L’exposition met à l’honneur ce fonds pléthorique, instructif et émouvant, à la fois nostalgique des années 1960 et annonciateur de la modernité des Seventies. Elle est une invitation à se plonger dans ces archives visuelles, témoins d’un Paris en partie disparu : des rues où les enfants sautent à l’élastique et jouent librement au gendarme et au voleur, où les vieux se retrouvent sur un banc le temps d’une belote, où l’on rencontre des boulistes dans chaque square et terrain vague. Une ville où règne la voiture sous l’œil vigilant des « contractuels » et sous laquelle un dédale de souterrains accueille les lignes du Métro et du jeune RER. Une ville en chantiers, tout en démolition, construction et restructuration, dans laquelle on s’inquiète de l’expropriation comme du temps d’Haussmann. Une ville enfin où l’information et la politique se lisent dans la presse imprimée, distribuée partout, et sur les murs, couverts d’affiches et de graffitis.

Aux côtés des retirages d’exposition, le public aura accès à l’intégralité des photographies numérisées et pourra ainsi se promener dans les différents quartiers de la capitale. Un dispositif immersif permettra de visualiser une sélection de diapositives dans des conditions comparables à celles pratiquées dans les années 1970.

Entrée libre et gratuite

Au-delà de l'évolution du marché de l'art, cette exposition vient célébrer avant tout un artiste au rire profondément humain. Comme l'écrit Arnaud Le Gouéfflec : « Le rire de Gotlib est radical, parce qu'il est thérapeutique. » Un rire sans cynisme, capable de désamorcer le sérieux, de détourner les conventions et de parler à chacun avec une liberté intacte.

Marcel Gotlib reste proche car il n'a jamais cessé de transmettre sa façon de regarder le monde, de jouer avec les mots, les images et les idées, mais aussi de faire part d'une immense liberté créative. Cette exposition entend rendre hommage à celui qui demeure, aujourd'hui encore, l'un des grands maîtres de la bande dessinée.

Riche de plus de 350 œuvres (vêtements, accessoires, photographies, arts graphiques, échantillons, outils…), le parcours révèle à la fois des créations de maisons de haute couture et des pièces de jeunes créateurs, dont certaines spécialement réalisées pour l’exposition. Des échantillons de textiles et des tables équipées de loupes invitent le public à observer, scruter et contempler les œuvres pour comprendre la complexité des gestes qui se cachent derrière chaque création – l’occasion unique de plonger au cœur des savoir-faire de la mode.
 

Le Palais Galliera met également à l’honneur les auteurs de ces savoir-faire souvent oubliés ou effacés derrière le nom prestigieux d’un couturier. Qu’il s’agisse de maisons historiques telles que Lesage ou Hurel, de nouvelles figures contemporaines comme Baqué Molinié ou Aurélia Leblanc, l’exposition revient sur les métiers souvent méconnus de la mode : créateur textile, brodeur, plumassier, parurier floral, qui ont fait de Paris, capitale cosmopolite, un territoire privilégié de ces savoir-faire d’exception, sans cesse renouvelés.

Un thème inscrit dans l’histoire du lieu

Présenter une exposition consacrée au paysage à la Maison Caillebotte s’impose naturellement. Au XIXe siècle, la propriété fut la résidence de la famille Caillebotte et le parc paysager devint l’atelier de plein air de Gustave. Son ami proche Claude Monet fréquenta également les lieux et s’en inspira, quelques années plus tard à Giverny, pour imaginer son célèbre bassin d’eau et sa passerelle.

Le domaine lui-même constitue un paysage. Le parc, dessiné « à l’anglaise » en 1824 après l’acquisition de la propriété par Pierre-Frédéric Borrel, fut conçu comme une promenade ponctuée de fabriques ornementales. Dans l’esprit romantique du début du XIXe siècle, la nature y est idéalisée et mise en scène : vallons, rocailles et perspectives composent un paysage pittoresque animé par la présence de la rivière.

Monet et les artistes contemporains : un dialogue

Assis au bord du bassin de son jardin à Giverny, Claude Monet découvre ce qui deviendra l’une des révolutions majeures de la peinture : le miracle des Nymphéas. Dans sa quête incessante de la lumière, il dissout progressivement les frontières de l’espace pictural. La peinture n’est plus une « fenêtre » ouverte sur une scène, mais un espace immersif dans lequel le spectateur est invité à entrer.

La peinture ne cherche plus à représenter le monde, mais à en restituer la vibration, la matière et la lumière. Par ce geste radical, Monet ouvre la voie à la peinture moderne et élargit considérablement le champ des possibles.

À travers une soixantaine d’œuvres, le parcours de l’exposition se déploie en neuf salles, chacune consacrée à un artiste contemporain répondant à sa manière aux questions ouvertes par Monet.

Le paysage y est entendu dans un sens large : il englobe campagnes, jardins et espaces naturels, sans exclure le paysage urbain.

Dialoguent avec les Nymphéas de Monet les profondeurs telluriques d’Evi Keller, l’intimité lumineuse de Jacques Truphémus, la mémoire et la forme chez Markus Lüpertz, les atmosphères suspendues de Malgorzata Paszko, l’hyper-perception de Youcef Korichi, les paysages gravés d’Érik Desmazières, la puissance de la couleur chez Charlotte de Maupeou ou encore la densité picturale de Ronan Barrot.

Sans filiation stylistique apparente, ces œuvres se répondent pourtant. Toutes partagent avec Monet une même liberté face à la nature et à sa représentation.

Un foisonnement graphique et formel

Militante, cette presse est aussi profondément inventive sur le plan formel. Refusant les règles du journalisme traditionnel, elle détourne les genres, multiplie collages, bandes dessinées, typographies manuscrites et éclatement des maquettes. De nombreux artistes et dessinateurs y font leurs premières armes, tandis que les techniques du Do It Yourself (offset, ronéo, linogravure) deviennent autant de gestes politiques et créatifs. Fanzines de poésie, de BD, journaux muraux, tracts ou feuilles éphémères témoignent d’un foisonnement graphique au croisement des arts, de la poésie, du happening, de la science-fiction et de la culture rock.

L’âge d’or des années 1970

L’exposition met en relief la décennie 1970, moment d’apogée mais aussi de fragilisation de la presse alternative. Si celle-ci connaît alors une vitalité exceptionnelle, elle se heurte en effet à un certain nombre d’obstacles : précarité économique, périodicité incertaine, censure, saisies et poursuites judiciaires. À la fin de la décennie, l’essoufflement est net. L’avancée en âge du lectorat, l’arrivée de la gauche au pouvoir en 1981, la concurrence des radios libres et la bascule esthétique de la génération hippie vers l’énergie punk marquent la fin de cet « âge d’or ».

De la marge au patrimoine

Pour le remettre en lumière, un fonds patrimonial hors norme de près de 400 titres a été identifié au sein des collections de la BnF, d’abord à l’aide d’un projet de recherche mené par James Horton, docteur en histoire de l’art et ancien chercheur associé au département Droit, économie, politique, ensuite par le patient travail des commissaires de l’exposition. Longtemps insoupçonné, ce gisement documentaire s’est constitué via de multiples sources : dépôt légal imprimeur, recours aux Nouvelles Messageries de la presse parisienne (NMPP) pour certains titres diffusés nationalement, envois volontaires d’éditeurs, dons, acquisitions, mais aussi vigilance de bibliothécaires qui, dès Mai 68, ont perçu l’importance historique de cette presse marginale, souvent autoproduite et autodistribuée.

