Une oeuvre maintes fois rééditée

De l’édition originale en 1801 à la version définitive en 1805, Atala est imprimé douze fois, traduit, contrefait et parodié. Il est aussi critiqué et attaqué ; Chateaubriand explique dans ses Mémoires d’outre-tombe : « Atala tombant au milieu de la littérature de l’Empire, de cette école classique, vieille rajeunie dont la seule vue inspirait l’ennui, était une sorte de production d’un genre inconnu. On ne savait si l’on devait la classer parmi les monstruosités ou parmi les beautés […] Le vieux siècle la repoussa, le nouveau l’accueillit. »

  Un fonds incomparable autour d’Atala et de l’œuvre de Chateaubriand

Contribuant à la popularité du roman, tous les arts — beaux-arts, arts décoratifs, poésie, théâtre, musique, arts populaires — s’inspirent des héros et de leurs aventures. Les fabricants de « produits dérivés » s’emparent de l’imagerie des Indiens d’Amérique vus par les Européens. L’engouement est tel qu’on assiste à une extraordinaire « atalamania ».

Le Domaine départemental de la Vallée-aux-Loups – Maison de Chateaubriand conserve la collection publique la plus riche au monde autour de la figure d’Atala, avec 330 pièces. Ainsi, 90 % des œuvres sont issues des collections de la Maison de Chateaubriand, et sont complétées par des prêts du musée du Louvre, du musée national Jean-Jacques Henner, du musée Carnavalet – Histoire de Paris, du musée de la Toile de Jouy à Jouy-en-Josas, et du musée du Nouveau Monde à La Rochelle. Les acquisitions récentes du Domaine sont exposées de manière inédite.

Un voyage à travers l'histoire des grands magasins

Les grands magasins reflètent les évolutions de nos sociétés à travers leurs architectures éblouissantes. Leur âge d’or se situe entre 1850 et 1930 parallèlement à l’essor des transports et de l’industrie. A cette époque, ils révolutionnent les modes de consommation tout en inventant une organisation sociale nouvelle, souvent comparée à une ruche, avec une multitude d’employés sous la supervision d’un fondateur charismatique.

Entre 1930 à 1980, les grands magasins font face à l'émergence des supermarchés et hypermarchés. Pour survivre, ils deviennent des "machines à vendre", avec des stratégies marketing et une rationalisation des espaces. Ils maintiennent leur influence en proposant un art de vivre et en participant à la révolution du prêt-à-porter.

À partir des années 1980, les crises économiques et la concurrence des grandes surfaces entraînent une remise en question des grands magasins. Certains ferment tandis que d'autres renouent avec leur identité architecturale. De nos jours, le commerce en ligne pousse les grands magasins à se réinventer sans cesse, en offrant des expériences uniques et des services toujours plus nombreux.

En croisant plusieurs disciplines scientifiques (anthropologie, archéologie, démographie, génétique, sociologie, linguistique…), cette exposition de 600 m² propose de prendre un peu de recul pour déconstruire les idées reçues associées aux migrations. Elle vous donne toutes les clefs pour comprendre la manière dont se forgent ces lieux communs.
Comment les migrations ont-elles évolué ? Qu’est-ce qui a changé par rapport au siècle dernier ? Quelles sont les principales trajectoires aujourd’hui ? Combien de personnes vivent en dehors de leur pays de naissance ? Comment comprendre les données souvent complexes ?
À travers une scénographie dynamique et de multiples dispositifs interactifs, faites la connaissance de quelques notions attachées à cette thématique. Les témoignages de personnes en migration vous dévoilent une grande variété de profils, de causes et de trajectoires. À travers des objets chargés d’une histoire intime et des œuvres d’art, dont la plupart ont été réalisées par des artistes en migration, découvrez autant de regards personnels sur cette expérience de vie particulière.
Le mouvement faisant partie intégrante de notre héritage en tant qu’espèce humaine, l’exposition remonte le temps, à la découverte des migrations et des métissages à la préhistoire.
Au sein d’un monde en perpétuel mouvement, les humains ne se déplacent jamais seuls, mais toujours avec un environnement : d’autres animaux, végétaux, micro-organismes, mais aussi une langue, une cuisine et toute une culture ! Autant d’éléments qui voyagent, se rencontrent et se mélangent. Nous héritons de milliers d’années de migration et cela se perçoit à travers nos sociétés actuelles qui sont riches de cette diversité.
Que serait un monde sans mouvement ? Et si nous devions migrer demain, quels moyens seraient à notre disposition ? Posant un regard contemporain sur les migrations et leurs transformations récentes, l’exposition invite à la réflexion.

L’exposition débute par l’histoire mouvementée des ours et des êtres humains, des premières cohabitations dans les cavernes préhistoriques jusqu’aux montreurs d’ours qui ont contribué à décimer l’espèce. Elle se poursuit avec les cultes ursins antiques et leur destruction par l’Église catholique, qui réduisent l’ancienne idole païenne en animal gourmand et paresseux, voire démoniaque.

Les 400 ours en peluche, issus des collections du musée, racontent la naissance de ce jouet en 1920 en Allemagne et aux États-Unis, ainsi que ses transformations et ses succès. Depuis les premiers exemplaires en mohair et paille de bois, lourds et rigides, l’ours en peluche s’est assoupli et adouci. Il s’est paré de couleur vives ou pastels, afin de pouvoir se transformer en doudou. Il règne enfin sur toute une ménagerie d’animaux en peluche, mais aussi sur la fiction pour enfants, grâce à Winnie l’ourson, Michka ou Paddington.

