposition vous propose d’aller à la rencontre de personnes qui ont été intentionnellement momifiées, que ce soit en Amérique du sud, en Égypte, en France ou ailleurs, car si la momification naturelle existe, la majorité des personnes retrouvées momifiées l’ont décidé. Elle interroge aussi la place que ces individus occupent au sein de leur société, avant et après leur momification.

Alors que le corps est naturellement voué à disparaître, l’exposition vous invite à explorer les raisons qui ont poussé tant de cultures à opter pour l’une des pratiques les plus poussées en termes de préservation du corps.
 

Techniques et rites de momification

Présentés allongés, assis ou accroupis, le corps dénudé, habillé ou couvert de bandelettes, ces témoins du passé, dont l’apparence s’éloigne des clichés habituels, nous transmettent des indices sur la manière dont leur corps a été transformé pour pouvoir traverser les âges.

Ce processus très codifié fait appel à des spécialistes du funéraire et s’accompagne d’un certain nombre de rites. À travers quelques objets emblématiques, notamment du mobilier funéraire, des illustrations et des dispositifs pédagogiques, l’exposition vous fait découvrir une grande variété de techniques et rites de momification.
 

De l’Égyptomanie aux enjeux de conservation des restes humains

À travers des archives inédites, l’exposition revient sur l’essor de l’archéologie et la création des musées dans son sillage. En effet, au XIX^e siècle, l’archéologie est en vogue et les fouilles sont menées avec frénésie par les puissances coloniales. Ainsi, de nombreux corps momifiés intègrent les collections des musées occidentaux et attisent la curiosité du public, en particulier lors d’événements populaires et médiatisés.

Aujourd’hui, la démarche a évolué : les musées mènent des enquêtes de provenance et s’interrogent sur la trajectoire de ces défunts. Cette exposition est l’occasion de montrer les réflexions éthiques qui sont menées, notamment au Muséum, autour des enjeux de conservation et de présentation.
 

Des recherches scientifiques pluridisciplinaires

Enfin, l’étude scientifique des défunts momifiés fournit des réponses inédites sur les vies passées. Qui étaient-ils ? Quel était leur mode de vie ? À quoi pouvaient-ils bien ressembler ? Quel était leur condition physique avant de mourir ? Avaient-ils contracté une maladie ? Quel était leur rapport à la mort ? Autant de questions qui traversent la recherche. Découvrez comment, aujourd’hui, les scientifiques étudient et reconstituent la vie de ces défunts momifiés.

Un artiste engagé

À travers ce portrait de Ibels, c’est le portrait d’une époque qui se dessine, celle des cafés-concerts, des grands magasins, des expositions universelles, et des grands débats politiques de la Troisième République. Et parce qu’elle fera une grande place à l’engagement citoyen, l’exposition sera accompagnée d’un projet dédié aux collégiens yvelinois en lien avec la maison Zola-musée Dreyfus, l’association Cartooning for Peace et des dessinateurs de presse professionnels.

« Une exposition d’intérêt national »

Le musée départemental Maurice Denis perpétue sa vocation originale de sortir de l’ombre les artistes Nabis oubliés dans l’historiographie : après les expositions Ker-Xavier Roussel (1994), Paul-Élie Ranson (1997-1998 et 2009-2010), Jozsef Rippl-Ronaï (1998-1999) et Georges Lacombe (2012-2013), il était temps de mettre en lumière un des artistes quelque peu marginalisés au sein du groupe car engagé politiquement au moment de l’Affaire Dreyfus. Ce travail de recherche primordial vaut à l’exposition d’être l’une des 28 expositions 2025 reconnues « d’intérêt national » par le ministère de la Culture. L’exposition est coproduite en partenariat étroit avec le musée Toulouse-Lautrec d’Albi qui l’accueillera à son tour au printemps 2026.

La vallée du Mississippi autochtone au XVIII^e siècle

La première section de l’exposition plongera le visiteur dans l’univers complexe des sociétés amérindiennes de la vallée du Mississippi, à l’époque où les Français commencent à l'explorer et à s’y installer. Cette rencontre entre ces deux civilisations donnera bientôt naissance à une alliance durable, fondée sur des relations diplomatiques étroites. 

L'exposition présentera d’abord les grandes nations amérindiennes au cœur de cette histoire, grâce à une carte contemporaine spécialement conçue pour l’exposition, et à des cartes rares du XVIIIe siècle. Certaines nations étaient déjà liées aux Français par des alliances nouées antérieurement, renforcées en 1701 par la Grande Paix de Montréal dont le traité historique sera exceptionnellement exposé au public.