En valorisant aujourd’hui ces collections, l’exposition participe à la « patrimonialisation » d’un objet initialement rétif à toute forme d’institutionnalisation. Elle entend surtout ouvrir de nouvelles pistes de recherche et inviter à redécouvrir un pan largement méconnu de l’histoire de la presse française. Car ces journaux, souvent éphémères et voués à l’échec économique, ont transformé durablement les formes de l’expression politique et sociale en France, tout en constituant un laboratoire artistique et graphique d’une incroyable inventivité.

Le « style Capa », cette manière directe et immersive de photographier la guerre, a profondément influencé la profession, toujours exposée aux dangers du terrain. En 2024, selon Reporters sans frontières, cinquante-quatre journalistes ont encore perdu la vie dans l’exercice de leur mission, pour la plupart dans des zones de conflit.

En présentant l’oeuvre de Robert Capa, l’exposition offre un regard historique sur une réalité toujours actuelle : celle du risque à prendre pour rendre compte de la guerre.

Robert Capa est LE photographe de guerre aux images légendaires. Il en a inventé le modèle : forcément américain, désinvolte et séducteur, buveur et joueur, prêt à risquer sa vie pour prendre LA photographie iconique. Voilà pour le côté mythique du personnage et l’existence qu’il s’était choisie.

Cette représentation masque toutefois une autre histoire : celle d’un exilé hongrois à Paris dans l’entre-deux-guerres, qui se réinventa en Robert Capa, remarquable photographe de guerre. Capa en affina le métier, soucieux de produire des clichés diffusables par la presse, ainsi que le montrent les tirages et les magazines présentés. Au-delà du romanesque, interroger son parcours et ses images permet d’approcher sa vie, ses engagements et surtout de comprendre pourquoi, près d’un siècle plus tard, ses photographies restent légendaires.

Si la guerre a toujours entraîné des destructions, le début du XXIᵉ siècle révèle une intensification et une systématisation des atteintes portées au patrimoine culturel et naturel. L’exposition met en lumière cette réalité contemporaine et pose une question essentielle : comment la guerre révèle-t-elle ce qui est irrémédiablement perdu, tout en faisant émerger les gestes de résistance qui rendent possible une réparation future ?

À travers un ensemble remarquable de cartes, textes, maquettes, photographies, vidéos, œuvres contemporaines et répliques numériques réalisées par Iconem, l’exposition propose un parcours en trois séquences. Conçue comme un grand reportage, elle tisse un récit documenté, visuel et sensible, croisant les regards d’architectes, d’artistes, de chercheurs, d’acteurs de terrain et de témoins.

L'exposition, en mettant à distance le tumulte du monde, offre au visiteur un temps de réflexion indispensable face au flot d'informations en continu.

Effacer
La destruction du patrimoine prend aujourd’hui des formes multiples : dynamitage de sites emblématiques, bombardement massif de villes, abandon délibéré de territoires, pillage et trafic de biens culturels. Cet effacement touche aussi les patrimoines ordinaires et immatériels, à travers les déplacements de populations, le « nettoyage culturel », l’urbicide, le ruricide ou l’écocide. Loin de l’image d’une guerre « propre », ces pratiques révèlent l’ampleur des violences infligées aux lieux et aux sociétés.

Résister
Face à l’effacement, des formes de résistance émergent. Aux côtés des grandes institutions internationales, ONG, associations, collectifs de citoyens, d’architectes et de chercheurs agissent pour protéger, documenter et transmettre le patrimoine menacé. Sur les terrains de conflit, chaque geste du quotidien, chaque récit, devient un acte de résistance, contribuant à préserver la mémoire et à soutenir la survie physique et psychologique des populations.

Réparer
Au XXIᵉ siècle, la réparation post-conflit dépasse la seule reconstruction matérielle. Elle engage une approche globale, attentive aux territoires, aux corps et aux esprits. Réparer, c’est aussi « refaire société », reconstruire des liens, transmettre des savoirs et inscrire la mémoire au cœur des processus de renaissance. Le patrimoine devient alors un levier essentiel pour penser un avenir commun, en continuité avec le passé et le vivant.

Cette exposition traite de zones de conflit et présente des œuvres susceptibles de choquer les personnes sensibles et les enfants de moins de 12 ans.

Avec :
Lola Álvarez Bravo, Manuel Álvarez Bravo, Bill Brandt, Josef Breitenbach, Horace Bristol, Esther Bubley, Elinor Carucci, Mark Cohen, John Coplans, Gregory Crewdson, Imogen Cunningham, Bruce Davidson, Rineke Dijkstra, Walker Evans, Leonard Freed, Lee Friedlander, David Goldblatt, John Gutmann, Birney Imes, Graciela Iturbide, Sarah Jones, André Kertész, Chris Killip, Dorothea Lange, Sergio Larraín, Richard Learoyd, Danny Lyon, Robert Mapplethorpe, Roger Mayne, Susan Meiselas, Tina Modotti, Daidō Moriyama, Nicholas Nixon, Alexander Rodchenko, August Sander, Tomoko Sawada, Chris Shaw, Aaron Siskind, Graham Smith, Louis Stettner, Issei Suda, Yutaka Takanashi, Shoji Ueda, Weegee, Francesca Woodman.

Objet de fascination, l’aventure aérienne, depuis les premiers envols de ballons à la fin du XVIII siècle jusqu’aux essais actuels d’avion solaire, fait l’objet de nombreuses représentations. À un registre héroïque répond une approche parodique. La nouveauté de ces expériences suscite étonnement et moqueries, qui raillent tour à tour la forme des fuselages, la crédulité des foules ou encore l’orgueil de certains inventeurs. L’exposition « Drôles de vols – caricaturer les expériences aériennes » présente la longue histoire des inventions aéronautiques, que les caricaturistes ont contribué à diffuser auprès du grand public. Au fil de son parcours, le visiteur découvre toutes les nuances du rire allant de la valorisation des pilotes à la propagande nationaliste lors de conflits armés, jusqu’à l’expérience du voyage à l’ère du tourisme de masse.

Déployée en quatre parties chrono-thématiques, l’exposition commence par « Rire de la nouveauté et des péripéties des premiers envols » en montrant notamment des dessins satiriques qui prennent pour sujets des ascensions de ballons, mises en spectacle depuis Louis XVI jusqu’au Second Empire. La
seconde partie « Le ballon, motif récurrent d’une presse satirique en plein essor » aborde la façon dont les vols en ballon ont été détournés à des fins de critique politique. Puis « L’aviation naissante valorisée par la caricature » évoque comment les dirigeables et premiers avions ont nourri les imaginaires mais
aussi la naissance du motif du pilote lors de la Grande Guerre. Enfin, la dernière partie « L’industrie aéronautique, cible féconde de la caricature » traite de la perception du rôle de l’aviation en temps de guerre mais aussi comment elle reste un sujet actuel pour les dessinateurs et caricaturistes.

Les collections d’arts graphiques du musée de l’Air et de l’Espace sont mises à l’honneur, complétées par des prêts issus d’autres institutions telles que le Musée Mode & Dentelle (Bruxelles), la Contemporaine (Nanterre) ou le musée Tomi Ungerer, Centre international de l’Illustration (Strasbourg). « Drôles de vols – caricaturer les expériences aériennes » donne à voir des représentations de l’histoire aéronautique sur des supports variés (estampes, journaux, cartes postales,
assiettes, éventails) tout en soulignant leur valeur artistique ; ainsi, le public pourra découvrir ou redécouvrir de grands dessinatrices et dessinateurs tels que Cham, Daumier, Reiser, Coco, Camille Besse ou Riss.