Aujourd’hui, alors que les enfants abandonnent leurs jouets de plus en plus jeunes, l’ours en peluche résiste grâce à sa charge symbolique, aux artistes qui s’en inspirent, et aux adultes qui les gardent dans leur vie. Rester proche des compagnons de son enfance n’est plus une marque de puérilité, mais permet de cultiver la part d’enfance qui est en soi, et de laisser plus facilement parler sa spontanéité et sa créativité.

Loin du demi-dieu féroce qu’il a pu être l’ours est devenu, surtout dans sa version polaire, le symbole des changements climatiques et d’une nature en danger. Les différentes actions menées pour sauver l’espèce, et les débats qu’elles suscitent, montrent que l’ours n’a jamais été, et ne sera jamais, un animal comme les autres.

Le musée de l’Air et de l’Espace révèle les secrets du vol avec Flight. L’exposition s’intéresse à la diversité des créatures volantes (avions, hélicoptères, drones, oiseaux, chauves-souris, insectes et même poissons !) sous le prisme de leur incroyable faculté à s’élever dans les airs. À la lumière des principes scientifiques, biologiques et technologiques qui régissent le phénomène du vol, elle met en évidence les points communs, mais aussi les différences, entre le monde animal et l’aéronautique. Les rapports de proximité, les similitudes et les différences sont analysés et peuvent directement être expérimentés par le jeune public grâce aux dispositifs et manipulations mis à disposition dans le parcours.Conçue en partenariat avec l’Institut royal des Sciences naturelles de Bruxelles en Belgique, l’Universum® de Brême en Allemagne et le Parque de las Ciencias de Grenade en Espagne, Flight marque la première halte de son itinérance au Bourget. En plus du propos commun, le musée de l’Air et de l’Espace présente une sélection de pièces issues de ses collections patrimoniales pour mieux comprendre la mécanique du vol : moteurs, hélices, instruments de vol… mais aussi des objets témoins des plus récentes innovations en matière d’aviation.

L’exposition met en lumière cette figure exceptionnelle et souligne son rôle précurseur, souvent sous-estimé, dans la naissance de la modernité artistique. Elle révèle la grande liberté de Suzanne Valadon qui n’adhère véritablement à aucun courant, si ce n’est peut-être le sien. Le parcours de près de deux cents œuvres s’appuie sur la richesse des collections nationales notamment celle du Centre Pompidou, la plus importante, mais aussi du musée d’Orsay et de l’Orangerie.
Des prêts exceptionnels du Metropolitan Museum of Modern Art de New York ou encore de la Fondation de l’Hermitage et d’importantes collections privées le complètent. Il se concentre sur les deux médiums de prédilection de l’artiste, le dessin et la peinture. Particulièrement mise à l’honneur dans l’exposition du Centre Pompidou, son œuvre graphique fait l’objet d’une analyse approfondie, grâce à la présentation d’un grand nombre de dessins jusqu’alors rarement montrés. C’est également l’occasion d’explorer un moment artistique au cœur de la transition des collections du musée d’Orsay et du Musée national d’art moderne. 

L’exposition « Suzanne Valadon » retrace cet itinéraire unique, depuis ses débuts de modèle favorite du tout-Montmartre, jusqu’à sa reconnaissance artistique, intervenue très tôt, par ses pairs et la critique. Véritable « passeuse » d’un siècle à l’autre, Suzanne Valadon embrasse la ferveur parisienne du tournant-de-siècle, ses cafés, bals musettes et cabarets et ses multiples révolutions artistiques, intellectuelles et sociétales. Elle met en évidence le caractère résolument moderne de l’œuvre de Valadon, première femme à peindre en grand format un nu masculin de face. Cette plongée inédite dans son œuvre dévoile aussi bien ses relations amicales et artistiques avec les peintres de la bohème que son influence incontestable sur la scène artistique parisienne grâce au soutien actif de ses amis artistes et galeristes.

Cette exposition souligne l’étendue, la richesse et la complexité de son œuvre en s’articulant autour de cinq sections thématiques : Apprendre par l’observation, Portraits de famille, « Je peins les gens pour apprendre à les connaître », « La vraie théorie, c’est la nature qui l’impose », Le nu : un regard féminin. Une sélection d’œuvres de ses contemporaines, aux préoccupations picturales proches des siennes, comme Juliette Roche, Georgette Agutte, Jacqueline Marval, Émilie Charmy ou Hélène Delasalle complète cette proposition.

Le fonds d’archives exceptionnel légué en 1974 au Centre Pompidou par le docteur Robert Le Masle, médecin, collectionneur et ami proche de l’artiste, rassemblant de nombreuses photographies, des manuscrits et des documents aujourd’hui conservés à la Bibliothèque Kandinsky, constitue un témoignage essentiel de la personnalité frondeuse de Valadon et de sa reconnaissance artistique précoce. 

Après les expositions consacrées à Alice Neel, Georgia O’Keeffe, Dora Maar ou Germaine Richier, cette monographie s’inscrit dans le cadre de la démarche engagée du Centre Pompidou pour approfondir l’étude et la connaissance du travail et de l’œuvre d’artistes femmes, et accroître la part de leurs œuvres dans la collection.

Les deux tableaux, dont la restauration s’est achevée en 2024, constituent le point de départ de cette exposition qui, en réunissant une quarantaine d’œuvres, ambitionne de mettre en lumière l’extraordinaire richesse et la nouveauté incontestable de l’art de Cimabue. L’artiste fut l’un des premiers à ouvrir la voie du naturalisme dans la peinture occidentale, en cherchant à représenter le monde, les objets et les corps tels qu’ils existent. Avec lui, les conventions de représentation héritées de l’art oriental, si prisées jusqu’alors, cèdent la place à une peinture inventive, cherchant à suggérer un espace tridimensionnel, des corps en volumes et modelés par de subtils dégradés, des membres articulés, des gestes naturels et des émotions humaines.