À travers une série de portraits rares, parmi les seuls conservés de cette époque, se dessinera une toute autre image des sociétés amérindiennes loin des stéréotypes des peuples des Plaines du XIXe siècle. La sélection d'œuvres intègre une coiffe de plumes exceptionelle du XVIIIe siècle, probablement la plus ancienne de ce type conservée au monde.

La présentation des nations amérindiennes se prolongera avec un aperçu de leurs modes de vie, fondés sur une alternance entre vie agricole et chasse selon les saisons. Leur lien au vivant est aussi spirituel et passe par de véritables relations sociales entretenues avec des « personnes » autre qu’humaines comme les oiseaux-tonnerres, esprits puissants, qui ornent notamment les peaux offertes aux Français comme cadeaux diplomatiques.

L’établissement d’une colonie française : la Louisiane

La deuxième section de l’exposition mettra en lumière les liens étroits tissés entre les Français et leurs alliés autochtones après leur installation en Louisiane. Elle présentera une sélection d’objets illustrant le métissage culturel né au début du XVIII^e siècle : casse-têtes ornés de fleurs de lys, colliers de perles importées ou couteaux européens dans des fourreaux amérindiens. Un calumet de paix, richement décoré de plumes, et une peau peinte le représentant en seront les pièces les plus éloquentes.

En 1724, pour affermir cette alliance, la Compagnie des Indes propose d’inviter des chefs autochtones à la Cour du jeune Louis XV. Étienne Véniard de Bourgmont, commandant du poste du Missouri, sollicite les nations Otoe, Osage et Missouria − dont les réponses transcrites dans la correspondance diplomatique seront présentées dans l’exposition − tandis que les Illinois envoient Chicagou, le chef des Michigamea et transmettent la parole de Mamantouensa, chef des Kaskaskia, via un missionnaire jésuite, Nicolas Ignace de Beaubois. 

La constitution de la délégation ne se fait pas sans peine. Alors que d’autres nations devaient envoyer des représentants, le naufrage du navire qui devait les emmener en France dissuade le plus grand nombre de poursuivre. Finalement, la délégation se compose de quatre chefs et de la fille d’un chef missouri et prend la mer au printemps 1725. Dès ce moment, les délégués sont considérés comme des ambassadeurs internationaux et un document nous apprend qu’ils sont traités « comme à la table du capitaine », honneur réservé aux seules élites. 

La réception de la délégation à la Cour

Cette dernière section retracera les étapes de la visite des chefs amérindiens en France − à Paris, Versailles et Fontainebleau − et dévoile le protocole déployé par la Cour pour les recevoir, comme souvent pour les ambassades étrangères. Grâce au précieux témoignage du Mercure de France, on suit leurs déplacements : ils rencontrent les directeurs de la Compagnie des Indes, organisatrice du voyage, et les princes et princesses du sang. L'exposition mettra l’accent sur l'audience donnée par Louis XV aux chefs le 25 novembre 1725 à Fontainebleau. Cet épisode constitue le moment le plus symbolique de la visite au cours duquel les chefs prononcent des harangues destinées à Louis XV qui, en retour, fait preuve d’un intérêt tout particulier pour ses invités.

Après avoir visité Versailles, Marly et Trianon, les délégués ont l’honneur d’être invités à participer à la chasse à Fontainebleau, aux côtés du roi. Ils acceptent volontiers et prennent part à cet événement « à leur manière », c’est à dire à pied, et munis de leurs arcs.

Le parcours de l’exposition, ponctué de citations du Mercure de France, présentera différents présents similaires à ceux échangés entre les Amérindiens, le roi et le gouvernement : de prestigieuses coiffes, des arcs et un calumet pour les premiers, une médaille en or et autres riches artefacts pour les seconds. Des portraits des principaux acteurs de l'événement côté français ainsi que le portrait jamais exposé en France d’un Amérindien Miami permettront d’illustrer cette rencontre entre la Cour et la délégation, en la restituant dans toute son esthétique.

L'exposition évoquera en point d'orgue la « danse des Sauvages », célèbre pièce composée par Jean-Philippe Rameau et ajoutée à son opéra Les Indes galantes, qui lui a été inspirée par la danse de deux chefs sur la scène de la Comédie-Italienne. Cette source d’inspiration, rarement évoquée en France, montre l’impact durable de cette délégation sur la culture française, unique à l'époque.