Le Musée d’Art Moderne de Paris présente Florian Krewer : woven thin* , première exposition personnelle de l’artiste en France. Organisée suite au don de plusieurs œuvres de l'artiste au musée, cette exposition, au cœur du parcours des collections, se veut une plongée dans l'univers pictural de l'artiste allemand basé depuis 2020 à New York.

La pratique de Krewer est profondément autobiographique, nourrie par une confrontation directe avec le monde qui l’entoure, dans toute sa beauté brute comme dans sa violence. Puisant à la fois dans son expérience vécue et dans son imaginaire, la galerie de personnages qui peuple ses paysages et intérieurs éthérés est dépouillée de tout contexte et semble mener une existence autonome. Danseurs, performeurs, animaux et figures solitaires traversent des paysages urbains en mutation. Ils apparaissent détachés, comme libérés de la gravité du monde physique et de ses contraintes sociales. Dans cet univers en apesanteur, les peintures de Krewer célèbrent des moments d’intimité et une résilience collective au milieu d’un environnement le plus souvent hostile. Au Musée d'Art Moderne de Paris, sont exposées seize toiles monumentales récentes, dont certaines inédites. Accrochées de manière resserrées, elles produisent un panorama pictural dense qui reflète l'intensité de la pratique de l'artiste.

Florian Krewer (né en 1986 à Gerolstein, Allemagne) a étudié la peinture à la Kunstakademie de Düsseldorf. Parmi ses expositions institutionnelles récentes figurent Nice Dog, M WOODS Museum, Pékin (2023) ; everybody rise, Aspen Art Museum (2023) ; et Es liebt Dich und Deine Körperlichkeit ein Verwirrter, Kunsthalle Düsseldorf (2022). Ses œuvres sont présentes dans les collections du Musée d’Art Moderne de Paris ; du Musée national d'art moderne - Centre Georges Pompidou, Paris ; du Metropolitan Museum of Art, New York ; du Hammer Museum, Los Angeles ; du Los Angeles County Museum of Art ; et de l’Albertina Museum, Vienne. En 2022, Krewer a reçu le Prix Jean-François Prat du fonds de dotation Bredin Prat. Il vit et travaille dans le South Bronx, à New York.

L’exposition sera accompagnée d’un catalogue publié par la galerie VeneKlasen, dont la parution est prévue en octobre 2026.

Avec le soutien de Arif et Dianne Suherman et de The Kiki Collection.

*Finement tissé

Les ambassades coréennes à Pékin jouent alors un rôle déterminant. Les envoyés de Joseon y découvrent les cabinets de trésors chinois, ainsi que l’art jésuite de la perspective, diffusé à la cour des Qing et dans les églises de la capitale impériale par les artistes européens. L’alliance entre l’accumulation érudite chinoise et le savoir-faire européen en matière de trompe-l’œil nourrit l’inventivité des peintres coréens, qui développent un usage singulier de la perspective, le chaekgeori.

Rapidement, ce nouvel art du livre et des objets se diffuse dans les palais, les demeures aristocratiques et les foyers provinciaux. Livres, porcelaines, bronzes archaïsants, instruments d’écriture ou objets venus de Chine, du Japon ou d’Occident s’y accumulent dans un jeu d’illusions optiques savamment maîtrisé. Loin des vanités européennes, ces bibliothèques peintes ne renvoient pas à des collections réelles, mais à un cabinet des désirs, à ce que l’on aspire à posséder un jour. À partir de la fin du 18e siècle, le livre perd sa valeur savante pour devenir décoratif ; les perspectives se brisent, les formes se distordent, les animaux fantastiques apparaissent. La bibliothèque s’éloigne du réel pour rejoindre un univers à mi-chemin entre surréalisme, fauvisme et onirisme.

Pour la première fois au musée Guimet, une exposition redonne à ce mouvement pictural sa place centrale, loin de l’image folklorique ou purement décorative qui lui est trop souvent associée. Elle tisse des liens entre l’art jésuite et l’art coréen, montre l’impact des ambassades coréennes à la cour de Chine, notamment à travers un exceptionnel rouleau peint de plus de cinq mètres du 18^e siècle présenté pour la première fois, et révèle la diffusion des codes de la perspective grâce à des œuvres provenant du Louvre et du Asian Civilisation Museum de Singapour. Elle démontre également que la Corée du Joseon était tout l’inverse d’un « royaume ermite » mais un pays ouvert, curieux, en dialogue constant avec le monde.

L’exposition
Marc Bloch, l’esprit de l’Histoire, dont le commissariat est assuré par Yann Potin, historien et conservateur en chef du patrimoine aux Archives nationales, propose aux visiteurs de retracer le parcours intellectuel, scientifique et humain d’un historien dont l’œuvre et l’engagement continuent d’éclairer notre rapport au passé et au présent.
À travers une riche sélection de documents, photographies, objets et ouvrages – issus des Archives nationales, des archives de la famille Bloch, du Service Historique de la Défense (SHD), du Centre d’histoire de la résistance et de la déportation de Lyon (CHRD) et de collections privées - le visiteur est invité à découvrir ou redécouvrir la vie d’un historien qui fut également un combattant et un grand résistant. Le parcours de l’exposition, à la fois chronologique et thématique, est structuré en 3 grandes sections. L’exposition s’attache ainsi à montrer comment Marc Bloch a pu, sa vie durant, mettre en accord son discours et ses actes, son engagement de citoyen-combattant et son travail d’historien, jusqu’à
l’expérience de la clandestinité et du sacrifice.

Après une période dominée par la peinture puis le cinéma entre 1963 et 1973, il revient au dessin avec de nouveaux objectifs liés à sa production picturale, notamment aux portraits de commande, dont celui de Mao constitue un exemple majeur. Le dessin devient alors un espace d’expérimentation : il permet de travailler des choix chromatiques, graphiques et conceptuels, souvent à une échelle proche de celle des peintures.

Le parcours s’articule autour de cinq sections thématiques : débuts comme illustrateur publicitaire, importance de l’écriture manuscrite, fascination pour les visages et les masques, iconographie gay longtemps restée confidentielle et réflexions sur la mort, devenue une obsession après l’attentat de 1968 qui a failli lui coûter la vie.

L’exposition réunit environ 150 dessins, ainsi que des peintures, sérigraphies sur papier, photographies et documents d’archives. Elle met en évidence l’inventivité technique de l’artiste et les procédés qu’il met au point (tampons, lignes transférées, pochoirs, collages), pensés pour la reproduction et la répétition des images. Des dessins et documents, rares ou négligés, permettent d’accéder à la fabrique de l’œuvre et d’entrer au cœur de l’atelier new-yorkais de l’artiste, The Factory. Autant de pistes qui invitent à reconsidérer l’ensemble de l’œuvre de Warhol à partir de ce dialogue entre geste et reproduction, entre main et machine.

Irving Penn (1917-2009), photographe américain majeur du 20e siècle, est reconnu pour avoir profondément renouvelé la photographie de mode et le portrait en imposant une esthétique sobre, directe et intemporelle. Plutôt que d’un parcours chronologique ou strictement thématique, il s’agit ici d’une immersion au cœur de l’univers visuel de l’artiste, où portraits de personnalités, photographies de mode, reportages ethnographiques, études de nus, natures mortes ou encore compositions florales dialoguent librement les uns avec les autres. Ces rapprochements révèlent les constantes de son œuvre : la rigueur de la composition, l’attention aux matières, le goût de l’épure, ainsi qu’une capacité unique à saisir la présence humaine et la beauté des formes les plus simples. Les célèbres Corner Portraits côtoient les cigarettes, les fleurs fanées ou encore les silhouettes de mode, formant une vaste mosaïque visuelle qui invite les visiteurs à pénétrer dans l’atelier mental d’Irving Penn. À travers cette installation inédite se dévoilent la cohérence et la modernité d’une œuvre qui n’a eu de cesse de redéfinir les possibilités de la photographie et notre manière de regarder le monde. 