Après une section introductive consacrée au contexte de la peinture en Toscane, en particulier à Pise au milieu du 13e siècle, le parcours s’attarde sur la Maestà du Louvre : les nouveautés qui se manifestent dans ce tableau ont conduit certains historiens de l’art à le qualifier d’« acte de naissance de la peinture occidentale ». La restauration a permis, en plus de retrouver la variété et la subtilité des coloris, de redécouvrir de nombreux détails masqués par des repeints qui mettent en évidence la fascination de Cimabue et de ses commanditaires pour l’Orient, à la fois byzantin et islamique.

Est ensuite abordée la question cruciale des rapports entre Duccio et Cimabue. Le parcours se poursuit avec une section construite autour du diptyque de Cimabue, dont le Louvre réunit pour la première fois les trois seuls panneaux connus à ce jour. La verve narrative et la liberté déployées par Cimabue dans cette oeuvre aux coloris chatoyants en font un précédent important et insoupçonné jusqu’alors de la Maestà de Duccio, chef-d’oeuvre de la peinture siennoise du Trecento.

L’exposition se conclut par la présentation du grand Saint François d’Assise recevant les stigmates de Giotto, destiné au même emplacement que la Maestà du Louvre, le tramezzo (la cloison qui sépare la nef du choeur) de San Francesco de Pise, et peint quelques années après par le jeune et talentueux disciple de Cimabue. À l’aube du 14e siècle, Duccio et Giotto, tous deux profondément marqués par l’art du grand Cimabue qui s’éteint en 1302, incarnent désormais les voies du renouveau de la peinture.

Face à l'immensité encyclopédique du Louvre, la méthode ici proposée est de poser ce sujet multiple à l'aune de l'histoire des styles décoratifs, des métiers d'art et de l'ornement, au fil des galeries et des salles du département des Objets d'art. La présence textile y est fondamentale, mais davantage tournée vers les décors et les tapisseries que vers le vêtement même.

Sur près de 9 000 mètres carré, c'est ainsi 65 silhouettes contemporaines, accompagnées d'une trentaine d'accessoires, qui sont déployées en un dialogue étroit, inédit, historique et poétique avec les chefs-d'oeuvre du département, de Byzance au second empire. Autant de prêts remarquables, accordés par les maisons les plus emblématiques, des plus anciennes aux plus récentes, de Paris et d'ailleurs.

Il ne s'agit pas ici de parsemer de pièces de mode le département des Objets d'art, mais de susciter ou de souligner des rapprochements avérés, ses collections ayant parfois été modelées par la générosité d'hommes et femmes de la mode, de Jacques Doucet à Madame Carven. Au regard de l'histoire de l'art et de la mode, les complicités sont innombrables, elles épousent souvent des méthodes communes, la connaissance des techniques les plus anciennes, la culture visuelle, le jeu subtil des références, du catalogue raisonné du musée au moodboard de la mode. Une autre manière de regarder les objets d'art au prisme du regard des créateurs contemporains.

Du Moyen Âge à notre époque, l’exposition traverse cet imaginaire en montrant certains des plus prestigieux manuscrits de l’Apocalypse de Jean, des fragments rarement présentés de la célèbre tenture de tapisseries d’Angers, ou la fameuse suite de gravures de Dürer consacrées au texte, mais aussi de nombreux chefs-d’œuvre, tableaux, sculptures, photographies, installations, livres rares, extraits de films, venant des collections de la Bibliothèque comme des plus grandes collections françaises et européennes, publiques et privées (Centre Pompidou, musée d’Orsay, British Museum, Victoria and Albert Museum, etc.).

Parmi ces quelque 300 pièces, des œuvres de William Blake, Odilon Redon, Vassily Kandinsky, Ludwig Meidner, Natalia Gontcharova, Otto Dix, Antonin Artaud, Unica Zürn, jusqu’à Kiki Smith, Tacita Dean, Miriam Cahn et Anne Imhof.

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Sur le fil de l’histoire du wax
Le wax est inspiré du batik - tissu d’origine indonésienne teint grâce à une technique de réserve à la cire. Industrialisé par les Européens, il a rencontré le succès en Afrique de l’Ouest, puis s’est diffusé sur le continent, se taillant une place de choix dans la galaxie des textiles africains. De fil en aiguille, l’exposition retrace l’histoire du wax, révélant ainsi un textile à l’identité hybride.

Elle fait également la lumière sur le rôle prépondérant des femmes dans la diffusion et la popularité de ce tissu en revenant, par exemple, sur la saga des Nana Benz. Premières commerçantes distributrices de wax sur les marchés du Togo, elles ont fait fortune de ce commerce lucratif dans les années 1960.

Si le wax est devenu l’objet d’un enjeu commercial et industriel à l’échelle internationale, il n’en demeure pas moins un textile à forte connotation affective puisqu’il accompagne les individus dans les grands moments de leur vie, et ce sur plusieurs générations.

Un tissu-étendard : porter un message avec du wax

Au-delà des tendances, le wax peut permettre à celui ou celle qui le porte de faire passer un message, montrer son appartenance à une communauté religieuse, son engagement politique ou une cause qui lui tient à cœur.

Pour certains africains de la diaspora et afro-descendants, c’est un véritable emblème, l’expression d’une identification à un héritage et une identité partagée. D’autres, en revanche, le contestent, estimant qu’il éclipse les tissus traditionnels et renvoie en réalité à un imaginaire de l’Afrique stéréotypé.