Enfin, une médiation spéciale permettra aux visiteurs d’écouter les membres autochtones du conseil scientifique de l’exposition évoquer le rapport contemporain de leurs nations avec la France, en écho à cette longue histoire partagée. 

Riche de plus de 350 œuvres (vêtements, accessoires, photographies, arts graphiques, échantillons, outils…), le parcours révèle à la fois des créations de maisons de haute couture et des pièces de jeunes créateurs, dont certaines spécialement réalisées pour l’exposition. Des échantillons de textiles et des tables équipées de loupes invitent le public à observer, scruter et contempler les œuvres pour comprendre la complexité des gestes qui se cachent derrière chaque création – l’occasion unique de plonger au cœur des savoir-faire de la mode.
 

Le Palais Galliera met également à l’honneur les auteurs de ces savoir-faire souvent oubliés ou effacés derrière le nom prestigieux d’un couturier. Qu’il s’agisse de maisons historiques telles que Lesage ou Hurel, de nouvelles figures contemporaines comme Baqué Molinié ou Aurélia Leblanc, l’exposition revient sur les métiers souvent méconnus de la mode : créateur textile, brodeur, plumassier, parurier floral, qui ont fait de Paris, capitale cosmopolite, un territoire privilégié de ces savoir-faire d’exception, sans cesse renouvelés.

L’exposition en bref

Les Nabis, promoteurs de l’art dans la vie, grâce à l’image imprimée

Le mouvement nabi dépasse le champ traditionnel des beaux-arts par une ouverture à tous les domaines de la création et en particulier aux arts décoratifs. Sa contribution diversifiée aux arts graphiques s’inscrit dans un désir d’intégrer l’art à la vie quotidienne et de le rendre accessible au plus grand nombre, comme l’affirme Bonnard : « Notre génération a toujours cherché les rapports de l’art avec la vie. À cette époque, j’avais personnellement l’idée d’une production populaire et d’application usuelle : gravure, éventails, meubles, paravents. » Sous l’impulsion d’éditeurs et de marchands novateurs, tel Ambroise Vollard, ces artistes ont œuvré à une période phare de l’histoire de l’estampe qui a consacré le peintre-graveur dans son statut d’artiste original. Certains ont exploré les ressources de la lithographie en couleurs (Maurice Denis, Pierre Bonnard, Édouard Vuillard, Ker Xavier Roussel), tandis que d’autres ont contribué au renouveau de la gravure sur bois de fil (Félix Vallotton et Aristide Maillol). Grâce à ces procédés d’impression, ils ont créé aussi bien des estampes artistiques en feuilles ou en albums que des affiches, des illustrations pour des revues ou des livres de bibliophilie, des programmes de spectacle, des partitions de musique et des objets d’art décoratif (paravents, papiers peints, éventails…).

Thomas dialogue aussi avec l’histoire de l’art européen, en particulier français. Des œuvres emblématiques telles que Le Déjeuner sur l’herbe (1863) de Manet et La Grande Odalisque (1814) d’Ingres sont réinterprétées à travers un prisme contemporain, plaçant les femmes noires au centre du récit et transformant la lecture des classiques.

All About Love vous invite à découvrir un univers d’amour, de loisirs et de libération, où la beauté, l’intimité et la maîtrise de soi redéfinissent le regard historique sur l’art.

Après des expositions saluées au Broad (Los Angeles), à la Fondation Barnes (Philadelphie), à la Hayward Gallery (Londres) et aux Abattoirs (Toulouse), cette rétrospective constitue la plus ambitieuse présentation des œuvres de Mickalene Thomas à Paris.

Qui n’a pas en mémoire l’image de l’un de ses anciens manuels d’histoire ? Reflets de leur temps, du développement des politiques scolaires et de l’évolution de la pédagogie au fil des siècles, ils contribuent à façonner une culture matérielle de l’école. Ces ouvrages sont aussi des objets autonomes, des vecteurs culturels qui témoignent des différentes conceptions de l’histoire nationale et de la longue querelle entre l’Église et l’État.

L’histoire à travers les manuels scolaires

Vercingétorix, Jeanne d’Arc, 1515… Loin du cliché d’une histoire de France éternelle campée sur ses frontières hexagonales, l’exposition Illustrer l’histoire de France s’intéresse à l’évolution de l’illustration des manuels scolaires du 18^e siècle à nos jours.