Perfectionniste, humaniste et éclectique. C’est ainsi que l’on pourrait qualifier, s’il fallait les résumer, l’œuvre et l’immense carrière photographique d’Irving Penn. Irving Penn est avant tout un photographe de studio. La « zone neutre » qu’il y conçoit méthodiquement à l’aide d’un simple fond de toile ou de papier blanc baigné de lumière naturelle définit un cadre spatial décontextualisant et mettant à la fois en exergue la présence physique de ses multiples sujets. Ce principe de travail d’une grande modestie dans sa mise en œuvre le suivra tout au long de sa carrière. 

Constituant un héritage inestimable pour le monde de la photographie, l’œuvre d’Irving Penn est représenté au sein de la Collection Pinault par un fonds important de ses images, déjà rendues visibles en 2014-2015 à l’occasion de l’exposition monographique « Irving Penn, Resonance » au Palazzo Grassi, à Venise. 

Commissariat : Matthieu Humery, conseiller en photographie auprès de la Collection Pinault, avec la collaboration de Lola Regard, chargée de projets.

Enfin, ses images saisissantes pour les pages beauté du magazine Vogue dans les années 1990 et 2000 témoignent de la créativité et de la modernité d’un artiste dont une partie de l’œuvre est encore à découvrir.

Toujours fidèle à une vision artistique exigeante, quel que soit le contexte de la commande, Penn a contribué à rapprocher l’art, la mode et le commerce avec une maîtrise inédite. Son travail est caractérisé par une esthétique d’une élégante simplicité. Chaque image est le résultat d’un long processus de réflexion pour aboutir à des compositions intemporelles transposées dans des techniques de tirages sophistiquées, souvent devenues des icônes de l’histoire de la photographie.

L’exposition est majoritairement conçue à partir de collection de la MEP et de celle de Nicola Erni. Réunie au cours des vingt-cinq dernières années, celle-ci est aujourd’hui l’un des ensembles les plus vastes et remarquables consacré à la photographie de mode, couvrant la période des années 1930 à nos jours. L’exposition bénéficie également de nombreux prêts exceptionnels de The Irving Penn Foundation et de The Miyake Issey Foundation.

Révélant toute la modernité de son art, l’exposition met en lumière la singularité d’un artiste doté d’une incroyable énergie créatrice, et que Vasari voyait comme le « plus terrible esprit que la peinture n’ait jamais connu » (1568). Artiste complexe et inclassable, Tintoret développe une oeuvre aussi admirée que débattue, caractérisée par des compositions audacieuses, des perspectives vertigineuses, des effets de lumière spectaculaires et la vivacité de sa touche – la célèbre prestezza. En opérant une synthèse originale entre le dessin sculptural (disegno) des maîtres toscans, en particulier celui de Michel-Ange qui le fascine, et le colorito vénitien de Titien, son rival, il porte à son apogée la Renaissance à Venise.

Rassemblant une quarantaine de peintures et d’oeuvres graphiques issues de collections publiques et privées, françaises, italiennes et internationales, l’exposition propose un parcours thématique permettant de saisir la diversité et l’ampleur de l’oeuvre de Tintoret autour de plusieurs axes. Les grandes compositions religieuses, telles que le Miracle de saint Augustin (1547-1549, Palazzo Chiericati, Vicence) ou la Trinité (vers 1561-1562, Galleria Sabauda, Turin) témoignent par exemple de sa capacité à renouveler les sujets sacrés par une interprétation dramatique.

Le Musée d’Art Moderne de Paris met à l’honneur l’œuvre de Kerry James Marshall, poursuivant ainsi une série d’expositions monographiques pionnières en France consacrées aux artistes noirs américains, notamment Kara Walker (2007) et Jean-Michel Basquiat (2010). Kerry James Marshall travaille par séries et par cycles, comme en témoigne l'organisation chrono-thématique de l'exposition, qui présente onze groupes d'œuvres réalisées entre 1980 et aujourd'hui.

Parcours de l’exposition

L'exposition s'ouvre sur les premières œuvres matures de l’artiste, réalisées dans les années 1980, comme Invisible Man (1986), inspirée de l’ouvrage du même nom de Ralph Ellison (1952). Cette section met en évidence l'intérêt de Kerry James Marshall à dépeindre des figures noires, tout en soulevant des questions sur leur représentation dans l'histoire de l'art et sur les personnes et les éléments qui en ont été exclus. L’approche radicale de l’artiste, qui utilise une gamme de pigments noirs mêlés à d’autres couleurs, influe sur la perception de ses figures par le spectateur.

La deuxième salle présente de grandes toiles qui traitent de l’histoire du “Passage du milieu”, une expression qui désigne la traversée de l’Atlantique des Africains capturés afin d’être vendus comme esclaves.

L'exposition se poursuit avec la présentation d’œuvres monumentales illustrant des scènes de la vie contemporaine, avec pour décors des salons de coiffure et de beauté, des parcs et des espaces extérieurs. En faisant référence à des artistes tels qu'Édouard Manet, Gustave Caillebotte, Georges Seurat et d'autres peintres de la vie moderne, Marshall rectifie l'absence d'images représentant à grande échelle la vie quotidienne des personnes noires dans l’histoire de l’art occidental.

La série Souvenirs (1997–1998) prend pour point de départ le mouvement américain des droits civiques. Les peintures de la série Vignette (2003–2014) représentent des couples noirs dans un style qui puise à la fois dans la peinture rococo et dans l’esthétique des cartes de vœux américaines.

Une des œuvres majeures de l’exposition est Wake, une sculpture cumulative créée en 2003 et décorée de nouveaux médaillons à chaque fois qu'elle est exposée.

Une section réunit des portraits imaginaires de figures historiques noires telles que Scipio Moorhead et Harriet Tubman, et interroge sur la manière dont des portraits historiques peuvent être créés en l'absence d'archives et de représentations antérieures des personnes concernées.

Les dernières galeries retracent l’évolution de la démarche artistique de Kerry James Marshall qui revisite les icônes de l’histoire de la peinture classique occidentale. Les œuvres des années 2000 à 2010 soulignent notamment l'intérêt de longue date de Kerry James Marshall pour les disciplines artistiques enseignées au sein des institutions. L’une des pièces maîtresses est The Academy (2012), dans laquelle un modèle masculin d’un cours de dessin d’après modèle vivant, lève le poing en signe du salut Black Power.

L'exposition s’achève avec une série d'œuvres inédites. Ces huit tableaux explorent des épisodes méconnus de l'histoire africaine. Plusieurs d’entre eux sont focalisés sur la traite négrière transatlantique et mettent en évidence le rôle joué par certains Africains dans la vente de personnes réduites en esclavage aux marchands européens.

Les codes vestimentaires se démultiplient bientôt, à la faveur d’un mouvement de singularisation. Au tournant du 20^e siècle, la garde-robe devient alternativement un manifeste révolutionnaire, la prolongation de l’acte créateur, voire l’affirmation d’une identité : fluidité de genre et jeux de travestissements, quête d’ailleurs réels ou rêvés, appartenances ou marginalités... Les artistes se composent soigneusement une tenue, et tracent des silhouettes reconnaissables pour la postérité.