En présentant une diversité d’objets historiques comme manufacturés, en décryptant la richesse iconographique de nombreux textiles, en donnant à voir la résonance de son histoire et de ses identités au travers d’œuvres d’art contemporain et de pièces provenant du monde de la mode, l’exposition montre le wax comme source inépuisable de création. Elle donne ainsi la parole aux artistes et témoigne de la pluralité des regards portés sur ce tissu, qu’ils soient amusés, décalés ou interrogateurs.

Chaque génération de calligraphes, depuis les premières normes instaurées au IXe siècle, a promu une innovation faisant évoluer les styles. Depuis les années 1960, de nombreux plasticiens du monde arabe ont exploré le patrimoine de la calligraphie classique, donnant naissance au mouvement de la hurufiyya, s’affranchissant de la littéralité de l’écrit et manipulant le dessin des lettres à la recherche d’un langage visuel panarabe.

Aujourd’hui, les calligraphes investissent les nouveaux médias, rendant poreuse la frontière avec le design et les arts plastiques. Le geste calligraphique laisse également, depuis la fin du siècle dernier, son empreinte sur les murs des villes, devenus les supports du street-art.

Baheb - I Love , l’hommage à la calligraphie de Marie Khouri

À découvrir dans le cadre de l’exposition : I Love, œuvre de la sculptrice Marie Khouri. Née en Égypte et élevée au Liban, Marie Khouri est une sculptrice basée à Vancouver dont les œuvres s’enracinent profondément dans un riche tissu d’influences culturelles et historiques. 

Les sculptures de Marie Khouri se situent à l’intersection de l’art et du design. Inspirées par la technique de taille directe de Henry Moore, elles explorent l’interaction entre le langage, la forme et le corps humain, tout en reflétant son lien personnel avec les histoires complexes du Moyen-Orient. Son art devient un pont entre son héritage et sa perspective, véhiculant des thèmes universels d’identité, de mémoire et de dialogue. L’une de ses œuvres les plus célébrées, Let’s Sit and Talk, incarne cette philosophie : sculptée à la main dans une calligraphie arabe, c’est à la fois une œuvre d’art et un agencement fonctionnel de sièges.

Dans le prolongement de ce concept, l’installation I Love développe les thèmes du dialogue culturel et de l’unité. Composée de cinq formes curvilignes blanches sculptées à la main, cette œuvre transforme l’expression arabe Baheb (« J’aime ») en une expérience physique et conceptuelle. Après avoir été montrée à Vancouver puis au Caire, au pied des pyramides, elle poursuit son voyage à Paris, au musée de l’Institut du monde arabe.

Cette première vague de l'abstraction sera représentée dans l’exposition par deux artistes qui ont posé certains des jalons fondateurs de cette aventure picturale : Ivan Pougny, qui participa à l’exposition « 0.10» (et à qui l’on attribue la réalisation de l’affiche), et Vassily Kandinsky. Le premier avec une composition suprématiste de 1916, le second avec une huile de 1928 et une encre de 1930. 
La seconde vague de l’abstraction présentée dans cette exposition – et qui a marqué l’histoire de la galerie en pointillé – est celle de la Seconde École de Paris. Poliakoff, Gilioli et Doucet ont été des habitués des cimaises de la rue Jacob : le premier y tint sa première grande exposition en 1951, le second en 1962 et le troisième en 1960 (la galerie représente la succession de Doucet depuis 2019). Quant à Hantaï, Reigl, Degottex et Bergman, dont les œuvres ne sont venues entrer en harmonie avec les murs d’Auguste Perret que récemment, elles invitent le spectateur à explorer des horizons différents : du minimalisme sensible au formalisme spirituel, en passant par une gestuelle à la signification primordiale. 
Pierre et Alexandre Lorquin, directeurs de la galerie, précisent ainsi leur intention derrière cette exposition : « À une époque où les grands récits modernistes de l’histoire de l’art sont revisités, la Galerie Dina Vierny propose d'explorer la grande diversité des expérimentations plastiques de l’abstraction et de les mettre en dialogue, afin que l’expression des uns puisse éclairer celle des autres. Ce n’est pas le particularisme de chaque grand courant dans lequel ces artistes ont parfois été trop confinés que l’exposition souhaite mettre en avant, mais plutôt l’une des quêtes communes que tous ont partagé : celle de l’absolu. »

Grâce à la générosité de sa veuve, Silvia Baron Supervielle, vingt-cinq carnets de Geneviève Asse ont rejoint le département des Estampes et de la photographie, où était déjà conservée la quasi-totalité de son œuvre gravé. 

Née en 1923 à Vannes, décédée en 2021 à Paris, Geneviève Asse commence à pratiquer la gravure en parallèle à la peinture à partir de 1954. Elle crée, dès les années 1960, des livres en dialogue notamment avec le poète et éditeur Pierre Lecuire, puis avec les écrivains Yves Bonnefoy, Samuel Beckett et Silvia Baron Supervielle. À la jonction de la peinture, du dessin, de la gravure et du travail sur le livre illustré, les carnets de Geneviève Asse constituent une part très intime de sa production.