À travers une quarantaine de documents, elle raconte les enjeux forts de ce grand récit national depuis les origines. Elle débute par des portraits de rois et d’hommes illustres et aboutit à des ouvrages plus complexes, complétés puis concurrencées par le numérique. 

L’objectif est de présenter au grand public la manière dont les manuels scolaires ont raconté l’histoire de France, mais aussi de décrypter les enjeux de ces représentations. Illustrer l’histoire de France incite à mesurer les effets pendant plus de trois siècles de ce panthéon scolaire sur la société contemporaine à travers les manuels que des générations d’élèves ont eus entre les mains. Les usages pédagogiques de ces livres témoignent de la transmission d’une certaine histoire qui s’apparente à « l’album de famille » de tous les Français. 

Sont passées en revue les diverses interprétations, les instrumentalisations au service de la morale, de la religion et de la politique. Sans omettre les déformations dont les événements historiques ont pu faire l’objet, comme saint Louis sous son chêne ou Bernard Palissy brûlant ses meubles pour faire cuire ses céramiques.

Recréer l’ambiance d’une salle de classe

À l’entrée de la salle d’exposition, la mise en scène de manuels scolaires sur plus de trois siècles accueille le visiteur. Elle a été construite en résonance avec la grande frise chronologique « Archives et histoire » du parcours permanent, qui évoque les différents récits construits sur l’histoire de France. Elle met en avant des illustrations des manuels scolaires de la III^e République, recontextualisées dans l’exposition Illustrer l’histoire de France. 

L’atelier du musée des Archives nationales a conçu la scénographie autour d’une idée centrale : plonger le visiteur dans une salle de classe et ses transformations depuis le 18e siècle. Ainsi, le parcours présente une classe d’école avec son tableau noir, sa bibliothèque de fond de salle, ses tables en bois… 

Visiter l’exposition s’apparente alors à une déambulation dans une salle de classe en même temps qu’à un voyage à travers le temps. Des images provenant de la collection du Musée national de l’éducation (Munaé) participent à cette immersion. Elles scandent l’espace en trois parties chronologiques. 

Créer des récits avec les visiteurs

Quelles images de l’histoire de France avons-nous conservées dans notre mémoire depuis l’enseignement reçu à l’école ? La médiation de cette exposition propose aux visiteurs – adultes et enfants – de confronter leurs souvenirs des grands héros et des temps forts de cette histoire. Plusieurs classes de Saint-Denis vont ainsi questionner les manuels exposés. 

Leur mission ? Réécrire des cartels descriptifs de quelques documents de l’exposition en associant récit personnel et analyse historique, puis les mettre en voix et en sons, avec l’aide de la journaliste productrice de podcasts, Iris Ouedraogo. Les visiteurs seront eux aussi invités à proposer leur cartel écrit pour présenter les images qu’ils choisiront.

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Trois périodes, quatre regards d'historiens.

Un comité scientifique coordonné par Thierry Claerr, responsable de la bibliothèque des Archives nationales, a conçu l'exposition en partenariat avec l'Association des professeurs d'histoire et de géographie (APHG). Organisée en trois parties chronologiques, l'exposition associe des historiens de chacune des périodes. Ainsi, Emmanuelle Chapron est intervenue sur la transmission de l'histoire dans la France d'Ancien Régime et à l'époque romantique (18e siècle-1848). De leur côté, Christian Amalvi et Jean-Charles Geslot se sont attachés à l'illustration du récit national de la révolution scolaire du 19e siècle à la fin de la Seconde Guerre mondiale. Enfin, Joëlle Alazard a travaillé sur les nouvelles sensibilités scientifiques et pédagogiques, pour une transmission plus égalitaire et européenne, voire mondiale, de l'histoire de France.

Cette exposition propose de revisiter l’oeuvre de Martin Parr à l’aune du désordre généralisé de notre époque, à travers différentes séries réalisées depuis la fin des années 1970 jusqu’à aujourd’hui. Depuis cinquante ans, sans militantisme mais avec constance, aux quatre coins du globe, Martin Parr dresse un portrait saisissant des déséquilibres de la planète et des dérives de nos modes de vie.

« Je crée un divertissement, qui contient un message sérieux si l’on veut bien le lire, mais je ne cherche pas à convaincre qui que ce soit – je montre simplement ce que les gens pensent déjà savoir », disait Martin Parr en 2021. 