Si le rapport des artistes au vêtement a déjà été exploré, L’étoffe de l’artiste adopte une approche novatrice, à la croisée de l’histoire de l’art, de la sociologie et de l'histoire de la mode. Pour la première fois ont été rassemblés plus de 50 pièces textiles, accessoires et objets portés par les artistes, grâce à un long travail de recherche mené par les commissaires dans les collections et archives d’institutions et de collections privées. Ces pièces uniques sont mises en regard de 50 photographies, 33 peintures, 12 dessins et 9 sculptures dans un parcours chrono-thématique, pour saisir les styles, allures et mises en scène qui les identifient immédiatement comme artistes. Une attention particulière a été apportée à la diversité des artistes représentés, avec près d’un quart de femmes artistes exposées.

Fruit de cinq années de travaux et de recherches, L’étoffe de l’artiste bénéficie de prêts exceptionnels de la part de grandes institutions françaises et européennes telles que le musée d’Orsay, le musée des Arts décoratifs de Paris, le musée d’Art moderne de Paris, le Palais Galliera, la Maison-atelier Foujita, le Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto (Italie), le Wien Museum (Autriche) ou encore le Städel Museum de Francfort-sur-le-Main (Allemagne). De nombreux prêts proviennent également de collections privées.

PLUS D'INFORMATIONS

Une sélection exceptionnelle et une scénographie inédite

L’exposition réunit une trentaine d'œuvres qui interrogent la mémoire des anonymes, l’exil, les archives et les traces du quotidien. De Nil Yalter à Christian Boltanski, en passant par Adrianna Wallis ou Mohamed Bourouissa, les artistes présentés donnent à voir des existences discrètes, fragiles ou oubliées, et rappellent la force de l’art pour préserver ces récits singuliers.

La scénographie a été pensée pour s’intégrer au caractère monumental du Panthéon. Elle se compose de 30 modules, un par artiste, qui dialoguent avec l’architecture du lieu tout en guidant le visiteur dans une déambulation ponctuée de découvertes.

Programmation vivante - Les temps forts

Retrouvez une programmation pluridisciplinaire au Panthéon en écho à l’exposition Vies minuscules, mêlant littérature, musique, danse, théâtre, cinéma et performance :

Plus d'informations

Les étapes de construction illustrent l’union de l’art et de l’ingénierie, depuis les choix techniques imaginés par Viollet-le-Duc puis concrétisés par Gustave Eiffel, jusqu’au martelage du cuivre dans les ateliers parisiens et au montage complet de la statue. Le parcours se conclut avec le transport vers New York, l’achèvement du piédestal et l’inauguration le 28 octobre 1886, qui impose immédiatement La Liberté éclairant le monde comme symbole majeur et universel.

Emblématique des idéaux de son époque, la Statue de la Liberté témoigne d’une indéfectible foi dans le progrès, aussi bien humain que technique, et dans des valeurs universelles auxquelles l’art peut donner une forme intelligible. L’exposition se donne comme objectif de faire comprendre aux visiteurs les choix artistiques, idéologiques, économiques et technologiques qui ont permis la réalisation de ce projet hors du commun.

Onze sections chrono-thématiques structurent cette exposition : Nymphéas pour l’histoire, Paysages en guerre, Pays, paysage, Abstraire la nature, À l’origine, Paysages intérieurs, Passé, présent, futur, Local, global, total, Après l’histoire, le paysage, Paysages de l’Anthropocène, Paradis perdus ? Ce sont les étapes d’une traversée, les chapitres d’une histoire de notre siècle, dont la mémoire repose dans le paysage.

Commissariat : Pierre Wat, professeur d’histoire de l’art de la période contemporaine à l’université Panthéon Sorbonne, directeur du Centre de recherche HiCSA et spécialiste de la représentation du paysage.

Cette grande exposition rassemble une centaine d’artistes : des auteurs désormais largement reconnus sur la scène internationale, mais aussi d’autres figures dont les démarches et les styles méritent d’être découverts.

L’originalité de la collection photographique japonaise de la BnF réside également dans les grands axes thématiques et esthétiques qui la traversent. Tantôt ancrée dans le réel, à travers des reportages consacrés au monde rural, aux fêtes, aux rituels ou à l’expansion urbaine et économique, tantôt théâtrale, fantaisiste ou poétique, la photographie japonaise accorde une place essentielle aux sensations et aux atmosphères. Elle se déploie dans des œuvres alliant une remarquable simplicité de composition à une grande sophistication de tirage.

Mary Cassatt se qualifiait d’« Américaine, nettement et franchement américaine », mais a d’abord ancré son art dans la tradition picturale des maîtres anciens, étudiée lors de ses voyages en Europe, avant de devenir une figure incontournable du mouvement impressionniste en France, où elle vécut pendant pas moins de six décennies. « Je suis indépendante ! », proclamait-elle : « Je peux vivre seule et j’aime travailler ». Adoptant une approche chrono-thématique, l’exposition dresse un nouveau portrait de l’artiste, étudiant son art sous le prisme de la notion d’indépendance, dont elle tire grande fierté, et qu’elle érige toute sa vie comme son principe directeur. 

Comprenant près de 80 tableaux, pastels et estampes, et couvrant l’ensemble de la carrière de l’artiste, « Mary Cassatt, L'indépendante » ouvre de nouvelles perspectives sur son œuvre, en s’appuyant sur des lettres inédites et des sources à ce jour non encore exploitées. Seront présentées des œuvres de collections européennes, publiques et privées, rarement montrées, ainsi que des peintures et des pastels provenant de collections américaines peu exposées en dehors des États-Unis.

Une sélection d’œuvres de jeunesse de Cassatt et de portraits de ses proches montre comment le milieu social de l’artiste, ses déplacements et sa connaissance de l’art du passé ont façonné son approche et sa pratique. Mettant un point d’honneur à être indépendante (à l’origine, à la demande de sa famille fortunée), elle s’établit rapidement dans son propre atelier et y emploie des modèles rémunérés. Dans un milieu très largement masculin, et sur fond de nationalisme latent, elle parvient sans tarder à s’imposer comme peintre professionnelle. 

Ses représentations de jeunes femmes élégantes, évoluant en société, recevant chez elles ou se divertissant au théâtre – à la conquête du monde moderne, et de leur indépendance – comptent parmi les réalisations les plus remarquables de l’artiste, comme en témoignent des exemples éblouissants. Ces images pleines d’audace et de vivacité ne manquent pas d’attirer l’attention dans les expositions impressionnistes, auxquelles Mary Cassatt participe assidûment (à quatre reprises, à partir de 1879), à l’invitation de son ami Edgar Degas. La contribution essentielle de Mary Cassatt à ces expositions d’avant-garde, autoproclamées « indépendantes », sera examinée et réévaluée.

Ses activités sur le terrain du marché de l’art constituent un autre aspect fondamental de l’indépendance de l’artiste. Celle-ci se spécialise dans la peinture de « mères à l’enfant », genre en forte demande, dans lequel elle excelle - et auquel elle reste associée - tout en honorant des commandes de portraits. Quelques œuvres clés de l’exposition évoqueront également son rôle crucial de « consultante », conseillant ses proches, ses amis et connaissances américains dans leurs achats de tableaux notamment impressionnistes - et donc dans la constitution de collections d’art aux États-Unis.