Les carnets qui font l’objet de la donation ont pour la plupart été réalisés entre le début des années 1980 et la fin des années 2000, à l’exception de l’un d’entre eux, La Ligne bleue, peint en 1971. Geneviève Asse, qui choisit avec soin les dimensions et la forme de ses châssis pour peindre sur la toile, explore aussi les multiples possibilités structurelles du carnet : simples codex reliés pleine toile de la maison Sennelier, leporellos aux couvertures de brocart, cahiers de calligraphie chinoise et toutes sortes de livrets de fabrication traditionnelle. Chacun d’entre eux se révèle être un espace d’explorations techniques, rythmiques et chromatiques, dont les pages créent, les unes à la suite des autres, des partitions uniques. Portant parfois la mention « huiles sur papier », elles sont directement liées à sa recherche picturale et, prises indépendamment, offrent des rapprochements saisissants avec ses toiles. En 2002, à l’occasion de l’exposition de son œuvre imprimé à la BnF (Geneviève Asse. La pointe de l’œil), l’artiste les évoquait ainsi :

Ce sont de petits livres de poche peints, sans texte, sur des papiers de toutes sortes. C’est une autre écriture : un langage de couleur et d’espace. J’y peins des verticales et des horizontales. J’écris alors sans inciser. Ce sont des notes, jour après jour, des éventails qui s’ouvrent. J’utilise de l’encre de Chine, sur ces carnets, ou des crayons de couleur, des sanguines. 

Les vingt-cinq carnets donnés à la BnF dévoilent, dans leur extraordinaire diversité, les arcanes de la création de Geneviève Asse. Ils entrent ici en résonance avec une sélection de ses livres et de ses estampes issue des collections de la BnF. Des œuvres qui ont en partage un répertoire, une quête, une préoccupation, celle de peindre l’espace et la vibration de la lumière, celle de dévoiler et faire disparaître tour à tour, sous la matière, des « architectures secrètes ».

Entre les pages ou sur la feuille, on retrouve aussi la domination du bleu, ou plutôt des bleus, si caractéristiques de son œuvre depuis les années 1970, que viennent ici « embraser » d’autres couleurs, plus inattendues : rose saumon, orange ou rouge. Le vocabulaire de l’abstraction, progressivement mis en place dans sa peinture à partir des années 1950 après une décennie consacrée à la peinture de nature morte, n’éloigne jamais Geneviève Asse de la nature, des objets et des formes qui sont identifiables au fil des pages : éventails, feuilles d’arbre et bateaux…

Ces motifs rappellent aussi le lieu privilégié de création de ces œuvres : l’intimité de la maison de l’Île-aux-Moines, acquise en 1988 par l’artiste, à quelques encablures de son berceau familial, dans le golfe du Morbihan.

L’exposition souligne la persistance de la liberté d’action et de création, incarnée par l’esprit des Lumières, dans les territoires ralliés. Un « certain esprit français », défendu aussi par des artistes étrangers soutenant ces valeurs, comme le sculpteur et peintre américain Alexander Calder.

La scénographie plongera le visiteur à partager les destins, les émotions, les luttes et les espoirs notamment à travers la reconstitution de deux lieux emblématiques de la France aux États-Unis : l’atelier New-yorkais du sculpteur Ossip Zadkine – exilé dès 1941 – véritable sanctuaire de créativité et de résistance, ainsi que la célèbre librairie new-yorkaise Gotham Books, à l’atmosphère vibrante où l’esprit français s’épanouissait en pleine guerre.

Cette exposition s’inscrit dans le cadre des commémorations nationales des 80 ans de la Libération.

L’exposition Lieux sacrés invite à découvrir comment s’incarne aujourd’hui le sacré dans le Grand Paris et dans toute sa diversité à travers des regards pluriels, entre histoire, géographie et sociologie. Lieux religieux et non religieux, lieux de mémoire, sacré dans la nature : l’exposition explore les formes multiples que revêt aujourd’hui le sacré.

Alors que les années 80-90 présageaient une nouvelle ère pour les villes hors du religieux et des sacralités civiques, le sacré semble continuer à faire de la ville sa demeure et résisterait mieux que d’autres types d’espaces, quand bien même il serait l’objet de tensions contradictoires.

La cité reste un creuset de nouvelles formes de sacralités. Le sacré comme fonction urbaine continue à marquer profondément les identités de la métropole parisienne globalisée, suivant des modalités qui entrent à la fois en continuité et en rupture avec les héritages des siècles passés. Des dizaines de chantiers d’édifices sacrés, religieux ou mémoriels, de restauration ou de construction, sont ouverts, surtout dans les périphéries de la métropole qui affichent, par leur dynamisme en la matière, une forme de rééquilibrage, face à la densité patrimoniale du sacré dans le centre urbain.

En parcourant une frise de documents historiques, de photographies contemporaines, de plans d’architectures et de dessins originaux grands formats, l’exposition Lieux sacrés - Bâtir, Célébrer, Coexister rappelle que le sacré, religieux et non religieux, façonne les quartiers et les parcours de l’Antiquité à nos jours. Il impulse des rites collectifs au sein de la ville, donne du sens aux actions individuelles et collectives et marque les lieux et les temps de la cité.

Le département des Antiquités orientales accueille dix oeuvres majeures du Department of Ancient Near Eastern Art du Metropolitan Museum of Art (The Met) de New York, actuellement fermé pour des travaux de rénovation globale. Le Louvre a ainsi pu concevoir avec le Met un dialogue inédit entre ces deux collections qui prendra place au sein des salles permanentes d’antiquités orientales. Datées entre la fin du IV^ème millénaire avant J.-C. et le 5^ème siècle de notre ère, les oeuvres du Met, invitées exceptionnelles, introduisent des correspondances remarquables avec les collections du Louvre, soit qu’elles forment ensemble une paire réunie pour la première fois à cette occasion, soit qu’elles se complètent du fait des spécificités liées à l’histoire de chacune des deux collections. De l’Asie centrale à la Syrie en passant souvent par l’Iran et la Mésopotamie, ces dialogues de collections permettent de (re)découvrir autrement ces oeuvres plurimillénaires et les histoires dont elles témoignent.