À travers ses nombreuses séries, commencées dans les îles britanniques et en Irlande, puis étendues dès les années 1990 aux cinq continents, émergent des thèmes récurrents : les turpitudes et les ravages du tourisme de masse, la domination de la voiture, les dépendances technologiques, la frénésie consumériste, ou encore notre rapport ambivalent au Vivant.

Toujours avec son regard singulier, et décalé Parr aborde indirectement plusieurs causes majeures identifiées des bouleversements climatiques de l’Anthropocène : usage effréné des transports, consommation d’énergies fossiles, surconsommation globale, dégâts environnementaux. Cet oeuvre, en apparence plaisant, se révèle, avec le temps et l’évolution des mentalités, peut-être plus grave qu’il n’y paraissait initialement. Avec le recul, son ironie mordante semble l’inscrire dans une certaine tradition satirique britannique : un humour incisif, une moquerie douceamère, au service d’un regard critique, indirect mais profond.

En quelque 180 oeuvres traversant plus de cinquante ans de production, de ses débuts en noir et blanc à des oeuvres récentes, l’exposition aborde, en 5 sections, nos turpitudes contemporaines, à travers des thèmes, des motifs, des obsessions récurrentes.

« Le contemporain est celui qui fixe le regard sur son temps pour en percevoir non les lumières, mais l’obscurité. Tous les temps sont obscurs pour ceux qui en éprouvent la contemporanéité. Le contemporain est donc celui qui sait voir cette obscurité, qui est en mesure d’écrire en trempant la plume dans les ténèbres du présent ». 

Mais que signifie « voir les ténèbres », « percevoir l’obscurité », s’interroge le philosophe italien Giorgio Agamben ? À la Bourse de Commerce, l’exposition « Clair-obscur » explore cette réflexion à partir d’œuvres d’artistes de la Collection Pinault qui, de l’art moderne à aujourd’hui, se sont détournés des scintillements factices du monde pour en sonder les zones d’ombre qui se conjuguent parfois aux éclats de lumière et viennent ainsi éclairer le temps présent. 

Le musée se métamorphose en un paysage luministe et crépusculaire, où les œuvres souvent immersives se dévoilent dans un jeu d’ombres et de lumières. « Clair-obscur » emprunte ainsi son titre aux contrastes du fameux chiaroscuro, qui s’invite dans la peinture depuis le 16e siècle, dans le maniérisme et l’âge baroque, à l’image de l’œuvre du Caravage qui en intensifie l’usage, plongeant le monde terrestre dans l’obscurité, alors que des rayons de lumière accentuent la tension dramatique et les enjeux spirituels sous-jacents à l’œuvre. Son influence se fait sentir dans l’œuvre de Victor Man dont un ensemble d’œuvres sera présenté et la poétique de Bill Viola, dont deux pièces majeures appartenant à la Collection Pinault seront exposées, qui s’inspire des maîtres anciens pour faire advenir des corps émergeant de l’ombre dans une temporalité ralentie. 

Dans l’exposition, la peinture et l’art tout entier n’auront alors de cesse de conjuguer l’ombre et la lumière. Le clair-obscur n’est donc pas seulement une technique picturale du passé: il est un langage visuel qui traverse les siècles et se renouvelle sans cesse, révélant toute la part d’obscurité de l’homme et du monde. Il donne sa tonalité à tout un pan de la création, un ressort narratif, un principe philosophique. Il exprime à la fois la matérialité de la lumière et les zones d’ombre de l’inconscient, transformant notre rapport au visible et à l’invisible. Dans la Rotonde, sous le dôme zénithal du musée, le chef-d’œuvre de Pierre Huyghe, Camata (2024), s’ancre, après sa présentation dans l’exposition « Liminal » à la Punta della Dogana à Venise, dans cette scène circulaire qui se meut alors en amphithéâtre hors du temps. Ici se déploie le rituel métaphysique filmé par l’artiste dans l’immensité du désert d’Atacama au Chili. 

En parallèle, les vingt-quatre vitrines du Passage de la Bourse de Commerce, accueillent une carte blanche à Laura Lamiel qui expose un corpus d’œuvres spécifiquement imaginées pour cette présentation. Ses installations où la couleur et la lumière jouent un rôle essentiel, s’inspirent autant de la psychanalyse que de la cosmologie spirituelle et s’appuient sur un répertoire de formes sensibles constituées d’objets trouvés, de collections et de certaines taxonomies de matériaux qui contrastent avec les surfaces immaculées de l’acier qu’elle éclaire avec des tubes fluorescents.

Commissariat: Emma Lavigne, directrice et conservatrice générale de la Collection Pinault