À ce stade de sa carrière, au début des années 1890, l’indépendance financière de Mary Cassatt lui permet de devenir propriétaire foncière. Entouré d’un vaste parc, le château qu’elle acquiert dans l’Oise sert de toile de fond à de nombreuses scènes d’extérieur où évoluent femmes et enfants : œuvres lumineuses, aux couleurs vibrantes. Modern Woman, la plus importante commande qu’ait reçue l’artiste, pour un décor monumental destiné au Pavillon de la Femme lors de l’Exposition universelle de Chicago en 1893, constitue un temps fort dans sa carrière et une étape majeure dans son œuvre. Cette décoration colossale, aujourd’hui disparue, sera évoquée au sein du parcours au travers d’un ensemble d’estampes et de pastels en lien avec ce décor, ainsi que par le biais d’un film proposant une restauration numérique de cette œuvre gigantesque (4 x 18m), d’une ambition unique tant par ses dimensions que par son sujet. Son admirable série d’estampes, les Dix Planches en couleurs, sera également étudiée à la lumière de cette nouvelle phase de son travail, remarquablement expérimentale, et de ses opinions progressistes sur l’éducation des femmes.

L’engagement de Mary Cassatt en faveur de l’indépendance est en effet allé au-delà de son propre parcours et de sa démarche artistique. Fervente partisane de la lutte des femmes pour le droit de vote, Cassatt encourage ses contemporains à « œuvrer pour le suffrage, car ce sont les femmes qui décideront de la question de la vie ou de la mort d’une nation. » Avec son amie Louisine Havemeyer, elle organise en 1915, à New York, une exposition au profit du suffrage des femmes. Une sélection restreinte de tableaux de Mary Cassatt montrés dans cette exposition conclut le parcours, démontrant comment non seulement l’art de cette artiste pionnière, mais aussi ses agissements ont pu tendre vers l’activisme.

Commissariat

Paris

• Caroline Corbeau-Parsons, conservatrice Arts graphiques et Peinture, musée d’Orsay ;
• Anne Robbins, conservatrice Peinture, musée d’Orsay ;

Londres

• Sarah Moulden, senior curator of 19th Century Collections, National Portrait Gallery ;

Boston

• Erica Hirshler, Croll senior curator of American Paintings, Boston Museum of Fine Arts.
  

L’art de la science

Première carte levée « géométriquement » à l’échelle d’un pays tout entier, le royaume de France, à l’époque le plus puissant et le plus peuplé d’Europe, sa réalisation est admirable à plus d’un titre. Elle est, d’abord, le fruit d’une volonté étatique continue qui, avec Louis XIV et Colbert, Louis XV puis Bonaparte, en décide et pérennise le projet ; même si, de 1756 à 1793, une société privée la finance en partie. Elle implique le recours à des techniques scientifiques innovantes, pour la méthode et les instruments, qui la lient à la création de l’Académie des sciences en 1666 et de l’Observatoire de Paris en 1667. Elle naît de la constance de savants qui la mettent en œuvre jusqu’en 1815, aux côtés de la dynastie des quatre Cassini de 1669 à 1793. Elle résulte d’un travail de terrain puis de restitution par la gravure, à la fois minutieux, normé, parfois difficile, et de très longue haleine, depuis les levés de l’abbé Picard en 1668 jusqu’aux derniers levés vérifiés en 1790. Elle est hors norme, enfin, par son déploiement final, dans l’espace bien sûr puisque les 181 feuilles assemblées font plus de douze mètres de haut sur onze de large ; mais aussi dans le temps, car des premiers travaux en 1668 à l’ultime usage des cuivres au XX^e, s’écoulent presque trois siècles !

Une aventure hors du commun

La construction de la carte de France de Cassini constitue une véritable épopée. De l’astronome au libraire en passant par l’ingénieur-cartographe, le vérificateur ou encore le graveur, chaque métier se doit de travailler avec grande précision et dans le respect des consignes détaillées par Cassini III en 1744 dans sa Description géométrique de la France. Levés, toponymie, calculs, dessins, signes… toutes les étapes sont scrupuleusement respectées. Lentilles-objectifs, graphomètres à lunettes, quart-de-cercle…, des instruments de pointe pour l’époque sont utilisés.
Ce travail scientifique de terrain durera plus de 70 ans avant d’atteindre sa finalisation en 1815. Une entreprise titanesque reposant sur une méthode inédite : la triangulation qui permet de mesurer les distances avec grande précision en reliant des points fixes comme des tours, des clochers, des collines.
Les habitants sont invités à collaborer, notamment pour nommer les lieux cartographiés. Ils ne le font parfois qu’avec réticence, car derrière l’entreprise «participative», ils devinent que se cache la volonté royale de mieux gérer mais aussi de mieux contrôler le royaume. Pour la science en revanche, ces nouvelles méthodes de travail vont permettre de créer une première carte territoriale complète de la France, une véritable encyclopédie du territoire.

Prestige et postérité

Ce monument cartographique va être diffusé dans une diversité matérielle remarquable, de l’exemplaire ordinaire au plus prestigieux. Le rôle des libraires a, ici, une grande importance. Certains proposent la carte avec multitude de possibilités : mise en couleur, entoilage, reliure, étui, baguette de suspension…
L’exceptionnelle qualité de certains exemplaires présentés dans l’exposition, dont un sur soie, reflète l’éminence de leur propriétaire, tels le roi Louis XVI ou la reine Marie-Antoinette. Le gigantisme d la carte de France de Cassini n’a d’égal que sa pérennité d’usage ; le plus marquant étant la création des Départements en 1790, à laquelle elle sert de base cartographique. D’autres usages administratifs persistent jusqu’à nos jours, tel celui qui touche aux droits liés aux moulins. Son apport pour l’histoire actuelle de l’environnement ou en archéologie est tout aussi essentiel. Aventure scientifique à portée universelle, monument cartographique d’exception, la carte de France de Cassini devient un modèle pour la cartographie occidentale dont elle renouvelle les méthodes.

Il est l’un de ces créateurs qui, comme son contemporain Pablo Picasso ou d’autres figures de la constellation Dada, ont contribué à redéfinir radicalement les frontières de l’art. Il conçoit ses œuvres à partir de rebuts et détritus transformés en matière « harmonieuse » et développe une architecture organique en angles et en creux au sein de sa propre maison, le Merzbau. Il transpose également la technique du collage dans le domaine de la poésie, invente et performe la prodigieuse Ursonate, sonate de sons primitifs, crée une revue, des slogans typographiques publicitaires, des assemblages, des sculptures…

L’exposition, installée dans les Anciennes Écuries du Domaine de Sceaux, se déroule sur deux niveaux. Elle propose un parcours chronologique rassemblant près de 120 œuvres ayant appartenu à la duchesse ou évoquant des épisodes marquants de son histoire : peintures, sculptures, gravures, documents, pièces de mobilier et objets d’art, la plupart des œuvres étant présentées de façon inédite. Grâce, notamment, à d’exceptionnels prêts du château de Versailles, dont de nombreux de grands formats, vous pouvez suivre les grandes étapes de sa vie en France, de l’arrivée d’une très jeune princesse étrangère à l’embrasement des provinces pour défendre sa cause ! On découvre aussi la manière dont les artistes de son temps firent d’elle une héroïne romantique et une icône de son siècle.

L’exposition a pour ambition de renouveler le regard sur l’évolution de la mode féminine du 19^e siècle. Des femmes portant le costume masculin aux modes du Paris artistique et lesbien de 1900, en passant par les femmes actives en tailleur et bottines, elle interroge l’impact des expressions dissidentes de la féminité et la manière dont elles ont contribué à redéfinir les garde-robes féminines de cette période. Le parcours fait dialoguer des figures historiques majeures, de Marie-Antoinette à Natalie Clifford Barney, de George Sand à Rosa Bonheur avec une multitude d’anonymes révélées par la photographie vernaculaire, invitant à s’identifier et à s’approprier cet héritage. Au-delà de son ancrage historique, l’exposition entre en résonance avec des enjeux contemporains et invite à une réflexion sur la place du vêtement et de la mode dans la transformation des identités et des rôles sociaux, au 19^e comme au 21^e siècle.