Miracle sur la Loire

Le 10 mai 1429 arrive à Paris une nouvelle stupéfiante. Les Anglais, qui assiégeaient la ville d'Orléans depuis près de six mois et paraissaient sur le point de s'en emparer, ont été mis en déroute par une « pucelle portant bannière ». Ce coup de théâtre est loin de ravir les Parisiens, qui tenaient depuis longtemps le parti du duc de Bourgogne, allié aux Anglais. Depuis 1422, ils reconnaissent pour roi légitime Henri VI de Lancastre, roi de France et roi d'Angleterre, et vouent une haine tenace à Charles VII, réfugié au sud de la Loire, dans ce qu'on appelle alors, par dérision, le « royaume de Bourges ».

Une administration française au service d'un roi anglais
Le régime franco-anglais, dit de « double monarchie », n'était pas rare dans l'Europe d'alors, chaque royaume conservant ses institutions, sa langue et ses coutumes. La principale juridiction du royaume était le Parlement de Paris, qui recevait les appels des sentences rendues par les tribunaux subordonnés dans les pays ayant fait allégeance à Henri VI, soit toute la moitié nord de la France.
Clément de Fauquembergue y occupe les fonctions de greffier civil. À ce titre, il est chargé de tenir le Registre du conseil, une sorte de journal officiel des arrêts prononcés par le Parlement, des ordonnances royales qui y étaient publiées et enregistrées, mais aussi de l'actualité politique générale. À la date du 10 mai 1429, il mentionne en quelques lignes la levée du siège d'Orléans, dont il minimise la portée. En marge, comme cela se faisait parfois, mais seulement pour les nouvelles les plus retentissantes, il dessine un portrait imaginaire de Jeanne d'Arc.
Pucelle, prostituée, ou amazone ?
Le portrait imaginaire de Jeanne d'Arc intrigue depuis longtemps les historiens. Sans doute, les intentions de son auteur, ne sont pas favorables à l'héroïne lorraine. Elle est figurée cheveux longs et dénoués, avec une poitrine opulente, en robe, ayant une très forte épée à sa gauche et tenant, à sa droite, son célèbre étendard.
La signification de tous ces attributs est ambiguë. Elle reflète sans doute le trouble du greffier. Les cheveux libres notamment peuvent évoquer la jeune femme avant le mariage, mais aussi la jeunesse désordonnée ou, encore, conjointement avec l'épée et la robe longue, la figure de l'amazone, seul modèle offert par la culture savante du temps pour rendre compte de l'inimaginable : une femme, qui plus est simple paysanne, équipée et armée comme un homme, conduisant à l'assaut les gens de guerre du roi.

« Dans les courbes matricielles de la Bourse de Commerce, en un écho à la ronde des corps habitant le vaste panorama peint ceinturant le dôme de verre du bâtiment, l’exposition “Corps et âmes“ sonde, à travers les œuvres d’une quarantaine d’artistes de la Collection Pinault, la prégnance du corps dans la pensée contemporaine. Libéré de tout carcan mimétique, le corps qu’il soit photographié, dessiné, sculpté, filmé ou peint ne cesse de se réinventer, conférant à l’art une organicité essentielle lui permettant, tel un cordon ombilical, de prendre le pouls du corps et de l’âme humaine.

L’art se saisit des énergies, des flux vitaux de la pensée et de la vie intérieure, pour inviter à une expérience engagée et humaniste de l’altérité. Les formes se métamorphosent, renouent avec la figuration ou s’en affranchissent pour se saisir, retenir et laisser affleurer l’âme et la conscience. Il s’agit non plus d’incarner des formes mais de capturer des forces et de rendre visible ce qui est enfoui, invisible, d’éclairer les ombres. Dans la Rotonde, l’œuvre d’Arthur Jafa Love is the Message, the Message is Death transforme l’espace en une caisse de résonance de la musique et de l’engagement des icônes africaines-américaines, Martin Luther King Jr, Jimi Hendrix, Barack Obama, Beyoncé, leur conférant une portée universelle.

En résonance avec l’exposition, une riche programmation musicale fait de “Corps et âmes“ un événement polyphonique. » Emma Lavigne, directrice générale de la Collection, conservatrice générale.

Rassemblant près de 250 documents d’archives, photographies, extraits de films et une soixantaine d’œuvres d’art – de Jacques-Émile Blanche, Gustave Caillebotte, Eugène Carrière, Émile Gallé, Maximilien Luce, Camille Pissarro, Félix Vallotton ou Édouard Vuillard –, l’exposition raconte l’Affaire « avec » Dreyfus, en le replaçant au centre du propos. Cette approche nouvelle corrige l’image d’un Dreyfus effacé. Elle révèle un inlassable combattant de la vérité, auteur de multiples écrits, dont de nombreux inédits récemment sortis de l'oubli.

Alfred Dreyfus naît en 1859 dans une famille alsacienne marquée par la défaite de 1871 et l’annexion de l’Alsace-Moselle. Fervent patriote, polytechnicien, il mène une brillante carrière militaire qui sera brisée en 1894 : injustement accusé de haute trahison au profit de l’Allemagne, il est condamné par un conseil de guerre, dégradé et déporté en Guyane.

L’exposition démonte la machination ourdie par l’état-major et illustre le virulent antisémitisme qui s’exprime en cette fin de XIX^e siècle. Grâce aux nombreuses œuvres présentées, elle replace l’Affaire dans la « Belle Époque », dont elle éclaire des aspects moins connus : la diversité des réactions juives, la « naissance » des intellectuels et la riposte à l’antisémitisme. L'affaire Dreyfus avait également révélé le rôle de l'Église catholique dans la manipulation de l'opinion publique et des institutions, renforçant ainsi les arguments en faveur de la séparation de l'Église et de l'État en 1905. Quant à Alfred Dreyfus, gracié en 1899, il est réhabilité en 1906, mais ne sera pas réintégré au grade auquel il aurait légitimement pu prétendre.

Cent-trente ans après son déclenchement, l’exposition permet d’appréhender l’actualité persistante de l’Affaire, dans un contexte de regain de l’antisémitisme, alors que l’innocence d’Alfred Dreyfus fait encore l’objet de polémiques complotistes.

Cette exposition, qui a reçu le soutien exceptionnel du musée d’Orsay, s’appuie sur le riche fonds Dreyfus du mahJ, sur des prêts d’institutions – Archives nationales, Bibliothèque nationale de France, musées de l’Armée, du Barreau de Paris, Carnavalet, de l’École de Nancy, Maison Zola-Musée Dreyfus à Medan – ainsi que de collections particulières.

Commissariat : Isabelle Cahn, conservatrice générale honoraire des peintures au musée d’Orsay et Philippe Oriol, directeur scientifique de la Maison Emile Zola-Musée Dreyfus

« Paris noir » est une plongée vibrante dans un Paris cosmopolite, lieu de résistance et de création, qui a donné naissance à une grande variété de pratiques, allant de la prise de conscience identitaire à la recherche de langages plastiques transculturels. Des abstractions internationales aux abstractions afro-atlantiques, en passant par le surréalisme et la figuration libre, cette traversée historique dévoile l’importance des artistes afro-descendants dans la redéfinition des modernités et postmodernités.

Cinq installations produites spécifiquement pour l’exposition par Valérie John, Nathalie Leroy Fiévee, Jay Ramier et Shuck One, rythment le parcours en portant des regards contemporains sur cette mémoire. Au centre de l’exposition, une matrice circulaire reprend le motif de l’Atlantique noir, océan devenu disque, métonymie de la Caraïbe et du « Tout-Monde », selon la formule du poète martiniquais, Édouard Glissant comme métaphore de l’espace parisien. Attentive aux circulations, aux réseaux comme aux liens d’amitié, l’exposition prend la forme d’une cartographie vivante et souvent inédite de Paris.

De mars à mai 2025, le Collège des Bernardins accueille quinze tapis et tapisseries inspirés de l'œuvre de J. R. R. Tolkien et confectionnés pendant sept ans par les ateliers de la Cité internationale de la Tapisserie. Vous pourrez les admirer dans la nef, l'ancienne sacristie et l'escalier XVIIIème. De plus, des memorabilia de l'auteur britannique (toge universitaire, boîte à cigarettes ou encore premières éditions du Seigneur des Anneaux) viennent compléter l'exposition.

Quatre séries de tapisseries structurent l'exposition, chacune en rapport avec un ouvrage de Tolkien : Les lettres du Père Noël (recueil de lettres écrites par l'auteur pour ses enfants entre 1920 et 1942) ainsi que les ouvrages emblématiques de la Terre du Milieu, Le Hobbit, Le Seigneur des Anneaux et Le Silmarillion.

C'est ainsi que quatorze tapisseries murales ont été réalisées, les deux dernières œuvres étant des tapis : Nùmenórean carpet (non-exposé au Collège des Bernardins) et Middle-earth map.

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L'écoute attentive de ce qui traverse chacun d'entre nous

Les enjeux existentiels abordés par l’auteur et qui se posent à l’humanité comme la recherche du Bien et l’expérience du Mal mais aussi le choix de la confiance, de la fraternité, le courage d’espérer, l’humilité des « petits » rejoignent les questionnements du projet du Collège des Bernardins : l’écoute attentive de ce qui traverse tout homme, « de ses joies, de ses espérances et de ses angoisses ».

Alors que l'exposition met en lumière le travail de dessinateur et d'écrivain de J. R. R. Tolkien, l’intention du Festival des Bernardins est d’offrir à chacun, grâce à sa programmation, une meilleure compréhension du travail de l'écrivain britannique, que ce soit au plan littéraire, linguistique, musical, philosophique ou encore théologique.

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La révolution de la musique

Dès 1789, les révolutionnaires se saisissent de la musique pour fonder un nouvel univers sonore : celui de la République. Le tout jeune État encourage la composition d'hymnes, de chants et de marches à la gloire de la patrie et du nouveau régime : le 27 prairial an II (soit le 15 juin 1794), le Comité de Salut public « appelle les poètes à célébrer les principaux événements de la Révolution française ; à composer des hymnes et des poésies patriotiques ».

Tout un répertoire se forme et se transmet alors, notamment grâce aux fêtes révolutionnaires. La pratique change : la place des instruments à cordes baisse, au profit des cuivres et bois, dont le son porte beaucoup mieux en extérieur. Certaines œuvres comme La Marseillaise ou Le Chant du départ connaissent un succès aussi fulgurant que durable, tandis que d'autres témoignent de l'adaptation de leurs auteurs aux changements politiques.

La réorganisation de la formation musicale

En supprimant les maîtrises religieuses, la Révolution démantèle les principales structures de formation musicale existant sous l'Ancien Régime. L'enseignement est réorganisé progressivement, en partant du sommet : à Paris, la loi du 16 thermidor an III (3 août 1795) fonde le Conservatoire national de musique, qui ouvre ses portes en 1796. Il doit former des artistes pour glorifier les vertus de la République au service des armées, lors des fêtes nationales et dans les théâtres publics.

Au XIX^e siècle, le Conservatoire se concentre sur sa mission formatrice. La mise en place d'un réseau d'écoles publiques contrôlées par l'État commence en 1826, avec la création des premières succursales à Lille et Toulouse. Le réseau est complété par la III^e République avec la naissance des écoles nationales, en 1884.