Le cirque dépasse sa fonction de spectacle pour devenir un véritable lieu d’expérimentation artistique. Les frontières entre spectacle et création s’effacent alors au profit d’un dialogue entre les arts. Le saltimbanque devient une figure allégorique de l’artiste moderne, tandis que la piste semble préfigurer certaines des grandes révolutions esthétiques du XXe siècle. En effet, c’est tout un territoire de spectacles et d’innovations qui accompagne l’émergence de nouvelles sensibilités artistiques.

À travers cette exposition, le musée de Montmartre rend hommage à un patrimoine artistique et populaire exceptionnel. Révélant ainsi comment, sous les chapiteaux de la Butte, s’est élaborée une part essentielle de l’art moderne.

Ibrahim Mahama imagine pour la Fondation Cartier une entité vivante en résonance avec les centres d’art qu’il a fondés à Tamale, dans le nord du Ghana. Avec les artistes associés, il investit la totalité des espaces de l’institution, place du Palais-Royal, avec des œuvres créées spécifiquement pour le lieu, ainsi que des versions inédites de certaines de ses installations emblématiques.

Depuis sa création, la Fondation Cartier s’est affirmée comme un espace de dialogue, d’expérimentation et d’exploration artistique attentif aux lieux d’émergence de la création contemporaine et aux voix qui la traversent. Dès les années 1990, elle a joué un rôle pionnier dans la présentation d’artistes du continent africain, tels que Seydou Keïta, Bodys Isek Kingelez, Malick Sidibé, J. D. ’Okhai Ojeikere ou Chéri Samba. C’est dans cette continuité que s’inscrit Le Temps des récoltes, première exposition parisienne d’Ibrahim Mahama qui s’associe pour l’occasion à neuf artistes et collectifs.

Ibrahim Mahama (né en 1987 à Tamale, Ghana) s’est imposé sur la scène internationale par ses installations réalisées à partir de matériaux collectés, d’archives et de fragments de patrimoine industriel qu’il réactive pour façonner de nouveaux imaginaires. Il développe depuis les années 2010 une oeuvre fondée sur l’exploration des héritages coloniaux et postcoloniaux du Ghana. S’appuyant sur l’histoire industrielle et commerciale de son pays, il interroge la circulation des biens, la transmission des savoirfaire et la préservation du patrimoine. Son travail met en lumière les continuités et les ruptures politiques, sociales et économiques, en portant une attention particulière aux infrastructures, aux traces du passé et aux dynamiques collectives.

Conçue par Ibrahim Mahama avec neuf artistes et collectifs, tous liés à lui par des collaborations, des recherches ou des échanges de longue date, l’exposition Le Temps des récoltes s’inscrit dans le prolongement direct de cette démarche. Elle fait écho aux trois centres d’art fondés par l’artiste à Tamale, dans le nord du Ghana, depuis 2019. Pensés comme des espaces de création, de transmission et d’ancrage local, ces centres participent à l’émergence d’un réseau d’institutions culturelles indépendantes sur le continent africain, où la pédagogie occupe une place centrale. Les centres d’Ibrahim Mahama dialoguent avec des initiatives parallèles sur le continent africain. On peut citer doual’art à Douala au Cameroun, fondé en 1991 par Marilyn Douala Bell et Didier Schaub, qui fait figure de pionnier ; le Centre for Contemporary Art Lagos (CCA) au Nigeria, initié en 2007 par Bisi Silva ; RAW Material Company à Dakar, fondé en 2008 par Koyo Kouoh ; et plus récemment le Nairobi Contemporary Art Institute (NCAI) au Kenya, ouvert en 2020 par l’artiste anglo-kenyan Michael Armitage.

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Qui sont les artistes au Muséum ?

L’institution attire des profils très variés : des chercheurs décrivant de nouvelles espèces, des peintres fascinés par les scènes de vie sauvage, un professeur de dessin passionné de zoologie, ou encore un photographe jouant avec les lumières sous-marines. Certains ont suivi une école de Beaux-Arts, d’autres une formation de biologie, mais tous ont fréquenté le Muséum ou participé à des expéditions pour nourrir leur travail.

Qu’ils soient devenus fameux ou restés dans l’ombre des laboratoires, leur travail célèbre la beauté du monde naturel à travers la recherche de l’exactitude scientifique. 

La fabrique de l’image scientifique

Comment les artistes et les chercheurs travaillent-ils à produire des images scientifiques au Muséum ?

Dessin, gravure, peinture ou encore photographie : différentes techniques sont mises à contribution pour répondre aux enjeux de la représentation dans les sciences naturelles. La réalisation de ces images suit certaines étapes et répond à des normes bien précises pour accompagner et compléter les discours produits par les chercheurs.

Le Muséum devient alors un laboratoire d’expériences non seulement biologiques mais aussi artistiques, où des procédés souvent novateurs sont mis au point. Peinture sur vélins, chambre claire, microscopie, usage des couleurs… Entre traditions séculaires, nouvelles technologies et quête illusoire d’une objectivité parfaite, l’imagerie scientifique porte sur le monde un regard particulier, qui trouve des échos dans d’autres pratiques artistiques. 

Une vraie galerie d’art !

Dès le 17^e siècle, il existe au Jardin des Plantes une production artistique qui vise à promouvoir l’institution et rendre accessible au plus grand nombre les savoirs naturalistes. Au-delà d’un lieu de recherche, c'est aussi une vitrine du pouvoir royal comme en témoignent les gravures et plans richement détaillés.

Après la Révolution et la chute de la monarchie, le Muséum continue à passer des commandes de statues ou de peintures spectaculaires auprès de grands maîtres. Il acquiert diverses collections d’art pour émerveiller les visiteurs et fait appel à de célèbres architectes pour ses bâtiments.

Des artistes tels que Salvador Dalí, Bernard Buffet, François Pompon, Chris Marker, ou encore Alberto Giacometti viennent trouver l’inspiration dans ce cadre exceptionnel. La présence des artistes y est encouragée par le biais d’horaires réservés, de résidences et d’expositions.

Déambulez dans les différents univers du Muséum à la rencontre de leurs œuvres.

Des artistes engagés

Au fil des siècles jusqu'à nos jours, les relations entre arts et sciences évoluent à mesure que les défis contemporains pour l’avenir de la planète apparaissent. Le Muséum devient ainsi une référence scientifique majeure et attire les créateurs préoccupés par ces enjeux. Certains s’associent à des chercheurs pour alerter sur les effets du réchauffement global, de la pollution, et de l’extinction de masse des espèces.

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Traversé par les deux seuls fleuves connus du paradis biblique, dont l'importance et les dangers ont pu inspirer le mythe du déluge, la Mésopotamie antique est aussi la terre où fut inventée et développée pour la première fois l'irrigation. Ces premières expériences de maîtrise de l'eau par l'homme, à travers la transformation artificielle de son environnement naturel, ont suscité l'invention et le développement en Mésopotamie des premiers ouvrages hydrauliques connus (premiers canaux, ponts, aqueducs, réseaux de canalisations, lacs artificiels, etc.). Ils furent sources de changements pour le territoire et ses habitants dont on montrera les atouts et les faiblesses à long terme. Reposant volontairement sur les seules collections du Louvre, dont la richesse rend possible un tel projet, l'exposition s'insère au sein des salles permanentes du département pour y interroger l'ensemble des antiquités orientales sous l'angle de l'eau et de ses leçons environnementales d'hier à aujourd'hui.