La musique au service du renforcement de la cohésion nationale

La pratique musicale se démocratise et les méthodes d'apprentissage se multiplient au fur et à mesure que la pédagogie évolue et accompagne les innovations concernant les instruments. À la fin du XIX^e siècle, la jeune et fragile III^e République tente de fonder une cohésion nationale autour du souvenir de 1789. La Marseillaise, chant bien connu hérité de la Révolution, devient hymne national en 1879, et le 14 juillet est décrété jour de fête nationale, en 1880.

Durant la Première Guerre mondiale, la lutte pour l'idéal républicain de liberté se confond avec l'élan patriotique de défense de la nation. À l'arrière, la création musicale est inspirée par la guerre : chants populaires et marches héroïques glorifient le patriotisme des poilus et entretiennent le sentiment national.

Après la victoire du Front populaire en 1936, l'État manifeste la volonté de démocratiser l'accès à la culture. Cela se traduit par le renforcement des structures d'enseignement et de production musicale et de la place de la musique dans l'éducation générale, ainsi que la promotion des activités musicales de loisirs. La musique illustre alors l'émancipation populaire.

Commissariat scientifique :
Marie Ranquet, conservatrice en chef du patrimoine aux Archives nationales
Sophie Lévy, responsable des archives au Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris

Commissariat technique :
Christophe Barret, chargé d'expositions au département de l'Action culturelle et éducative des Archives nationales.

LE TÉMOIN D’UNE HISTOIRE COMPLEXE

Avec l’aide du MAH et le soutien de l’Autorité nationale palestinienne, l’IMA expose une sélection de 130 chefs-d’œuvre de cet ensemble, issu des fouilles franco-palestiniennes commencées en 1995, dont la spectaculaire mosaïque d'Abu Baraqeh, et de la collection privée de Jawdat Khoudery, offerte en 2018 à l’Autorité nationale palestinienne et présentée pour la première fois en France. 

Cette exposition permettra de témoigner d’un pan de l’histoire inconnu du grand public : celui du prestigieux passé de l’enclave palestinienne, reflet d’une histoire ininterrompue depuis l’âge du bronze. Oasis vantée pour sa gloire et sa douceur de vie, convoitée pour sa position stratégique dans les enjeux égypto-perses, terre de cocagne des commerçants caravaniers, port des richesses de l’Orient, de l’Arabie, de l’Afrique et de la Méditerranée, Gaza recèle quantité de sites archéologiques de toutes les époques aujourd’hui en péril. La densité de son histoire est un trésor inestimable, dont l’exposition témoigne de la complexité.

LE PATRIMOINE DANS LA GUERRE

Depuis le début de la guerre Israël-Hamas en octobre 2023, l’Unesco observe, en se basant sur des images satellitaires, des dommages sur 69 sites culturels gazaouis : 10 sites religieux (dont l’église grecque orthodoxe de Saint-Porphyre, détruite le 19 octobre 2024), 43 bâtiments d’intérêt historique et/ou artistique, 7 sites archéologiques, 6 monuments, 2 dépôts de biens culturels mobiliers et 1 musée.

Un espace sera dédié à la cartographie des bombardements, menée par différents groupes de recherches et accompagnée par un recensement des dernières découvertes archéologiques à Gaza, et par des photographies inédites de la ville du début du XX^e siècle issues de la collection de l’École biblique et archéologique française de Jérusalem. Il abordera les questions relatives au patrimoine en temps de guerre, et particulièrement à Gaza où plus des deux tiers du bâti est détruit.

Exposition organisée par l'Institut du monde arabe en partenariat avec le ministère du Tourisme et des Antiquités de Palestine et le musée d'Art et d'Histoire de Genève.

UNE CRÉATION NOUVELLE, RARE ET PERSONNELLE

En partant du réel le plus quotidien, Robert Doisneau nous entraine dans sa vision unique du monde qui l’entoure.

Son regard amusé sur l’enfance. Sa banlieue parisienne qui vire du noir et blanc à la couleur. La visite en toute complicité des ateliers d’artistes peintres et sculpteurs ; son exploration de la mode et du luxe d’après-guerre lors des années Vogue. Autant de thèmes qui dressent – avec une attention qui ne se démentira jamais – le constat social d’un monde sans indulgence dont il se sentit toujours solidaire.

Au cours d’un parcours d’une richesse exceptionnel se dévoilent des objets et documents personnels du photographe, ainsi que des interactifs et audiovisuels. On y découvrira également son œuvre publicitaire, souvent drôle et si peu connue.

Loin d’un Doisneau nostalgique, ses photographies étaient ancrées dans un présent et toujours dirigées vers l’avenir. 

UN MONDE RÉEL OBSERVÉ D’UN REGARD RÊVEUR

L’exposition Robert Doisneau. Instants Donnés offre une véritable rencontre avec le photographe dans son foisonnant univers de travail. Son regard est empreint de ce réalisme poétique par lequel il voit le monde tel qu’il est mais en soulignant le merveilleux. Il se dégage de cette exposition un esprit entre légèreté et gravité ou entre rêve et réalité.

Qu’on y voit le constat d’une réalité mélancolique ou le témoignage d’une irrépressible joie de vivre est lié à notre propre histoire. C’est peut-être à la rencontre de nous-même que nous entrainent ces photographies dont certaines sont devenues universelles … ?

Une exposition conçue par un commissariat collectif associant Tempora et l’Atelier Doisneau conduit par Annette Doisneau et Francine Deroudille, filles du photographe et avec la collaboration du Musée Maillol.