Livret "La classe, l'œuvre !"

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Présentation

Pour Albert Kahn, l’harmonie du monde repose sur la connaissance et l’entente entre les peuples. Entre 1898 et 1929, le banquier crée plusieurs fondations, qui frappent aujourd’hui par leur modernité : les bourses Autour du Monde, qui anticipent le programme Erasmus ; les Archives de la Planète, vaste inventaire visuel déployé à partir de 1912 dans une Europe au seuil de la Première Guerre mondiale ; ou encore le Comité national d’études sociales et politiques, véritable think tank avant l’heure. 

Cette diversité traduit son engagement : celui d'un homme persuadé que la justice, le droit, la connaissance et le dialogue entre les nations sont les conditions d'une paix durable. Son itinéraire de pacifiste se construit au fil des débats qui animent la IIIe République et des conflits qui la traversent : guerre franco-allemande de 1870, Première et Seconde guerres mondiales. 

En transmettant l’héritage d’Albert Kahn, le musée contribue ainsi à faire vivre une œuvre qui, bien au‑delà de son époque, continue d’inspirer notre rapport au monde et à l’altérité, et de nourrir une réflexion citoyenne sur les conditions d’une paix juste et durable. 

L’exposition est largement fondée sur les collections du musée (photographies autochromes et noir et blanc, films, archives et objets), dont certaines de ses pièces majeures, comme le film En dirigeable sur les champs de bataille de Lucien Le Saint, récemment numérisé en haute définition à partir des bobines originales. D’autres œuvres sont présentées pour la première fois, tel que le mobilier de la société Autour du Monde, association des bénéficiaires des bourses de voyage créées par Albert Kahn, ou le seul écrit signé par le mécène, Des droits et devoirs des gouvernements.

Elle s’enrichit de nombreux prêts patrimoniaux (œuvres d’arts graphiques, peinture, sculpture, archives et documentation) d’institutions comme le musée de l’Armée, le musée Rodin ou La contemporaine. Le parcours d’exposition s’ouvre ainsi sur une toile monumentale du peintre Édouard Detaille et se clôt sur L’illusion, sœur d’Icare, un marbre de Rodin ayant appartenu à Albert Kahn, de retour à Boulogne pour la première fois depuis la ruine du banquier. 

Les œuvres contemporaines de Charles Fréger, Laurent Grasso, Calvin Marcus, Yan Morvan, Sophie Ristelhueber, Société réaliste, François Vermot et Luke Watson viennent répondre à ce corpus historique, révélant les résonances des sujets évoqués dans le monde d’aujourd’hui. 

Une commande auprès de l’artiste Laurence Aëgerter, une tapisserie en trois volets inspirée de d’autochromes de la collection, évoque le jardin d’Albert Kahn et la métaphore d’un monde réconcilié.
L’œuvre a été réalisée avec le soutien de l’association des Amis du musée Albert-Kahn et du fonds Mondriaan pour la création contemporaine (Pays-Bas). 

Le parcours

À travers un parcours chrono-thématique en cinq parties, ponctué de 250 œuvres et documents, l’exposition retrace la vie d’Albert Kahn et éclaire son engagement en faveur de la paix dans le contexte historique de 1870 à 1940. 

Des dispositifs immersifs et spectaculaires via la projection de films en grand format invitent les spectateurs à traverser le XXe siècle aux côtés des opérateurs, et faire l’expérience d’événements historiques sans précédents. Le parcours famille, ludique et pédagogique, est également déployé à hauteur d’enfant. 

1. Aux origines d'un engagement (1870-1898) 

En présentant l’enfance d’Albert Kahn, marquée par la guerre, puis ses études à Paris, cette section retrace la construction progressive de sa pensée pacifiste. 

2. Une fortune au service d'un projet pacifiste (1898-1913) 

Cet espace évoque les différentes fondations philanthropiques créées par Albert Kahn, soucieux d’agir en faveur de la paix.

3. Un idéal à l'épreuve de la guerre (1914-1918) 

Face à la guerre, le businessman affirme sa position pacifiste en poursuivant ses actions : œuvre de bienfaisance, documentation des zones de guerre et écrits en faveur de la création d’organes supranationaux dans l’idée de reconstruire une Europe en ruine et prévenir les conflits.

4. Dialogues d'un monde en recomposition (1919-1929) 

Cette quatrième section explore les failles du Traité de Versailles et les tentatives de reconstruction à travers différents pactes et traités. 

5. Crépuscule d'une vie, persistance d'un projet (1929-1940) 

Malgré les multiples tentatives de préservation et de transmission, le maintien de la paix est fragilisé. Albert Kahn meurt en 1940, au moment où l’Europe sombre à nouveau dans la violence. Ses idéaux et son œuvre persistent aujourd’hui, réaffirmant la pertinence de son projet pacifiste. 

Épilogue, ouverture 

Le parcours s’achève sur la commande monumentale de l’artiste Laurence Aegerter et des interviews filmées de spécialistes, éclairant l’héritage de Kahn. Un dispositif participatif invite également les visiteurs à évoquer leur vision de la paix. 

Parcours de l’exposition

Le parcours révèle la frontière dans toute sa diversité : elle peut être lieu de ressources et de richesses, espace de tri des personnes ou de contrôle des données, zone de conflits ou de paix, ou encore limite maritime. Construite par des choix politiques ou résultant de rapports de force, la frontière n’a rien de naturel.
À travers une variété de situations et de contextes, chaque exemple présenté illustre les multiples facettes d’un mot qui recouvre des réalités totalement différentes selon les territoires et les enjeux.

Le parcours adopte une approche fragmentée, faisant découvrir des frontières singulières et d’autres universelles. Il réunit une grande diversité de médiums (cartes, analyses, photographies et œuvres) qui offrent autant de regards croisés sur la frontière. Géographes, artistes, citoyennes et citoyens y apportent chacun leur perspective, révélant la richesse et la complexité de cet objet d’étude et de représentation.

L’entrée de l’exposition plonge immédiatement le public dans l’expérience d’un passage de frontière grâce à un garde-frontière doté d’une intelligence artificielle.
Les visiteurs peuvent interagir avec l’IA et vivre un contrôle fictif, créant un moment à la fois immersif et dystopique.

Le parcours se compose de dix îlots thématiques :

• Mexique – États-Unis, la frontière XXL
• Venezuela – Colombie, une frontière aux mains des gangs
• Cyberespace : des frontières invisibles
• L’Europe, un projet de paix
• L’Europe, des frontières mortelles
• Les limites maritimes : mais où sont-elles ?
• Corée du Nord – Corée du Sud : la zone démilitarisée la plus militarisée du monde
• Géorgie – Russie, une frontière menaçante
• Cameroun – République centrafricaine, les effets d’une frontière humanitaire
• Niger – Algérie, une frontière de sable

Le parcours se conclut par un film de 30 minutes. Il rassemble les thématiques de l’exposition pour en offrir une vision globale, remettre en question les idées reçues et enrichir la compréhension des concepts transversaux liés aux frontières. Ce film pose un regard engagé, nourri de points de vue pluriels, notamment féminins, et invite les visiteurs à élargir leur perception des frontières tout en facilitant la mémorisation des éléments clés du parcours.

Avec cette exposition, le public découvre comment les frontières traduisent et interrogent les grands enjeux politiques, sociaux et environnementaux, tout en explorant les tensions et équilibres qui façonnent notre monde.

Informations pratiques

15 € | 12 € |
Conseillée à partir de 12 ans
Exposition trilingue (français, anglais, espagnol)
Ouverture de 10h à 18h du mardi au samedi et de 10h à 19h le dimanche